Athènes ouvrira la saison d’été avec le  Festival Athènes Epidaure 2024. Le Festival Athènes Epidaure est la principale organisation culturelle de Grèce et l’un des plus anciens festivals en cours en Europe. Avec 69 ans d’ histoire , le Festival a accueilli certains des plus grands artistes de la musique, de la danse et du théâtre de la scène internationale et nationale en collaboration avec les organisations grecques et internationales les plus prestigieuses, attirant un large public du monde entier.

Jusqu’en 2005, le Festival Athènes Epidaure se tenait exclusivement à l’Odeon d’Hérode Atticus et au Théâtre antique d’Épidaure. Depuis l’été 2006 le lieu industriel Peiraios 260  est depuis devenu un tremplin important pour l’art contemporain. Il s’agit d’un complexe comprenant des espaces de théâtre et de spectacle, ainsi que des lieux d’exposition et d’événements artistiques. Le nom « Peiraios 260 » fait référence à son adresse, située au 260 rue Pirée à Athènes.

Des productions artistiques et des performances du Festival Athènes Epidaure 2024 sont également présentées au petit théâtre de l’ancien Epidaure

Programme du Festival Athènes Epidaure 2024

Théâtre Hérode Atticus

OPÉRA / RENAISSANCE

1, 2, 6, 11 juin

SCÈNE LYRIQUE NATIONALE – LUCAS KAROUTINOS – HUGO DE ANA

Tosca de Giacomo Puccini

Le programme du Festival Athènes Epidaure 2024 au sein du Théâtre Hérode Atticus s’ouvre cette année encore avec la Scène Lyrique Nationale, présentant l’un des opéras les plus populaires du répertoire, Tosca de Puccini, avec la participation de stars internationales. La Tosca de Hugo de Ana (renaissance de la mise en scène de Katerina Petsatodi) est captivante, dramatique et fidèle à l’esprit du compositeur, ainsi qu’au contexte historique du livret. Les décors spectaculaires – une immense croix, une table sainte, un atelier de peinture – sont encadrés par des projections spectaculaires de monuments de Rome, de symboles religieux, ainsi que des vidéos donnant une dimension cinématographique à la production.

Direction musicale Lucas Karoutinos 

Musique contemporaine

13 juin

ANOHNI et les Johnsons

Il est temps de ressentir ce qui se passe vraiment. PREMIÈRE MONDIALE

Pour la première fois depuis une décennie, ANOHNI présente une série de concerts avec les Johnsons, accompagnée de neuf musiciens, dont Julia Kent (violoncelle), Maxim Moston (violon), Doug Wieselman (multi-instrumentiste), Gael Rakotondrabe (piano), Leo Abrahams (guitariste) et Jimmy Hogarth (guitariste/producteur). Répondant à une période de perturbation, ANOHNI pose le défi suivant : il est temps de ressentir ce qui se passe vraiment.

Née au Royaume-Uni et ayant grandi à Amsterdam et en Californie, ANOHNI a déménagé à New York à la fin de son adolescence, où elle a formé son groupe The Johnsons en 1998 et a tracé un parcours artistique unique axé sur des thèmes anti-militaristes et éco-féministes. Le voyage musical d’ANOHNI traverse de nombreux genres – de l’expérimental électronique à l’avant-classique, en passant par la danse et la soul. Elle s’est établie sur la scène musicale internationale avec l’album I Am a Bird Now (2005), qui a remporté le prix Mercury britannique. Depuis lors, elle a sorti les albums The Crying Light (2009), Swanlights (2010) et les enregistrements live Cut the World (2012) et TURNING (2014). En 2016, elle a sorti l’album électronique intensément politique HOPELESSNESS, produit par Hudson Mohawke et Daniel Lopatin, qui a été reconnu comme l’un des dix meilleurs albums de l’année par le New York Times. La même année, elle a été nominée pour un Oscar de la meilleure chanson pour la chanson écologique « Manta Ray », entendue dans le film Racing Extinction (réalisé par Louie Psihoyos, 2015).

Avec son sixième album studio, intitulé My Back Was A Bridge For You To Cross (2023), ANOHNI se concentre à nouveau sur les constructions sociales, la spiritualité et notre relation avec la « biosphère ». L’album a été distingué comme « album de l’année » par le New Yorker.

Dans des conditions difficiles comme celles d’aujourd’hui, l’artiste met en lumière l’importance du courage, de la résilience, de l’humilité et de l’honnêteté dans un paysage complexe et parfois douloureux. « Pour moi, il n’y a pas de repos céleste. La création est un continuum spectral et féminin ; l’homme reste une partie intégrante de la Nature ».

Musique classique

15 juin

EMANUEL AX – LEONIDAS KAVAKOS – YO-YO MA

Œuvres de Beethoven

Trois superstars de la musique classique, trois solistes de premier plan dotés d’une technique et d’une expression incomparables, auront le privilège de se produire sur la scène de l’Hérodeion cette année. Emanuel Ax, Leonidas Kavakos et Yo-Yo Ma jouent ensemble depuis quelques années, remplissant les salles les plus prestigieuses à travers le monde, et ont déjà enregistré trois albums d’œuvres de Beethoven, dans une collaboration exceptionnellement heureuse pour le public mélomane – qui semble être tout aussi gratifiante pour eux-mêmes. Une rencontre magique qui nous offre la rare opportunité d’apprécier trois interprètes exceptionnels dans un dialogue créatif d’une qualité exceptionnelle.

Musique grecque

17 juin

CONCERT HOMMAGE Un siècle de Mimis Plessas

Dans une carrière mythique s’étendant sur sept décennies, Mimis Plessas, compositeur polyvalent, virtuose du piano et chef d’orchestre, a créé des mélodies et des chansons qui ont marqué leur époque, de la musique pour le cinéma et le théâtre, du jazz, de l’opéra ainsi que de la musique classique. Généreux et bienveillant créateur, il a révélé de nombreux grands chanteurs (Nana Mouskouri, Jenny Vanou, Yiannis Poulopoulos, Stratos Dionysiou, Rena Koumioti, entre autres) et a façonné la chanson artistique et populaire avec sa riche contribution à l’industrie musicale, dont il détient également le disque grec le plus vendu de tous les temps : « Dromos »( « Le Chemin »), sur des paroles de Lefteris Papadopoulos, avec 4 000 000 d’exemplaires vendus depuis 1969. Au cinéma, les chansons de Plessas, de « Thalassies ti chandres »( « Les Perles de la mer ») à « Vrehei fotia sti strata mou »(« La pluie tombe sur mon chemin »), sont associées aux moments les plus brillants du cinéma grec et sont encore chantées aujourd’hui. »

Le grand compositeur, qui célèbre cette année ses 100 ans ,sera honoré lors du concert de l’Hérodeion par une pléiade d’artistes, accompagnés de l’Orchestre Mimis Plessas et de l’Orchestre de Musique Contemporaine de l’ERT. »

Musique classique

18 juin

ORCHESTRE PHILHARMONIQUE – SANTTU-MATIAS ROUVALI – PATRICIA KOPATCHINSKAJA

Œuvres de Glinka, Stravinsky et Tchaïkovski

Le célèbre Philharmonique de Londres, l’une des plus grandes orchestres au monde, se produit à l’Odeon Herode Atticus sous la direction de son chef d’orchestre principal, Santtu-Matias Rouvali, qui a pris ses fonctions en 2021 à seulement 35 ans, une position occupée dans le passé par des légendes telles que Toscanini, Karajan et Muti. Le dynamisme et la fraîcheur de l’approche de Rouvali sont parfaitement complétés par le tempérament explosif de la violoniste solo Patricia Kopatchinskaja, considérée comme l’enfant terrible de la musique classique pour ses interprétations non conventionnelles et passionnées.

Musique classique

21 juin – Journée mondiale de la musique

ORCHESTRE SYMPHONIQUE NATIONAL DE L’ERT –Elisey Mysin – Michalis Economou

Comme chaque année le 21 juin, le Festival Athènes Epidaure 2024 célébrera la Journée mondiale de la musique avec le concert traditionnel de l’Orchestre Symphonique National de l’ERT. Cette année, pour la première fois en Grèce, le  Festival Athènes Epidaure 2024 accueille le prodige du piano enfant, Elisey Mysin, âgé de 13 ans, en provenance de Russie. Le jeune soliste primé interprétera le Concerto pour piano n° 2 de Chopin en collaboration avec l’Orchestre symphonique national de l’ERT, sous la direction du chef d’orchestre de renommée internationale Michalis Economou. ( (Oikonomou).)Le concert sera accompagné par la Chorale de l’ERT, qui interprétera avec l’orchestre certaines des plus grandes œuvres musicales mondiales. Danse

25 juin

ANNE TERESA DE KEERSMAEKER, MESKEREM MEES, JEAN-MARIE AERTS, CARLOS GARBIN / ROSAS

EXIT ABOVE – après la tempête

L’une des plus importantes créatrices de la danse contemporaine, Anne Teresa De Keersmaeker, revient à l’Herode Atticus avec son ensemble Rosas pour nous présenter EXIT ABOVE, sa nouvelle œuvre qui a été acclamée par les critiques dans tous les grands festivals européens (Avignon, Vienne, Rome).

Il s’agit d’une chorégraphie pour treize interprètes avec musique live, où l’acte familier de marcher rencontre le blues. L’œuvre met en lumière la façon dont le blues « crée » la communauté, le sentiment d’être « ensemble », dans une chorégraphie exigeante qui envahit progressivement la scène de son énergie explosive.

De Keersmaeker fait appel au magicien du son Jean-Marie Aerts, à l’interprétation envoûtante de Meskerem Mees, une auteure-compositrice-interprète flamande d’origine éthiopienne, et au guitariste Carlos Garbin.

Musique contemporaine

26 juin

LOREENA MCKENNITT

The Mask and Mirror – Tournée du 30e anniversaire

Loreena McKennitt revient en Grèce après les deux concerts à guichets fermés qui ont laissé une impression durable en 2019 à Athènes et Thessalonique. La célèbre chanteuse et compositrice canadienne se distingue par son style musical caractéristique, mêlant les musiques du monde à des éléments folkloriques d’Europe du Nord et de la Méditerranée. Cette année, elle célèbre les 30 ans de son album emblématique The Mask and Mirror lors d’une tournée européenne, dans lequel elle marie habilement la tradition musicale celtique aux sonorités de l’Espagne et du Maroc.

Lors de son concert à Athènes, première étape de sa tournée, elle présentera ses classiques bien-aimés dans la première partie, tandis que dans la seconde, elle interprétera intégralement The Mask and Mirror.

Caroline Lavelle violoncelle • Brian Hughes guitare • Hugh Marsh violon • Dudley Phillips contrebasse

Musique classique

28 juin

ORCHESTRE NATIONAL D’ATHÈNES – NEEME JÄRVI

La Neuvième Symphonie de Beethoven

Des artistes lyriques de renommée internationale collaborent avec l’Orchestre National d’Athènes sous la baguette experte du célèbre chef d’orchestre américain d’origine estonienne, Neeme Järvi, pour présenter au public de l’Herode Atticus la majestueuse Neuvième Symphonie de Ludwig van Beethoven. Cet immortel chef-d’œuvre, sans aucun doute l’une des plus grandes réalisations de l’esprit humain, a plus transformé le cours de la musique symphonique que tout autre. Symbole inégalé de beauté et de vérité, il représente l’expression musicale la plus poignante de l’humanisme, une œuvre-symbole de liberté, de dignité et de fraternité entre les peuples.

Musique classique

30 juin

ORCHESTRE DE CHAMBRE D’EUROPE – SIMON RATTLE – MAGDALENA KOŽENÁ

Œuvres de Dvořák, Mahler, Bartók, Schubert

L’Orchestre de Chambre d’Europe, maintes fois primé, a conquis le sommet depuis des décennies grâce à son son distinctif et à ses interprétations captivantes. Cet été, il parcourt les plus grandes scènes d’Europe sous la direction d’une superstar du podium, le Britannique Sir Simon Rattle. C’est la troisième collaboration de Rattle avec l’orchestre, avec lequel le charismatique chef d’orchestre déclare être véritablement amoureux. Les émouvants Rückert-Lieder de Gustav Mahler seront interprétés par la célèbre mezzo-soprano Magdalena Kožená.. Le programme comprend également les Cinq Chants populaires hongrois de Béla Bartók et le Scherzo Capriccioso, op. 66 d’Antonín Dvořák, et se termine par un chef-d’œuvre incomparable, la Symphonie « Grande » n° 9 en do majeur de Franz Schubert.

Musique classique

4 juillet

PHILHARMONIQUE DE GRAZ – VASILIS CHRISTOPOULOS – ALEXIA MOUZA

Œuvres de Strauss, Mozart, Mahler

Le chef d’orchestre grec Vasilis Christopoulos a débuté il y a quelques mois sa direction en tant que directeur musical principal à l’Opéra et Philharmonique de Graz, prenant ainsi les rênes d’une des scènes lyriques historiques de l’Europe. Le Festival accueille avec grande joie le chef d’orchestre renommé internationalement et son orchestre avec la dynamique  pianiste Alexia Mouza. Les œuvres du programme font référence, d’une manière ou d’une autre, à la tradition musicale viennoise : la délicieuse Ouverture de La Chauve-Souris de Johann Strauss est suivie par l’une des œuvres les plus célèbres et aimées de Mozart, le Concerto pour piano n° 23 en la majeur. La deuxième partie est consacrée à une œuvre emblématique de la fin du romantisme musical, la Symphonie n° 1 de Mahler.

Musique contemporaine

5 juillet & 6 juillet

STING

Au cours de sa remarquable carrière, Sting a remporté 17 Grammy Awards et vendu 100 millions d’albums dans le monde entier en tant que l’un des artistes solo les plus distinctifs au monde ainsi qu’en tant qu’ancien leader de The Police. Chanteur, compositeur, acteur, écrivain et activiste, Sting a également reçu un Golden Globe, quatre nominations aux Oscars, une nomination aux Tony Awards et le Century Award de Billboard, en plus d’avoir été honoré par le Kennedy Center. Son soutien à des organisations de défense des droits de l’homme telles que le Rainforest Fund, Amnesty International et Live Aid ne représente qu’un échantillon de l’influence mondiale de son art. En collaboration avec son épouse Trudie Styler, il a fondé le Rainforest Fund en 1989 pour protéger les forêts du monde et les populations autochtones qui y vivent. Pour plus d’informations, visitez www.sting.com.

À son concert à l’Hérodeion, l’artiste polyvalente Giordana Angi sera l’invitée spéciale de Sting.

MUSIQUE GRECQUE CYCLE DE LA MÉTAMORPHOSE

8 & 9 juillet

DIONYSIS SAVVOPOULOS

Notre propre Metapolitefsi

Le festival célèbre le 50e anniversaire de la restauration de la démocratie en invitant le grand Dionysis Savvopoulos à créer une fête musicale/dédiée avec des chansons liées à « Transition politique » , la conquête des droits démocratiques, la liberté, le divertissement, le quotidien, l’espoir.

En se concentrant sur les moments musicaux de la période 1973-1983, Dionysis Savvopoulos, dans le rôle d’hôte, invite les grands artistes Eleftheria Arvanitaki, Dimitra Galani, Christos Thivaios, Manolis Mitsias, Panos Mouzourakis, George Dalaras et Maria Farantouri à chanter ensemble ses propres succès de l’époque ainsi que ceux de Hadjidakis, Theodorakis, Xarhakos, Loïzos, Markopoulos, Mikroutsikos, Lagios…

Avec un groupe composé de musiciens reconnus, sous la direction musicale de Giotis Kiourtsoglou (et deux arrangements de Stavros Lantsias) et la chorale de l’ERT, nous vivrons deux soirées historiques.

Musique classique

10 juillet

THE PHILHARMONIC BRASS – PHILIPPE AUGUIN

Œuvres de Gershwin, Williams, Morricone, Shostakovich, Verdi, Mascagni, Dvořák

Composé exclusivement de cuivres et de percussions, l’orchestre Philharmonic Brass a été créé en 2023 par des membres des orchestres philharmoniques de Vienne et de Berlin. Des musiciens éminents de trois générations, des maîtres dans leur domaine, unissent leur passion et leurs forces dans le but de se développer et d’offrir au public une expérience d’écoute inédite.

Avec le célèbre Philippe Auguin sur le podium, lors du concert à l’Herode Atticus, l’orchestre interprétera des mélodies populaires du cinéma ainsi que des classiques du répertoire.

Musique classique

12 juillet

ORCHESTRE D’ÉTAT D’ATHÈNES – LOUKAS KARYTINOS – KHATIA BUNIATISHVILI

Œuvres de Tchaïkovski et Bartók

Grâce à une combinaison ardente de talent, de virtuosité, d’expressivité et d’éclat, la superstar géorgienne du piano, Khatia Buniatishvili, a toujours su captiver son public où qu’elle se produise, interprétant des œuvres exigeantes avec un véritable passion et une inspiration authentique. Cette année, l’Herode Atticus l’acueille pour interpréter le concerto pour piano, sans doute le plus populaire de tous les temps, le Premier de Tchaïkovski. Accompagnés dans le monde mélodique du compositeur romantique par l’Orchestre d’État d’Athènes et le renommé chef d’orchestre Loukas Karytinos, ils se transformeront eux-mêmes en… solistes dans le célèbre Concerto pour orchestre de Bartók, l’œuvre symphonique la plus spectaculaire du pionnier hongrois, débordant de vitalité et d’esprit dansant, frôlant les limites de l’excès. Une soirée qui promet de grandes émotions !

Musique grecque

14 juillet

TANIA TSANAKLIDOU

50 étés et hivers

La scène de l’Odeon d’Hérode Atticus accueille l’unique Tania Tsanaklidou le 14 juillet, lors d’une soirée spéciale du festival de cette année. L’interprète ramène au présent les trésors d’une discographie de 50 ans avec les mélodies qui ont marqué son parcours.

Dans le spectacle musical qu’elle supervisera elle-même, le flux des chansons suivra à la fois le contexte socio-politique dans lequel elles sont nées et les recherches artistiques de Tsanaklidou au fil du temps. Ainsi, la dictature, la transition politique, les bouzoukia de Plaka, Xylouris, Markopoulos et Leontis se rencontrent sur scène avec le passage de Tania Tsanaklidou du Théâtre de l’Art et du Théâtre national de Grèce, Yannis Spanos et Mormolis, Charlie Chaplin, Edith Piaf, Yorgos Hatzinasios, Stamatis Kraounakis, Michalis Delta, entre autres.

Musique classique & breakdance

16 juillet

JAKUB JÓZEF ORLIŃSKI PREMIÈRE EN GRÈCE

IL POMO D’ORO

Beyond

Le contre-ténor polonais multi-récompensé Jakub Józef Orliński arrive à l’Herode Atticus pour conquérir le public grec non seulement avec sa voix, qualifiée de « plus belle de la planète », mais aussi avec sa présence charismatique en tant que breakdancer. Avec  Il Pomo d’Oro, l’ensemble fondé en 2012 par des artistes renommés dans le domaine de l’interprétation historique de la musique, ils sont acclamés lors de concerts à guichets fermés dans le monde entier, initiant une nouvelle génération d’auditeurs à la musique ancienne. Il n’est pas surprenant que la performance en direct d’Orliński de l’aria « Vedrò con mio diletto » de Vivaldi (Aix-en-Provence, 2017) compte plus de 11 000 000 de vues sur YouTube. Avec « Beyond », ils présentent des compositions du début du baroque, dont beaucoup sont rarement jouées, dans l’une des soirées les plus attendues et les plus non conventionnelles du programme de cette année.

Musique contemporaine-Jazz

18 juillet

QUATUOR CHARLES LLOYD SKY

Invitée spéciale : MARIA FARANTOURI

Le légendaire saxophoniste de jazz Charles Lloyd revient en Grèce pour partager à nouveau la scène avec Maria Farantouri, une décennie et demie après l’historique « Concert d’Athènes », qui a captivé le public à l’Herode Atticus en 2010 et qui a ensuite été publié sur disque avec un énorme succès.

Le grand saxophoniste et compositeur américain, qui vient de fêter ses 86 ans avec la sortie de son nouvel album The Sky Will Still Be There Tomorrow, sera accompagné de trois solistes exceptionnels de renommée internationale : le pianiste Jason Moran, le contrebassiste Larry Grenadier et le batteur Brian Blade. Les chemins du jazz se croisent avec la tradition musicale grecque et Mikis Theodorakis dans un concert aux mélanges musicaux passionnants.

OPÉRA

27, 28, 30 et 31 juillet

SCÈNE LYRIQUE NATIONALE – PIER GIORGIO MORANDI – KONSTANTINOS RIGOS

La Traviata de Giuseppe Verdi

Le programme du théâtre Hérode Atticus se termine avec La Traviata de Verdi, mise en scène par Konstantinos Rigos. L’amour malheureux de la « Dame aux camélias » pour Alfredo Germont, tel qu’inspiré et mis en musique par Verdi à travers des mélodies d’une force unique, qui restent indélébiles dans l’esprit et le cœur, prendra vie lors de quatre représentations.

Dans la première distribution, la super star américaine d’opéra Nadine Sierra interprétera le rôle de Violetta Valéry, avec le jeune ténor Freddie De Tommaso dans le rôle d’Alfredo Germont et le baryton internationalement reconnu Dimitris Platanias dans le rôle de Giorgio Germont.

Dans le deuxième casting, deux stars internationalement reconnues de la SLC, Vasiliki Karagianni et Tassis Christoyannis, joueront respectivement les rôles de Violetta Valéry et de Giorgio Germont, avec le célèbre ténor italien Francesco Demuro dans le rôle d’Alfredo.

Peiraios 260

Théâtre

5 – 7 juin

NOWY TEATR – KRZYSZTOF WARLIKOWSKI

Elizabeth Costello / J. M. Coetzee. Sept leçons et cinq paraboles.

Basé sur les œuvres de J. M. Coetzee. Elizabeth Costello, A Slow Man, and Moral Tales

La question de savoir si l’art peut sauver le monde ou si le désir des artistes de parler « à travers l’art » et de laisser leur marque est simplement utopique est posée par Elizabeth Costello, le personnage fictif du lauréat du prix Nobel sud-africain J. M. Coetzee, à son créateur.

Elizabeth Costello n’est pas simplement un personnage de fiction inventé. On pourrait dire qu’elle est l’alter ego artistique de Coetzee : elle parle en son nom et subit les critiques et la colère des lecteurs et des critiques. Selon Coetzee, Elizabeth Costello envahit son imagination et ses écrits, puis utilise sa propre voix pour parler de philosophie, d’environnement, de questions sociales et existentielles, ou pour sensibiliser le monde à la maltraitance des animaux, à l’injustice sociale et à l’exclusion des personnes âgées et des handicapés. Elle est comme un fantôme qui revient sans cesse hanter son créateur.

Le réalisateur polonais bien-aimé en Grèce, Krzysztof Warlikowski, revient régulièrement sur l’œuvre de Coetzee. Costello semble également hanter le théâtre de Warlikowski, car elle est déjà apparue dans cinq de ses productions – parfois personnellement et parfois en référence. Mais c’est la première fois qu’il lui consacre une œuvre entière et en fait le personnage central de sa nouvelle pièce. Cette nouvelle production fera ses débuts au printemps 2024 au Nowy Teatr de Varsovie et se poursuivra à Barcelone, Liège, Paris et Stuttgart, entre autres. Le Festival est fier d’être co-producteur et a le privilège de la présenter en première, juste après sa première mondiale en Pologne.

Mise en scène : Krzysztof Warlikowski 

5 & 6 Juin

DRESDEN FRANKFURT DANCE COMPANY –

À la carte

Avec « À la carte » le chorégraphe grec international Giannis Mantafounis se présente comme le nouveau directeur artistique de la Dresden Frankfurt Dance Company. Il s’agit d’une œuvre de grande envergure qui a reçu des critiques enthousiastes. Sa structure, comme celle d’un menu de restaurant, est préétablie. Cependant, ce qui se déploie sur scène est façonné en temps réel par les danseurs et danseuses, selon la méthode chorégraphique reconnaissable de Mantafounis, toujours basée sur le dialogue entre l’équipe et le public, comme s’ils élaboraient ensemble un menu coloré. Ce spectacle ouvre le programme de danse du Festival Athènes Epidaure 2024.

5 – 7 Juin

Anastasia Valsamaki

THE VERSO

Comment le corps dansant et la chorégraphie peuvent-ils résister à l’adresse frontale classique et créer des paysages en mouvement ? La performance THE VERSO est inspirée par la tendance esthétique du mouvement romantique Rückenfigur et expérimente l’utilisation du « verso », à la fois au sens figuré et littéral.

Au début des années 1800, le peintre allemand Caspar David Friedrich revenait encore et encore au même sujet : des figures admirant de magnifiques paysages, le dos tourné vers leur spectateur. Dans THE VERSO, quatre danseurs exposent leur dos au public, créant ainsi une série d’images atmosphériques alternant entre paysages en mouvement et statiques. L’absence de contact visuel et la sensation de mauvaise position des corps composent un contrat dramatique inédit, où les éléments visibles et invisibles suggèrent à chaque fois de nouvelles narrations performatives. Une œuvre « passeport » pour de nouvelles explorations, comme le verso d’une peinture, révélant son parcours à travers le temps.

Idée et chorégraphie : Anastasia Valsamaki 

12 & 13 juin

SERGE AIMÉ COULIBALY – FASO DANSE THÉÂTRE-BELGIQUE

C la vie

Le chorégraphe Serge Aimé Coulibaly conçoit la danse comme un acte politique et social. Né et ayant grandi au Burkina Faso, en Afrique de l’Ouest, il est familier des inégalités sociales et de la pauvreté, et ses chorégraphies naissent de la remise en question, du désir de révolte et de l’espoir.

Dans son nouveau travail, s’appuyant sur la riche tradition de la culture africaine, il crée une cérémonie d’initiation contemporaine et nous invite à participer à l’effondrement du vieux monde. Dans cette fête rituelle, il n’y a pas d’épreuves que le héros doit surmonter, mais un seul défi : comment coexister. Sept danseuses et danseurs, une chanteuse et un musicien explorent sur scène des modes de cohabitation alternatifs qui comblent le fossé entre les cultures. Dans un monde en spirale vers l’autodestruction, la joie de vivre ensemble apparaît comme le seul antidote.

Coulibaly travaille partout  dans le monde depuis 2001, et, comme il le dit lui-même, il a été profondément influencé par sa collaboration avec Alain Platel. Cependant, la source à laquelle il revient toujours pour puiser inspiration et offrir à la communauté est son pays natal. En 2002, il a créé là-bas la compagnie Faso Dance Théâtre, tandis qu’en 2014, il a fondé dans sa ville natale de Bobo-Dioulasso le centre de recherche et de diffusion des arts du spectacle « Ankata », une initiative avec une forte empreinte sociale et éducative.

Conception – Chorégraphie : Serge Aimé Coulibaly 

13 & 14 juin

CAROLINE GUIELA NGUYEN-FRANCE

Lacrima

Une maison de haute couture reçoit une commande inhabituelle : créer la robe de mariée d’une princesse de la famille royale d’Angleterre. Pendant huit mois, diverses personnes travaillent à la réalisation du projet secret sans connaître le produit final : le mannequin à Paris, la dentellière en Normandie, le brodeur à Mumbai. Tous sont engagés à ne rien révéler. Mais sur scène, nous voyons se dérouler le destin et les rêves. Caroline Guiela Nguyen, que nous avons rencontrée au Festival avec la magnifique Saïgon (2019) et qui nous a présenté en 2021 la pièce Fraternité, un conte fantastique, tisse une histoire autour du processus laborieux de la création, une histoire sur la violence, institutionnelle et intrafamiliale, et sur les larmes cachées derrière la beauté.

La performance Lacrima est le premier volet d’une série d’œuvres que la créatrice envisage sous le titre général « Une histoire contemporaine des larmes ».

15 – 18 juin

VALÉRIA DIMITRIADOU

Nonante

Comment verrions-nous le monde si nous avions quatre-vingt-dix ans ? Accepterions-nous la fin qui approche ou voudrions-nous savourer la vie jusqu’à la dernière goutte ? Membre de l’équipe C for Circus, Valéria Dimitriadou, primée par l’Association grecque des critiques de théâtre et des arts du spectacle pour son œuvre Et Dieu planta le Paradis, propose un nouveau texte plein d’humour et de tendresse, un éloge de la vie.

Un homme âgé de quatre-vingt-dix ans et son fils de quarante ans. Tous deux dans une ville qui court. Dans une ville sauvage. Le vieillard, bien que vieux, se sent comme s’il venait de naître. Et le jeune, bien que jeune, a l’impression que sa vie touche à sa fin. Faible, vulnérable et blessé comme il est, il décide d’envoyer son père dans une maison de retraite. Le seul soutien du vieil homme est sa jeune amie, une fille handicapée, avec qui ils se retrouvent tous les jours au bord du lac du parc central de la ville. Pourquoi un vieillard devrait-il accepter la fin ? Pourquoi ne pourrait-il pas sortir, tomber amoureux, faire l’amour ? Parce qu’il est vraiment incapable ou parce que tous les autres ne le lui permettent pas, nous ?

Dans une époque comme la nôtre qui idéalise la jeunesse, la pièce met en lumière un sujet tabou : la vieillesse. Avec de la musique live sur scène, elle raconte un microcosme imaginaire qui résiste fermement à notre présent dystopique en prônant l’empathie et la solidarité.

OPÉRA / PERFORMANCE REPRISE

15 – 18 juin

GIANNIS SKOURLETIS – bijoux de kant

Chants du folklore grec – Oratorio Drag

Après le grand succès de l’année dernière dans le programme, bijoux de kant de Giannis Skourletis revient avec Chants du folklore grec – Oratorio Drag, un spectacle révolutionnaire, une lecture audacieuse, qui a été qualifiée de « saut dans le temps, l’espace et le genre » (Lifo), et a été considérée comme ayant donné naissance à « une nouvelle forme artistique qui s’éloigne des strictes catégories de l’ethnicité de l’art » (H. Aube).

La performance s’inspire du grand compositeur, maestro et pianiste  Giannis Konstantinidis (1903-1984). Ayant excellé dans le domaine de la chanson légère (« Réveille-toi, mon amour », « Tu reviendras », « Les nouvelles d’Alexandra », « Je suis tellement désolé », etc.) sous le pseudonyme de Kostas Yiannidis, avec le cycle Vingt chansons du folklore grec, Konstantinidis a créé un hypertexte, une composition musicale correspondant à son parcours artistique complexe. À partir de ce cycle de chansons et des textes de l’artiste et chercheur Alexandros Papadopoulos, la drag baritone Nina Nay, la performer Daglara et le pianiste George Ziavras racontent en profondeur une histoire qui pourrait servir de scénario à un spectacle d’horreur grec. Dans un paysage étrange, conçu par le scénographe Konstantinos Skourletis,

Ils parlent de la blessure ouverte du patriarcat et de la déviance. Ils racontent un autre, souvent invisible, Grèce. Les idoles d’une expérience personnelle bien cachée racontent les souffrances de l’altérité dans un monde dystopique.

DANSE

15 & 16 juin

AEF URBAN DANCE CONTEST

Battle de hip-hop

Après les succès des éditions précédentes, l’AEF Urban Dance Contest, qui a initié le public de Peiraios 260 à l’univers du hip-hop et de la danse de rue, revient pour la quatrième fois cette année avec de nouveaux affrontements de danse explosifs lors de deux soirées successives, toujours supervisées par le danseur et chorégraphe Ilias Hatzigeorgiou et son complice danseur, Periklis Petrakis. Des danseurs et danseuses reconnus et émergents rivaliseront dans deux catégories (1vs1 Hip Hop Battle et 2vs2 All Styles Battle) pour remporter le titre de vainqueur du 4ème AEF Urban Dance Contest ainsi que des prix en argent intéressants. Les juges, des danseurs et danseuses distingués de Grèce et de

À l’étranger, ils seront appelés à décider qui seront les vainqueurs de cette année, alors que nous aurons le plaisir de les voir danser lors des showcases des juges. Et les deux soirées seront animées par la voix familière et abondante de l’animateur Sifu Versus, tandis que de merveilleuses musiques de danse résonneront des platines du DJ Amaze Me, qui, après la fin des battles, nous guidera dans une fête de danse sans frontières.

THÉÂTRE – LIBAN

17 et 18 juin

RABIH MROUÉ

À la recherche d’un employé disparu

Des preuves concernant des suspicions erronées, des scandales, des révélations de corruption gouvernementale et des meurtres entourant la disparition inattendue d’un employé du ministère des Finances du Liban à Beyrouth en 1996. Et encore, la perte d’une grosse somme d’argent qui soulève de nombreuses questions. Dans sa quête pour savoir où se trouve son mari, la femme de l’employé est arrêtée.

Basé sur des faits réels, le dramaturge, metteur en scène et acteur Rabih Mroué présente une pièce sur cette affaire policière inquiétante et les facteurs politico-économiques impliqués, recherchant la « Vérité » à travers des articles de presse et des photographies collectés au fil des décennies.

Calme mais impitoyable, il examine chaque preuve. Il se tient parmi nous alors que nous regardons la présentation minutieuse du matériel sur l’écran. Peu à peu, nous obtenons une idée de la personnalité de l’employé. Ce qui restait de son corps a été retrouvé deux mois après sa disparition.

Mroué nous guide pour comprendre à quel point les informations sont manipulées et ambiguës, en parfaite accord avec les intérêts gouvernementaux.

Texte – Mise en scène Rabih Mroué

THÉÂTRE MONOLOGUES

17 & 18 juin

NIKAÏTI KONTOURI

Les Mariages Secrets de Michális Almpátis

Après avoir suscité une grande sensation avec son roman « Et que les morts enterrent leurs morts » publié en 2022 (éd. Nisos), l’écrivain Michális Almpátis écrit pour le festival un monologue théâtral se déroulant dans une petite ville de Crète au début des années 1980.

« Des mots cryptes et gametes, comme l’explique l’auteur, le titre « Les Mariages Secrets » fait référence à la fécondation cachée. Ainsi le botaniste suédois Carolus Linnaeus a nommé les algues, les champignons, les plantes cryptogames et les ptéridophytes, car l’absence de fleurs, de fruits et de graines rendait leur mode de reproduction énigmatique. Mais il y a aussi des créatures humaines qui propagent le même mystère, classées de manière ambiguë entre les genres, jouant un rôle obscur dans le flux de l’évolution (…) Des organismes qui, pour survivre, imitent leurs semblables, dans leurs manières, leur apparence, leur langage, contraints de fleurir uniquement dans l’obscurité, remplissant leurs poumons de nuit. Ainsi ils vivent, retenant leur souffle pendant des années, mais si leur air est préservé et qu’ils sont forcés de surgir violemment dans la lumière, l’inflammation est inévitable… »

Les protagonistes sont « un boucher qui ne voulait pas devenir boucher, qui déteste l’odeur des viscères et du sang, une bague magique qui transforme celui qui la porte en ce qu’il désire le plus mais aussi en ce qu’il craint d’être, une fête de fiançailles et une travestie assassinée qui avait pour modèle Aliki Vougioukláki, donnant des spectacles avec ses chansons dans les rues et les tavernes, sous les moqueries et les huées ». Le texte de l’auteur se concentre sur la sauvagerie de la province grecque des années 1980, tandis que la représentation s’adresse à ceux qui ont enduré la terreur de la marginalité, de l’erreur, de l’opprobre public. La mise en scène de Nikaïti Kontouri réunit un groupe d’artistes passionnés, dans le but de révéler le mécanisme explosif qui se cache derrière les mots d’un texte aussi humain, et d’ouvrir un autre chemin lumineux vers l’acceptation de la différence. En outre, comme le souligne la metteuse en scène, « la Nature est toujours plus forte et trouve une issue même par des moyens très douloureux. Écoutons-la ! »

Texte Michális Almpátis • Mise en scène Nikaïti Kontouri •

THÉÂTRE / BELGIQUE – GRÈCE MONOLOGUES

21-26 juin

GUY CASSIERS

La bien-aimée de Monsieur Lin de Philippe Claudel

L’un des créateurs contemporains les plus importants au niveau mondial, Guy Cassiers vient en Grèce pour mettre en scène Konstantínos Markoulákis dans le roman de Philippe Claudel « La bien-aimée de Monsieur Lin » (2005). Le grand metteur en scène belge, ancien directeur artistique du célèbre théâtre Toneelhuis d’Anvers, utilise un langage théâtral très personnel, dans lequel il marie habilement les médias visuels et la littérature sur scène.

Le roman de Claudel, que le metteur en scène aborde comme un monologue, raconte l’histoire émouvante d’un homme contraint de fuir son pays en guerre avec sa petite-fille et de demander asile en Europe, sans comprendre la langue. À travers l’histoire de Monsieur Lin, l’auteur parle avec perspicacité du déracinement, de la blessure, de la réconciliation, de la camaraderie, mais aussi du besoin vital des gens de connexion et de communication. Le monologue est interprété par Konstantínos Markoulákis, qui signe également l’adaptation de l’œuvre en grec.

La première de l’œuvre a eu lieu à Thessalonique le 22 mars 2024.

Traduction Aspasía Sigála • Mise en scène Guy Cassiers • Adaptation Konstantínos Markoulákis 

21 – 23 juin

HOMMAGE À LÉONIDAS VOGIATZIS

Projection de la pièce (Antigone, 2007) et discussion

À l’occasion des 80 ans de la naissance du regretté dramaturge, le  Festival Athènes Epidaure 2024. organise un hommage en sa mémoire. Dans ce cadre, sera projetée l’Antigone historique de la Nouvelle Scène mise en scène par Léonidas Vogiatzis à Épidaure en 2006, avec lui-même dans le rôle de Créon et Amalia Moutousi dans le rôle d’Antigone. La projection que nous allons voir est l’enregistrement de la représentation qui a été rejouée à Épidaure en 2007.

Le 22 juin, après la projection, une discussion aura lieu avec la participation des membres de la distribution de la pièce, qui parleront de l’empreinte indélébile de cet artiste unique sur la scène théâtrale grecque contemporaine.

THÉÂTRE – ROYAUME-UNI COPRODUCTION INTERNATIONALE

26 & 27 juin

FORCED ENTERTAINMENT

Signal to Noise

Depuis 40 ans, le collectif britannique Forced Entertainment vit les mêmes expériences sociales que nous vivons : tragiques, dures, ambivalentes et comiques.

Dans Signal to Noise, nous observons des individus aliénés, à la frontière entre le naturel et l’artificiel ; captifs de phrases d’ordinateurs, où les corps humains semblent reproduire sans émotion des conventions sociales impersonnelles. Comment le corps réagit-il lorsque la voix, la langue, le contenu et l’expression sont prédéterminés ?

Les corps de Forced Entertainment persistent à jouer : ils portent des costumes et des perruques, désorganisent et réorganisent constamment la scène, dans des arrangements de plus en plus inutiles et absurdes, avec un sérieux absolu – plus l’arrangement est absurde, plus ils sont sérieux. Une chorégraphie comique et douloureuse de communication désynchronisée entre les mots et le langage corporel, reflétant des questions tristes : Est-ce ma main ? Est-ce ma voix ? Dans quelle mesure, en fin de compte, ce que nous pensons, ce que nous sommes, est-il produit par l’intelligence artificielle ? Signal to Noise dresse un portrait majestueux et inquiétant de notre état mental limité et altéré.

Conception et création Forced Entertainment 

THÉÂTRE CERCLE POST-DICTATURE

26 – 29 juin

Manos Karatzogiannis

50 ans, une nuit

Il y a maintenant un demi-siècle depuis la révolte de l’École polytechnique en novembre 1973. Dans le sillage de mai 1968, le mouvement étudiant articule vigoureusement sa parole dans la Grèce de la dictature. La protestation des jeunes ainsi que d’une partie de la société grecque qui les soutenait explosa comme une nécessité de réaction physique et spontanée contre l’autoritarisme et s’intensifia en trois jours de revendications inédites et de ferment idéologique, mais surtout de solidarité. Que signifie pour nous aujourd’hui cette expérience collective de solidarité et de sacrifice ?

À l’occasion de cet anniversaire récent, la pièce 50 ans, une nuit tente une lecture contemporaine de ce moment critique du point de vue du théâtre. La parole tourmentée des vrais protagonistes revit à travers des témoignages authentiques d’étudiants, d’élèves mais aussi de simples citoyens – certains publiés, d’autres recueillis dans le cadre de la recherche dramatique ; des citoyens qui ont pris part, volontairement ou involontairement, au drame de l’Histoire chacun depuis sa propre position. En réunissant des générations d’acteurs plus âgés et plus jeunes, la pièce reconstitue le puzzle de cet « événement fluide, violent et sans contour défini » – comme le qualifie l’historienne américaine Janet Lugo -, dans un récit collectif qui devient la matière première d’une précieuse leçon de théâtre et un guide dans la recherche du sens de la Démocratie.

La mise en scène est signée Manos Karatzogiannis.

DANSE – ESPAGNE

28 – 30 juin

ROGER BERNAT

Le Sacre du Printemps / La cérémonie du printemps

Basé sur la chorégraphie de Pina Bausch

La Cérémonie du Printemps, sur la musique d’Igor Stravinsky et la chorégraphie de Vaslav Nijinski, est l’un des ballets les plus importants du 20e siècle, que Pina Bausch a recréé dans une performance emblématique en 1975. Inspiré par sa propre « lecture », le créateur catalan d’avant-garde Roger Bernat a conçu cette œuvre, qui est à la fois jeu et chorégraphie.

La pièce a été présentée dans des dizaines de pays à travers le monde, du Brésil et du Canada à l’Égypte, la Finlande et le Japon.

DANSE – ARGENTINE / BELGIQUE

29 & 30 juin

AYELEN PAROLIN PREMIÈRE EN GRÈCE

ZONDER

Sur les airs du Beau Danube Bleu de Strauss, trois performeurs sur scène tentent de trouver leur rythme et de se synchroniser, dans un jeu où les règles changent constamment. Leur persévérance à achever l’œuvre, en ignorant le décor qui se démantèle, est presque émouvante.

Avec humour et autodérision, la chorégraphe argentine primée Ayelen Parolin, qui vit et travaille en Europe depuis 2000, orchestre dans ZONDER un cauchemar joyeux, un désordre chorégraphique ouvert à toutes les possibilités. En contraste avec l’obsession de la concentration, du sens, du début et de la fin à tout, contre le logocentrisme de la société occidentale contemporaine, Parolin nous propose d’ignorer la peur de l’échec et d’embrasser fermement nos erreurs. Avec ZONDER, elle crée une ode à l’absurde, à l’inutile, au hasard. Un mariage rare de danse contemporaine et de comédie.

Le 29 juin, une discussion avec la chorégraphe et les interprètes suivra la représentation.

DANSE

3 & 4 juillet

JENNY ARGYRIOU

MINOTAURO

Ces dernières années, dans ses œuvres et sa recherche, Jenny Argyriou aborde la danse comme une expression du besoin humain de contact et comme un moyen de se reconnecter avec la nature et la communauté – celle qui existe déjà et celle qui se crée à chaque rassemblement. Elle s’inspire de l’héritage des danses folkloriques grecques traditionnelles ainsi que des pratiques chorégraphiques contemporaines, tout en accordant une place centrale à la relation entre la danse et la musique live. La danse peut-elle aujourd’hui exprimer les problèmes, les questions et le besoin de sociabilité de l’homme moderne ? Danseurs et musiciens façonnent le paysage artistique, créant une archive de sons et de mouvements qui évoquent des souvenirs de danses depuis les profondeurs du temps mais aussi du présent, ouvrant progressivement les cercles concentriques d’une fête collective. Pouvons-nous inventer de nouvelles danses qui nous exprimeront et de nouvelles cérémonies qui nous rassembleront ? À quoi ressemblerait une telle fête ? Pourrions-nous tous « mettre la main à la pâte » pour la créer ? C’est précisément ce que signifie « minotauro » : dans les villages d’Épire, c’était la réunion où, avec l’aide de tous, une œuvre nécessaire à la communauté était produite. L’œuvre MINOTAURO est née sous la lumière de ces questions, plaçant au centre les notions de communauté, de collectivité et de solidarité.

Idée – Chorégraphie Jenny Argyriou

9 – 11 juillet

ILIAS HATZIGEORGIU

Scared – Une allégorie du mouvement sur la peur

L’œuvre chorégraphique Scared d’Ilias Hatzigeorgiou aborde le thème intemporel mais toujours actuel de la peur. Avec l’essor du développement technologique et la remise en question des idéologies traditionnelles, l’inconnu est aujourd’hui plus proche de nous que jamais, et l’humanité se retrouve impuissante face à l’avenir. L’isolement devant des écrans individuels qui façonnent une version de plus en plus altérée de la réalité et le manque de contact physique créent une nouvelle « communauté » sans véritable assimilation entre les individus, empathie, solidarité. Les anciens héros meurent, mais les nouveaux sont rapidement démantelés par les médias de masse et les réseaux sociaux. Et alors que nous coexistons, nous ne nous connaissons pas. Nous craignons les uns les autres, mais souvent aussi nous-mêmes.

En explorant les symptômes de la peur, toujours inspirée et avec des outils de mouvement issus du street dance, la performance tente d’approcher les expressions corporelles de la peur ; de sonder le mouvement quotidien d’une société effrayée : la nôtre.

Chorégraphie Ilias Hatzigeorgiou

9 – 11 juillet

ERIMIRA GORO

FIN

Des créateurs de danse renommés unissent leurs forces pour créer un solo chacun pour Erimira Goro, membre de la DV8 Physical Theatre et nominée pour le prix de l’exceptionnelle interprète aux Bessie Awards de la danse et de la performance de New York.

S’inspirant du concept de « fin », chaque créateur déploie son propre langage artistique dans un projet conjoint qui met en valeur le pouvoir transformatif de la création collective. Une expérience chorégraphique multidimensionnelle.

Conception – Idée – Interprétation Erimira Goro • Chorégraphes Maria Hassabi, Hannes Langolf, Ioanna Paraskevopoulou, Erimira Goro • Musique Aliki Leftherioti • Composition musicale pour la chorégraphie de Maria Hassabi Jeph Vanger • Costumes – Scénographie Venia Polychronaki • Éclairages Vangelis Moumtzis • Production exécutive Vicky Barboka • Avec le généreux soutien de Jeff Garner • Production Removement

13 & 14 juillet

KAT VÁLASTUR

Strong Born

Strong Born de Kat Válastur fait suite à son précédent travail, qui dialogue avec le mythe d’Iphigénie à Aulis, qu’elle aborde d’un point de vue féministe. Inspirée par la signification du nom de l’héroïne d’Euripide (« celle qui est née forte »), elle puise également son inspiration dans les Anastenaria, un rituel du nord de la Grèce au cours duquel les participants marchent sur des charbons ardents, ainsi que dans la danse sacrificielle incluse dans la célébration printanière de Václav Nijinsky. Dans Strong Born, tous ces éléments se mêlent pour créer un nouveau rituel, dominé par la présence du rythme. Dans cette « cérémonie », à l’intérieur des limites scéniques, la persistance et l’interaction continue des trois danseuses renversent l’exigence du sacrifice. Des surfaces percussives sur leurs corps produisent le son qui définit la chorégraphie. Le rituel sacrificiel devient le point de départ d’un acte de résistance. La résistance au sacrifice devient le chemin vital de renforcement. Aux côtés des danseuses sur scène, la percussion Valentia Magaletti.

Conception – Chorégraphie Kat Válastur

THÉÂTRE – HONGRIE COPRODUCTION INTERNATIONALE

14 & 15 juillet

KORNÉL MUNDRUCZÓ – THÉÂTRE PROTON

Parallax

Après avoir conquis le public festivalier par son regard acéré sur les questions sociales contemporaines et par les mises en scène fantasmagoriques qu’il propose, le célèbre réalisateur hongrois Kornél Mundruczó, mondialement reconnu pour Imitation of Life en 2018 et Pieces of a Woman en 2021, revient au Festival avec son équipe, la compagnie théâtrale hongroise indépendante Proton Theatre, et la pièce Parallax. Le sujet abordé cette fois-ci est à la fois douloureux et extrêmement actuel : à partir d’une famille hongroise, il explore les différentes approches de l’expérience de la judéité de génération en génération. La Grand-mère, survivante de l’Holocauste, qui a appris à dissimuler son identité juive dans sa vie, entre en conflit avec sa fille, qui, vivant dans les années 1990 à Berlin, tente de l’utiliser pour inscrire son fils dans une meilleure école. Quant à lui, en grandissant, il voudra rejeter toute identité, refusant d’appartenir à autre chose qu’à la communauté gay qu’il a délibérément choisie. Dans une société en crise, avec l’aggravation des oppositions sociales et la montée de l’extrême droite en Europe, est-il possible de rester neutre ? Comment peut-on dissocier la revendication de sa propre différence d’une position politique plus large ?

Le texte de Kata Wéber a été élaboré pendant les répétitions avec la contribution des acteurs de la troupe.

Recommandé pour les plus de 18 ans. La pièce contient des scènes érotiques.

THÉÂTRE

19 – 21 juillet

ANESTIS AZAS

Les chiens

Inspiré par Les Oiseaux d’Aristophane

Un groupe de « chiens » apparaît sur scène comme un autre Chœur de la comédie antique. Leur mission est d’éclaircir les événements entourant la brutale maltraitance et la mort d’un beau chien domestique dans une ville provinciale de Grèce, à côté d’un ancien oracle. Quelle version est la vraie ? L’assassin était-il humain, comme cela a été entendu initialement, ou l’animal de compagnie est-il tombé victime d’une meute d’autres chiens errants, comme le conclut la version finale des autorités ? Dans une cité des chiens, affranchie du pouvoir des hommes, les animaux maltraités pourraient-ils enfin trouver justice ?

Ayant conquis le public grec et européen avec la délicieusement cinglante Démocratie de Baklavas, Anestis Azas revient au Festival avec un texte original écrit à nouveau avec Gerasimos Bekas et Michalis Pitidis. Cette fois-ci, l’œuvre est inspirée par Les Oiseaux d’Aristophane avec le Chœur anthropomorphique des oiseaux qui fonde la « Néphélécoccygie ». Partant d’une histoire vraie récente tirée des actualités et utilisant la méthode du théâtre documentaire, une allégorie politique se déploie sur scène autour de la question de la violence sociale de plus en plus dirigée contre les plus faibles.

Tout comme Aristophane incite les oiseaux à se révolter pour punir l’espèce humaine, de la même manière, dans cette œuvre originale, les chiens, qui symbolisent pour beaucoup l’amour désintéressé, s’unissent ici contre les humains. L’incident de maltraitance et de meurtre d’un innocent animal devient le noyau d’une représentation sur la dureté des hommes et ses implications.

Idée – Mise en scène par Anestis Azas 

DANSE

19 – 21 juillet

HARA KOTSALI

Borborygmi

Si le bruit dans la société occidentale évoque quelque chose de négatif, la nouvelle œuvre de la chorégraphe émergente Hara Kotsali explore le pouvoir bénéfique du bruit dans sa capacité à générer joie, solidarité, communauté. Deux corps, extension potentielle d’une chaîne humaine infinie, se livrent sur scène à une danse non productive, dans un concert dédié à la jouissance de la dissolution. S’inspirant de la dimension politique, anthropologique et philosophique du bruit, et puisant son inspiration dans l’exemple de la scène musicale noise, Hara Kotsali nous invite à écouter les « corps socialement bruyants » – ceux qui perturbent l’harmonie du consensus social. Utilisant le bruit comme contre-exemple artistique, la chorégraphe rend hommage à toutes ces voix qui, aussi puissantes soient-elles, doivent toujours faire beaucoup de « bruit » pour être entendues.

Hara Kotsali a été sélectionnée cette année par la plateforme de danse internationale Aerowaves comme l’un des 20 jeunes créateurs les plus prometteurs de l’année, tandis que sa première œuvre chorégraphique, to be possessed, tourne actuellement dans toute l’Europe.

Conception – Chorégraphie – Textes – Montage vidéo par Hara Kotsali •

THÉÂTRE CONTEMPORAIN – THÉÂTRE

20 – 22 juillet

ZOE HATZIANTONIOU

Amalia melancholia, la reine des palmiers

Si elle était une plante, on lui donnerait le nom d’Amalia melancholia. Elle-même souhaitait que l’histoire lui attribue le titre de reine des palmiers. Une pièce sur la femme stigmatisée pour sa stérilité mais qui a offert à Athènes le Jardin national.

Les études médicales contemporaines attribuent la stérilité d’Amalia à une simple infertilité, qui, si elle avait été connue à l’époque, aurait fait de la première reine de Grèce un monstre, un mauvais présage pour le brillant redémarrage de l’État. Elle a été soumise à des traitements de fécondation in vitro pendant seize ans et après sa mort à une autopsie. L’examen du corps de la femme de cinquante-six ans a révélé des découvertes qui ont été étouffées.

Son échec à offrir un enfant au peuple a eu des répercussions politiques. Cependant, de la vision d’Amalia est né un « enfant » : un jardin. À l’intérieur, malgré les nombreuses statues d’hommes illustres, il n’y a pas aujourd’hui une seule mention officielle de la femme qui l’a créé.

Zoe Hatziantoniou puise son matériau dans les lettres d’Amalia à son père, dans divers témoignages historiques dispersés et dans les documents médicaux confidentiels. Son Amalia est une femme entre fiction et histoire, entre stérilité et fertilité, entre objet de musée et animal sous surveillance en vue de la reproduction. C’est un corps en état de mélancolie créative qui trouve sa propre voie vers une autre dimension au-delà des exigences sociales. Là, dans son véritable royaume, Amalia accomplit sa mission et perpétue son espèce, devenant ainsi un Jardin. Elle obtient ce qu’elle a réellement désiré, le titre de Reine des Palmiers.

Recherche – Dramaturgie – Mise en scène par Zoe Hatziantoniou • 

THEATRE

23 – 25 juillet

ΑΡΓΥΡΩ ΧΙΩΤΗ.Argyro Chioti

Caféteria

Pouvons-nous pour un instant changer notre perspective sur le monde ? Regarder au-delà du monde matériel ? Un endroit particulier, aux frontières entre le mythe et la réalité, peuplé de rêves et de fantômes, nous invite à découvrir la composition polyphonique que crée pour le Festival Argyro Chioti, avec une équipe mixte d’interprètes, composée d’acteurs, de danseurs et de chanteurs.

Des histoires et des légendes métaphysiques inspirent un récit qui revendique le retour au mythe. Sur scène se crée un lieu existentiel de rafraîchissement. Un lieu où les âmes se rassemblent pour se désaltérer, entre apparitions et esprits de la nature, se questionnant sur la relation entre l’individuel et le collectif.

Mise en scène par Argyro Chioti

THEATRE REPRISE

24 & 25 juillet

MARIO BANUSHI

Taverna Miresia – Mario, Bella, Anastasia

La pièce Taverna Miresia* – Mario, Bella, Anastasia, l’une des plus réussies du programme artistique de 2023, revient au 260 Pirée.

Jeune créateur émergent, né en 1998, d’origine albanaise, Mario Banushi utilise ses propres souvenirs comme matériaux dramaturgiques pour les transformer en un acte rituel de purification.

L’enseigne lumineuse d’un restaurant en banlieue de Tirana éclaire l’histoire d’une famille. Un événement imprévu, qui se déroule sous la lumière de l’enseigne, affecte de manière décisive la vie de Mario. Des années plus tard, devenu adulte, le réalisateur transfère la même enseigne d’Albanie au Festival, et la place au centre du monde qu’il crée sur scène. Il accueille les souvenirs pour faire face à l’absence de son père récemment décédé, cuisinier et propriétaire de la taverne, qui accueillait chaque soir les clients.

Que reste-t-il à éclairer cette enseigne ? Un retour au pays de l’enfance. À l’époque où la joie alterne avec le désespoir, et où un plat révèle des soins. La table familiale avec les chaises désormais vides. Une séquence associative d’images, de fragments de souvenirs, et de ce qui n’a pas été dit. Adieu.

*Miresia signifie gentillesse en albanais.

DANSE – GRÈCE / FRANCE

COLLABORATION INTERNATIONALE

23 – 25 Juillet

KATERINA ANDREOU »

Bless This Mess

Récompensée par le Prix Jardin d’Europe 2016, avec un parcours important sur la scène européenne de la danse mais aussi de fidèles fans en Grèce, la chorégraphe, danseuse et musicienne grecque internationale Katerina Andreou revient au Festival avec une performance soutenue par certains des organismes les plus prestigieux de la production culturelle contemporaine, théâtres et festivals.

Avec Bless this Mess, son premier travail collectif, Katerina Andreou revendique un espace de résistance, se demandant si la confusion, ce qu’elle appelle elle-même le « bruit continu », une situation mentale et émotionnelle qui reflète le sentiment général d’instabilité et d’anxiété de l’individu moderne, peut se transformer en un outil créatif. Bless This Mess exprime un désir dynamique et irrépressible de se déplacer avec les autres. Trouver une stabilité, une voix qui donne courage et énergie, un sentiment de collectivité contre le chaos et l’isolement. L’œuvre laisse place au jeu qui fait émerger des moments de soulagement et de joie.

Conception – Chorégraphie par Katerina Andreou

THÉÂTRE

23 – 25 Juillet

GIOLANTA MARKOPOULOU – ÉQUIPE STATION ATHENS »

Erreur de connexion

Y a-t-il un point où la vie réelle rencontre le soi numérique et les arts de la performance ? L’équipe Station Athens, formée en 2009 dans le quartier multiculturel de Metaxourgeio, est composée de réfugiés et de migrants d’Afghanistan, du Pakistan et du Bangladesh. En utilisant leurs propres histoires vraies comme matériau, leurs performances ont séduit le public en combinant le documentaire avec la fiction. Leur nouvelle pièce se concentre sur le mariage, la famille et la camaraderie, mettant en lumière avec humour le rôle catalyseur que joue l’évolution de la technologie dans la transformation des liens familiaux.

Les membres de l’équipe tentent de faire face à la vie loin du foyer familial avec l’aide de la technologie. Un élément commun des récits est le besoin des protagonistes de trouver des solutions pour faciliter leur quotidien. Ayant tout essayé, ils se tournent vers une application d’intelligence artificielle. Ils suivent ses conseils, avec parfois des résultats drôles voire paradoxaux. Jusqu’où, alors, la technologie peut-elle transformer notre vie pour le mieux ? La performance exploite l’IA (intelligence artificielle), les projections vidéo et un design sonore particulier dans un langage performatif hybride.

THÉÂTRE ANTIQUE D’ÉPIDAURE

5 & 6 juillet

GRÈCE / RUSSIE PREMIÈRE MONDIALE

TIMOFEY KULYABIN

Iphigénie en Aulide d’Euripide

Après les chefs-d’œuvre inoubliables des Trois Sœurs (2018), qui resteront dans nos mémoires grâce à leur interprétation complète en langue des signes tchèque, le réalisateur internationalement reconnu Timofey Kulyabin revient au Festival d’Athènes d’Épidaure, qui l’a présenté au public grec. Le célèbre réalisateur russe, connu pour son regard poétique sur la mise en scène, ouvrira cette année les Épidaures avec Iphigénie en Aulide d’Euripide, dans une production internationale du Festival. D’importants acteurs et actrices grecs composeront la distribution, donnant vie à ce projet artistique majeur.

Iphigénie en Aulide fera sa première mondiale à Épidaure. Conçue spécifiquement pour le théâtre argolien, cette production très attendue unit une fois de plus un metteur en scène étranger avec la scène grecque, renforçant encore davantage le caractère international du Festival et l’esprit d’ouverture cultivé ces dernières années.

Traduction Pantelis Boukalas • Metteur en scène Timofey Kulyabin • Dramaturgie Roman Dolzhansky

26 et 27 juillet

COMÉDIE-FRANÇAISE – TIAGO RODRIGUES – FRANCE / PORTUGAL

Pas Hécube

Après l’accueil triomphal de la pièce Electre / Oreste mise en scène par Ivo van Hove en 2019, la prestigieuse troupe de la Comédie-Française revient à Épidaure, cette fois en collaboration avec le célèbre metteur en scène portugais Tiago Rodrigues, nouveau directeur du Festival d’Avignon.

Dans sa première collaboration avec la troupe de la Comédie-Française, Tiago Rodrigues s’attaque à l’histoire d’Hécube. Et comme toujours dans son style caractéristique, il entrelace le drame d’un héros antique avec celui d’un contemporain sur la même toile intemporelle : ici, une Troyenne avec une femme moderne, actrice et mère. Tiago Rodrigues a l’habitude de dire qu’il n’écrit pas pour le théâtre, mais pour les acteurs qui font le travail sur scène. Dans la pièce, une actrice répète le rôle d’Hécube d’Euripide. Elle incarne la veuve de Priam, qui a tout perdu avec la chute de Troie : son mari, son trône, sa liberté, et, plus douloureux encore, presque tous ses enfants. C’est une femme qui réclame justice.

Mais le mythe de la tragédie rencontre de façon déchirante la réalité intime de l’actrice, mère d’un adolescent atteint d’autisme, victime de maltraitance de la part du personnel de l’institution qui lui a été confié. Alors que les autorités tentent d’étouffer l’affaire, elle décide de la rendre publique dans la presse. L’enquête judiciaire s’immisce de manière ambiguë dans les répétitions de la pièce. Dans un décor singulier et métathéâtral, ces deux mondes entrent en conflit dans un mélange poignant et bouleversant de mythique et de réel, de théâtre et de justice.

La pièce sera présentée à Épidaure juste après sa première en juillet au Festival d’Avignon.

EXPOSITION TEMPORAIRE

5 juillet – 24 août

THÉÂTRE ANTIQUE D’ÉPIDAURE – ESPACE D’EXPOSITION

Hippolyte – Phèdre

À l’occasion du 70e anniversaire de l’inauguration informelle des Épidauriens en 1954 avec Hippolyte d’Euripide mis en scène par Dimitris Rondiris du Théâtre National avec Alekos Alexandrakis dans le rôle principal, l’espace d’exposition d’Épidaure, inauguré en 2023 grâce au précieux soutien du Ministère de la Culture, revit cette année avec une exposition temporaire consacrée aux figures d’Hippolyte et de Phèdre. Ouverte au public pendant toute la durée des représentations au théâtre d’Argolide, l’exposition présente ces héros emblématiques tels que nous les avons connus dans le Théâtre Antique d’Épidaurus au cours de ses 69 années d’existence. Selon le mythe, Phèdre, femme du roi Thésée, pion dans le plan de vengeance de la déesse Aphrodite, tombe amoureuse d’Hippolyte, fils de son mari et de l’Amazone Hippolyta. Dévoué au culte de la déesse Artémis, Hippolyte rejette l’amour de Phèdre, avec des conséquences désastreuses.

Des documents précieux provenant des archives du Festival d’Athènes d’Épidaure et de nombreux autres organismes culturels et compagnies de théâtre invitent le visiteur à un voyage à travers les costumes, les masques, les maquettes, les partitions et le matériel audiovisuel dans un environnement d’exposition moderne. Un retour charmant sur les productions et les interprétations qui ont capturé l’élan de l’amour inassouvi sous toutes ses formes au sein du monument national du Théâtre Antique depuis les années 1950 jusqu’à aujourd’hui.

Conception – Supervision générale : Katerina Evangelatou

Coordination scientifique : Panagiotis Michalopoulos

Recherche – Documentation : Konstantina Nikolopoulou

Conception artistique : Thalia Melissas

THÉÂTRE NATIONAL

12 & 13 juillet

Orestie d’Eschyle

Pourquoi l’Orestie continue-t-elle à exercer une fascination terrifiante ? Une réponse possible pourrait être : parce que l’homme ressent le besoin d’une relation plus profonde avec le Mythe.

Le mythe de l’Orestie est dangereux, il appartient au monde de l’étrange et de l’inconnu, il suscite la terreur car il révèle l’insoumis, le violent et les lois des profondeurs qui ne peuvent être domptées. Clytemnestre nous appelle à briser ensemble le miroir, pour qu’une nouvelle image cauchemardesque naisse de ses fragments, conservant cependant les racines sombres du mythe.

Notre intention est d’étudier la profondeur du mythe de l’Orestie et de rechercher l’imprévu, l’inhabituel, le paradoxal. Les personnages offrent leurs corps sur l’autel de l’inconnu, posant des questions et des dilemmes constants.

L’esthétique de la représentation découle de la relation dynamique entre le Corps, le Mythe, le Temps et la Mémoire. Nous posons à nouveau la question ontologique fondamentale « de quoi s’agit-il », une question qui ne permet pas de réponses définitives mais qui nous incite constamment à approfondir les racines du son, du mot, des multiples dimensions de l’énigme humaine et à reconstruire un nouveau Mythe.

Traduction par Helen Varopoulou • Mise en scène – Adaptation dramatique Theodore Terzopoulos

2 et 3 août

Les Bacchantes d’Euripide

Euripide écrit les Bacchantes à la fin du 5ème siècle avant J.-C., à la fin de sa vie. Il ramène sur scène le dieu Dionysos, fondateur du genre. Le dieu du théâtre, de l’altérité, de la fragmentation et de la fusion, du bonheur et de la destruction, met en scène un jeu que Euripide a voulu conclure avec un corps démembré que personne ne ramassera jamais.

Si ce qui se fragmente sur scène est l’ouverture à l’altérité, cela signifie-t-il que pour nous la perspective, à travers une initiation, un acte collectif, de s’ouvrir à l’Autre, le nôtre et celui du monde, est désormais perdue ? Nos morceaux ne se reconnecteront-ils jamais ? Sommes-nous condamnés, comme Penthée, à vivre enfermés dans notre individualité bien fortifiée, sinon nous nous disloquerons ? Il n’y a plus de ponts pour nous relier les uns aux autres, à l’Autre, à l’altérité de nos sentiments, de nos idées, de nos pensées les plus profondes, à l’irrationnel en nous, à l’irrationnel du monde ? Seule notre peau offre une sécurité. Tout ce qui est complètement en dehors de nous ou complètement en nous restera pour toujours étranger, inviolable, inavouable, inconnu, et c’est pourquoi il sera confronté avec violence. La violence est-elle le seul langage que nous puissions comprendre ? Une violence close, impénétrable et absolue, une violence qui ne permet aucune initiation pour la débloquer, la comprendre, la supporter. Le déluge d’images sur Internet, les catastrophes naturelles, les bombes, les corps démembrés et les enfants morts dans les médias, les selfies sans vie et sans âme, les flux incontrôlés de données, d’êtres humains, de produits – ne pouvons-nous plus supporter la spiritualité, la transcendance, l’élévation, parce que le seul dieu que nous pouvons comprendre est le dieu de l’Ancien Testament, le dieu vengeur, le dieu punitif ? Est-ce celui que nous méritons ?

Ou peut-être que le corps démembré est en même temps un puzzle qui peut être complété, une construction qui nous montre ses membres, un spectacle ? Et cela dépend de nous, les spectateurs, de savoir si et comment nous allons l’assembler.

Traduction Giorgos Cheimonas • Mise en scène Thanos Papakonstantinou •

9 & 10 Août

ARIS BINIARIS

Les Oiseaux d’Aristophane

Dans Les Oiseaux, Aristophane raconte la décision de deux Athéniens, Pisthétairos et Euelpidès, de quitter le monde des humains à la recherche d’une ville sans mesquinerie ni corruption, où l’on puisse vivre en paix et en justice. Ils fondent avec les Oiseaux une cité dans les airs et élèvent un mur entre les humains et les dieux.

La mise en scène situe l’œuvre dans un environnement pré-tragique, l’approchant comme une cérémonie archaïque. Et comme dans toute cérémonie, une troupe revit vivement le mythe. Les deux protagonistes cherchent, de manière allégorique, à se « vider » de toute autre qualité humaine et à être « habités », tantôt de manière ludique tantôt de manière passionnée, par l’impulsion animale des oiseaux dans un spectacle-concert. Avec la complicité de l’explosivité de la musique et du mouvement, Aris Biniaris crée une satire contemporaine nous entraînant dans un « chant » électrisant, qui jette une lumière éblouissante sur les questions cruciales de la cité, avec l’œuvre aristophanesque comme boussole.

THÉÂTRE NATIONAL DE LA GRÈCE DU NORD – GIANNIS KAKLEAS

19 & 20 juillet

Ploutos d’Aristophane

Nous sommes en 388 av. J.-C. La guerre du Péloponnèse s’est achevée par la défaite des Athéniens, marquant la fin de l’hégémonie athénienne. Chremylos, un honnête paysan athénien pauvre, alter ego d’Aristophane, vit de manière traumatisante la nouvelle réalité, où les valeurs sociales, les idées et l’éthique ont décliné.

Le manque de ressources et de justice sociale, ainsi que la crainte de l’appauvrissement, effraient ce romantique utopiste, en particulier en ce qui concerne l’avenir de son enfant, alors il se rend à l’oracle de Delphes avec la question angoissée « que dois-je faire pour assurer l’avenir de mon enfant ? ». L’oracle lui dit de prendre soin du premier homme impuissant qu’il rencontrera en sortant. Et cet homme n’est autre que le dieu Ploutos

THÉÂTRE DES ARTS – THÉÂTRE DU NOUVEAU MONDE – MARIANNA KALMPARI

23 & 24 Août

Les Suppliantes d’Eschyle

Soixante ans après la première présentation de l’œuvre à Épidaure, le Théâtre des Arts Karolos Koun et le Théâtre du Nouveau Monde présentent Les Suppliantes d’Eschyle, sous la direction de Marianna Kalmpari : une œuvre poétique mais profondément politique au cœur de la réflexion contemporaine sur la notion d’asile dans une société démocratique – particulièrement lorsque ce sont les femmes qui sont poursuivies. Dans l’œuvre (la première et la seule qui soit parvenue jusqu’à nous de la tétralogie d’Eschyle « Danaïdes »), le Chœur des cinquante Danaïdes, accompagné de leur père Danaos, demande l’asile à Argos – le lieu qu’autrefois leur ancêtre Io avait quitté pour échapper à la « fureur », poursuivie par son « bœuf ». pour échapper à la « fureur », poursuivie par son « bœuf ». Le mythe pose la question de l’identité et de la place de la femme dans la société, racontant en parallèle l’histoire de l’installation et de la prédominance du genre grec dans le pays des Pélasges, les prétendus « Pré-hellènes ». Les Suppliantes d’Eschyle parlent des besoins qui poussent les gens à être déracinés de leur terre, du sort cruel du réfugié, de la valeur de la justice, des principes de la démocratie. Mais surtout, ils parlent du combat de la Femme contre l’Homme qui, par la force, cherche à lui imposer sa volonté.

La représentation unit de manière libératrice les voix des héroïnes antiques à celles des contemporaines, à travers une impressionnante Danse de cinquante jeunes filles de la chorale Chóres, de l’École de théâtre des Arts et du groupe de danse-acrobatique « Et pourtant elle bouge ».

Le Festival Athènes Epidaure 2024 c’est aussi le Petit théâtre de l’ancienne Epidaure, le festival Subset. Tout le programme et l’achat de billets se trouve là = https://aefestival.gr/schedule/?category=555&place=&schedule_year=2024&lang=en