Théâtre Olympia « Maria Callas »

Au cœur d’Athènes, le Théâtre Olympia « Maria Callas » s’apprête à accueillir une proposition musicale rare, à la croisée de la méditation spirituelle et de l’exploration des traditions méditerranéennes. Le Ergon Ensemble, sous la direction de Markellos Chryssikos, y présentera un programme ambitieux réunissant deux compositeurs majeurs de la musique contemporaine : John Tavener et Osvaldo Golijov.

Intitulé « Pain fait de cendres », le concert s’annonce comme une véritable errance sonore et intérieure à travers les imaginaires de la Méditerranée. Cette soirée, mettra en dialogue deux œuvres singulières : le Kyrie Eleison de Tavener et Ayre de Golijov.

Le choix de ces deux pièces n’est pas anodin. Toutes deux interrogent la notion de transcendance, de mémoire et de coexistence des cultures. Le Kyrie Eleison s’inscrit dans la tradition mystique et liturgique orthodoxe. Inspiré par la spiritualité orientale, Tavener y développe une écriture épurée, presque ascétique, qui s’apparente à une prière musicale. Les structures répétitives et les sonorités évoquant le chant byzantin invitent à une forme de dépouillement, dans laquelle l’auditeur est amené à dépasser les limites du moi.

La dimension méditative de cette œuvre est renforcée par son histoire : enregistrée par Björk en 2001, elle s’inscrit dans une recherche sonore tournée vers l’intériorité et la contemplation. Loin de toute démonstration virtuose, la musique de Tavener propose un espace d’écoute suspendu, presque hors du temps.

Face à cette approche spirituelle, Ayre de Golijov propose une autre forme de voyage. Commandée par le Carnegie Hall, cette œuvre en onze tableaux plonge dans l’héritage musical du bassin méditerranéen, en particulier celui de l’Espagne méridionale. Le compositeur y entremêle chants byzantins, mélodies séfarades, textes arabes et références chrétiennes et juives.

Cette hybridation des sources donne naissance à une œuvre profondément universelle, qui célèbre la richesse des croisements culturels avant la Reconquista. Ayre s’impose ainsi comme une méditation sur la coexistence des identités et sur la musique comme langage commun, capable de dépasser les frontières religieuses et culturelles.

Au cœur de cette rencontre artistique, deux voix se distinguent : celles de Savina Yannatou et Maria Kostraki. Reconnues pour leur capacité à naviguer entre les répertoires anciens et contemporains, elles incarnent à elles seules cette fluidité entre les traditions. Leur interprétation promet d’apporter une dimension sensible et incarnée à ces œuvres exigeantes, où la voix devient à la fois instrument et vecteur d’émotion.

La soirée s’annonce ainsi comme une expérience immersive, où la musique devient espace de réflexion et de transmission. Le Théâtre Olympia « Maria Callas », lieu emblématique de la vie culturelle athénienne, offre un cadre idéal à cette proposition artistique. Son architecture et son acoustique participent à l’intensité de l’expérience, renforçant la dimension presque rituelle du concert.

À travers ce dialogue entre Tavener et Golijov, le public est invité à parcourir un territoire musical traversé par des questions essentielles : celle du sacré, de la mémoire, et de la rencontre entre les cultures. Plus qu’un simple concert, cette soirée s’apparente à une quête — celle d’un langage universel capable de relier les sensibilités et les héritages.

Dans un monde où les identités tendent parfois à se fragmenter, ce programme rappelle la force de la musique comme espace de convergence. Une invitation à écouter autrement, à ralentir, et à se laisser traverser par des sonorités venues de loin, mais profondément ancrées dans une mémoire commune.

Pour prolonger cette immersion dans la création contemporaine et les grands événements culturels, découvrez notre article sur Echos d’Athènes sur le programme du Festival d’Athènes et d’Épidaure en avant première

Tarifs :
Loge présidentielle : 30 €
Catégorie distinguée : 25 €
VIP 1 : 30 €
VIP 2 : 25 €
Zone A : 20 € (étudiants / demandeurs d’emploi : 18 €)
Zone B : 15 € (étudiants / demandeurs d’emploi : 13 €)
Zone C : 12 € (étudiants / demandeurs d’emploi : 10 €)
Visibilité réduite : 10 € (étudiants / demandeurs d’emploi : 8 €)

Billets :
https://www.more.com/gr-el/tickets/music/ergon-ensemble-noera-proseuxi/
Centre téléphonique : 211 1000 365
Billetterie du Théâtre Aliki, 4 rue Amerikis, Athènes

Réservations de groupe :
Kostas Baltas – Giota Karaiskou : 211-1026277 & 210-2117240
( poste 305 ) du lundi au vendredi : 10h00 – 19h00

Email réservations de groupe : reservations@a-th.gr

Informations : www.a-th.gr

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Jeff Koons à Athènes : Le Musée des Arts Cycladiques présente l’exposition Jeff Koons : « Venus Lespugue », marquant la première présentation publique de Balloon Venus Lespugue (Orange) (2013-2019) de Jeff Koons. Explorant la signification de la figure de Vénus, du Paléolithique à nos jours, l’œuvre sera exposée du 19 mars au 31 août 2026, dans le manoir Stathatos du musée, aux côtés d’une série de dix répliques de figurines de Vénus du Paléolithique supérieur, interrogeant la manière dont cet archétype universel de la fertilité a traversé le temps et les espaces.

La Balloon Venus Lespugue (Orange) de Koons s’inspire de la Vénus préhistorique de Lespugue, une figurine en ivoire de défense de mammouth datant d’environ 28 000 ans. Jeff Koons est influencé par cette figure depuis la fin des années 1970. Dans sa série Antiquity, entamée en 2008, l’interprétation de la Vénus de Lespugue par l’artiste dialogue avec de multiples références de l’histoire de l’art, de Sandro Botticelli et Titian à Marcel Duchamp et Constantin Brâncuși, où les notions de beauté et de forme occupent une place centrale. À l’issue d’un processus intensif mené sur plusieurs années, Koons a transposé l’original fétichisé, célèbre pour ses courbes exagérées, en une sculpture monumentale en forme de ballon, aux proportions évoquant Alberto Giacometti.

L’exposition Jeff Koons à Athènes et sources d’inspiration

Aux côtés de l’œuvre de Jeff Koons, le Musée des Arts Cycladiques présentera une série de dix répliques de figurines de Vénus du Paléolithique supérieur, chacune prêtée par des musées conservant les originaux inamovibles. Parmi celles-ci figurera une copie de la Vénus de Lespugue provenant du Muséum national d’Histoire naturelle, qui a servi de source d’inspiration directe pour la sculpture en acier inoxydable poli miroir de Koons.

Les figurines de Vénus représentent l’un des premiers codes esthétiques de l’humanité — une abstraction profonde de la fertilité, de la survie et de la continuité — rendue sous une forme compacte et transportable. La version de Koons revisite ce langage visuel préhistorique à travers un médium et un contexte radicalement différents : le monde industriel et hyper-matériel du XXIe siècle.

En définitive, l’œuvre de Jeff Koons à Athènes examine la manière dont les formes anciennes de vénération trouvent un écho dans la fascination contemporaine pour la forme, la surface, le désir et l’artifice. À travers la surface polie de Balloon Venus Lespugue (Orange), les visiteurs peuvent explorer comment la transformation des matériaux altère ou préserve la signification symbolique, et comment l’art contemporain peut nous aider à renouer avec des aspects anciens de l’expérience humaine.

Jeff Koons à Athènes et la collection Sonnabend

L’œuvre que présente Jeff Koons à Athènes fait partie de la collection Homem Sonnabend, appartenant à Antonio Homem Sonnabend et Phokion Potamianos Homem, et sera présentée pour la première fois au Musée des Arts Cycladiques à Athènes. Cette présentation sera accompagnée d’une nouvelle publication comprenant un essai de Jeff Koons ainsi que des contributions de spécialistes, présentant de nouvelles recherches sur la période paléolithique en Grèce et à l’international.

À propos de Jeff Koons

Artiste de renommée internationale, Jeff Koons (né en 1955 à York, Pennsylvanie) est largement connu pour ses sculptures emblématiques Rabbit et Balloon Dog, ainsi que pour ses œuvres florales monumentales Puppy et Split-Rocker. Travaillant à partir d’objets du quotidien, son œuvre explore des thèmes tels que l’acceptation de soi et la transcendance.

Depuis sa première exposition personnelle en 1980, son travail a été présenté dans de grandes galeries et institutions à travers le monde. En 2014, une importante exposition lui a été consacrée par le Whitney Museum of American Art, avant de voyager au Centre Pompidou et au Guggenheim Bilbao.

Koons a reçu de nombreuses distinctions pour ses contributions culturelles. Notamment, le président Jacques Chirac l’a promu Officier de la Légion d’honneur, et il a également reçu la Médaille des Arts du Département d’État des États-Unis. Il a été le premier artiste en résidence à l’Institut Mortimer B. Zuckerman Mind Brain Behavior de l’Université Columbia. Koons est membre du conseil d’administration de l’International Centre for Missing & Exploited Children et cofondateur du Koons Family Institute, engagé dans la lutte contre l’enlèvement et l’exploitation des enfants à l’échelle mondiale.

Il vit et travaille à New York City.

À propos de la collection Homem Sonnabend

La collection Homem Sonnabend constitue les collections privées d’Antonio Homem Sonnabend et Phokion Potamianos Homem. Elle réunit des œuvres de la Renaissance en dialogue avec des exemples significatifs d’arts africains et océaniens, ainsi que des arts décoratifs du début du XXe siècle, tout en mettant en avant des figures majeures de l’art d’après-guerre et contemporain — du Pop Art à l’Arte Povera — ainsi que des œuvres des années 1980 et 1990.

Couvrant un large éventail de médiums, dont la photographie, la sculpture et la peinture, la collection rassemble des œuvres d’artistes tels que Andy Warhol, Cy Twombly, Roy Lichtenstein, Jasper Johns, Robert Rauschenberg, Claes Oldenburg, Michelangelo Pistoletto, Lucio Fontana, Jannis Kounellis, Hiroshi Sugimoto, ainsi que Jeff Koons, entre autres.

Après Tom Wesselmann, figure majeure du Pop Art américain récemment mise à l’honneur à Athènes, Jeff Koons à Athènes s’inscrit dans une relecture contemporaine de cet héritage. Là où le Pop Art des années 1960 interrogeait la société de consommation, Koons en propose aujourd’hui une version amplifiée, avec ses oeuvres monumentales et son esthétique du spectaculaire.

Musée des Arts Cycladiques

1, Irodotou Str.

106 74, Athens
Tel.: (+30) 210 7228321-3

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Lieu : Fondation B & M Theocharakis pour les Beaux-Arts et la Musique

Une exposition du centenaire en hommage à Stephen Antonakos (1926–2013) à La Fondation B & M Theocharakis pour les Beaux-Arts et la Musique

L’exposition Stephen Antonakos : Vecteurs du temps et de l’espace, présentée à la Fondation B & M Theocharakis à Athènes, célèbre le centenaire de la naissance de Stephen Antonakos, figure majeure de l’abstraction lumineuse du XXᵉ siècle. Né en Grèce en 1926 et élevé à New York, Stephen Antonakos a transformé l’usage artistique du néon en développant un langage visuel fondé sur la lumière, la géométrie et l’expérience de l’espace.

Réunissant des œuvres réalisées sur plus de six décennies, l’exposition retrace l’évolution du travail de Stephen Antonakos, depuis ses premières expérimentations dans les années 1950 jusqu’à ses installations lumineuses les plus emblématiques. Elle met également en dialogue l’artiste avec des figures majeures de l’art moderne et contemporain, soulignant l’influence durable de Stephen Antonakos dans l’histoire de l’art international.

L’exposition Stephen Antonakos

L’exposition met en lumière l’évolution du langage de Stephen Antonakos fondé sur la couleur, la forme et l’abstraction lumineuse.

L’exposition est structurée autour de séries majeures allant de la fin des années 1950 jusqu’à ses dernières œuvres réalisées en 2012, notamment :

• Neon Panels (1980–2013)
• Direct Neons (années 1970)
• Packages (1971–2006)
• Neon Walls (1977–2007)
• Alphavitos (1986–1990)
• Travel Collages (1987–2002)
• maquettes architecturales de Chapels (1992–2010)
• Gold Works (2010–2013)

Ces œuvres sont présentées aux côtés de sculptures plus intimes réalisées dans les années 1950, 1960 et 1970, intégrant tissu, carton et autres matériaux du quotidien.

L’exposition Stephen Antonakos en dialogue avec d’autres artistes

Aux côtés des œuvres d’Antonakos, l’exposition rassemble également des œuvres d’artistes historiques et contemporains majeurs. Certains furent ses amis, d’autres partageaient des affinités esthétiques. Tous croisent la trajectoire artistique d’Antonakos et témoignent de la résonance durable de ses idées au XXIᵉ siècle.

L’exposition présente des œuvres de :

• Francis Alÿs
• Yiannis Bouteas
• Christo
• Chryssa
• Ksenia Ender
• Lucio Fontana
• Ray Johnson
• On Kawara
• Kazimir Malevitch
• Gordon Matta-Clark
• Judy Pfaff
• Robert Ryman
• Fred Sandback

Ces artistes sont associés à des courants tels que le constructivisme, Light and Space, l’art conceptuel, le minimalisme et d’autres formes d’exploration géométrique.

Le sens du titre de l’exposition Stephen Antonakos

Le titre de l’exposition reflète la complexité de l’identité gréco-américaine d’Antonakos.

• En anglais : Vectors of Time and Space (Vecteurs du temps et de l’espace)
• En grec : Postscripts of Time and Space (Post-scripts du temps et de l’espace)

Cette dualité relie l’abstraction linéaire et rigoureuse de l’artiste à certaines séries plus émotionnelles.

Un vecteur est une représentation graphique utilisant des lignes droites pour définir les contours d’un objet ; il s’agit d’une quantité possédant direction et magnitude, permettant de déterminer la position d’un point dans l’espace par rapport à un autre.

Le terme post-scriptum, quant à lui, évoque la dimension communicative du temps telle qu’elle se manifeste dans les œuvres de l’exposition — particulièrement dans le contexte d’une exposition commémorant le centenaire de la naissance de l’artiste.

Les deux titres – Vecteurs et Post-scripts – reflètent ainsi deux axes majeurs de l’œuvre d’Antonakos , d’un côté son abstraction précise et géométrique et d’un autre ses séries plus émotionnelles liées au passage du temps.

Prêts et collections

Les œuvres présentées proviennent notamment de : Alpha Bank Art Collection, Stephen Antonakos Studio LLC, Electronic Arts Intermix (EAI) New York, Collection of Hellenic Diaspora Foundation, Ray Johnson Estate / ARS New York, MOMUS – Musée d’Art Contemporain de Thessalonique, Gordon Matta-Clark Estate, MOMUS – Musée d’Art Moderne (Collection Costakis), Collection Onassis, One Million Years Foundation, Collection Irene Y. Panagopoulos, Fred Sandback Estate, Cristin Tierney Gallery New York, Collection Dimitris Passas, Estate de Yiannis Bouteas et galerie CITRONNE, ainsi que plusieurs collections privées.

Citations autour de l’exposition Stephen Antonakos

Marina Miliou Theocharaki, responsable de la stratégie des expositions :

« Pour nous, l’exposition Stephen Antonakos : Vecteurs du temps et de l’espace n’est pas seulement un hommage mais aussi un acte de continuité. Elle rappelle que l’art peut fonctionner comme une pause active et que la lumière peut transformer l’expérience du temps, le façonner, l’étendre et même le suspendre. »

Stelios Vasilakis, directeur de la Fondation :

« Cette exposition poursuit l’engagement de la Fondation à présenter des artistes dont la vision dépasse les frontières. En célébrant le centenaire de la naissance d’Antonakos, elle établit un dialogue avec des figures majeures de l’art moderne et contemporain, révélant l’actualité durable de son langage lumineux fondé sur la forme et la lumière. »

Sara Reisman, commissaire :

« Notre approche consiste à rencontrer Antonakos non seulement comme un artiste d’une grande maîtrise formelle, mais comme un penseur profondément attentif à la perception et à l’expérience du temps et de l’espace. Son œuvre se déploie en dialogue avec la présence du spectateur, qui vient compléter chaque geste. »

À propos de l’artiste Stephen Antonakos

Depuis 1960, le travail de Stephen Antonakos avec le néon a donné à ce médium de nouvelles significations perceptives et formelles à travers des centaines d’expositions dans des galeries et musées, d’abord à New York, puis dans le monde entier.

Son utilisation de formes géométriques simples — complètes ou incomplètes — s’est déployée dans :

des installations tridimensionnelles,

des toiles peintes,

les Neon Walls,

les célèbres Neon Panels rétroéclairés,

ainsi que les Rooms et Chapels.

Tout au long de sa carrière, Antonakos concevait ses œuvres en relation avec le lieu, son échelle et son architecture, ainsi qu’avec l’espace partagé avec le spectateur.
Il décrivait son art comme « des choses réelles dans des espaces réels ».

Né en Grèce en 1926 et élevé à Brooklyn après avoir immigré aux États-Unis à l’âge de quatre ans, Antonakos est devenu une figure majeure de l’abstraction d’après-guerre.

Son travail a été présenté dans des expositions internationales telles que Documenta 6 (1977) et il a représenté la Grèce à la Biennale de Venise en 1997.

Ses œuvres publiques se trouvent notamment à New York, Atlanta, Milwaukee, Athènes et Bari.

Ses œuvres sont conservées dans de nombreuses collections prestigieuses, dont ,The Metropolitan Museum of Art, MoMA, Whitney Museum,Guggenheim Museum,National Gallery of Art (Washington),ainsi que dans de nombreuses institutions en Grèce.

Il fut membre de la National Academy of Design, qui lui a décerné son prix pour l’ensemble de sa carrière en 2011.

Informations visiteurs

Horaires :
Lundi – dimanche : 10h00 – 18h00
Jeudi : 10h00 – 20h00 (mars – mai)

Tarifs :
10 € (plein tarif)
5 € (tarif réduit)

Un catalogue bilingue illustré accompagne l’exposition, comprenant des images d’œuvres majeures, des documents d’archives et des contributions de Marina Miliou Theocharaki ,Stelios Vasilakis, Sara Reisman (commissaire de l’exposition)

Ce catalogue éclaire l’héritage créatif d’Antonakos et l’évolution de ses idées à travers les générations d’artistes.

Lien vers le site de La Fondation B & M Theocharakis

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Le Festival du Film Francophone de Grèce 2026 revient pour sa 26ᵉ édition et confirme sa place essentielle dans la vie culturelle hellénique. Pendant une semaine, le cinéma francophone s’invite dans cinq villes grecques pour célébrer la richesse et la diversité d’un cinéma en dialogue permanent avec les arts et les cultures méditerranéennes.

Après plus d’un quart de siècle d’existence, le festival poursuit son aventure en proposant 40 films et de nombreux événements parallèles. Cette année, le thème « L’empreinte de l’Art en nous » invite les spectateurs à explorer les multiples liens entre le cinéma et les autres formes artistiques, tout en mettant à l’honneur la Méditerranée comme espace de rencontres, de circulation et de création.

Le cinéma au cœur de la Méditerranée pour le Festival du Film Francophone de Grèce 2026

Dans le cadre de la Saison culturelle Méditerranée organisée en France, cette nouvelle édition propose une programmation qui traverse les frontières artistiques et géographiques. Films d’auteur, documentaires, rencontres professionnelles et débats permettront au public de découvrir les différentes facettes de la création cinématographique francophone contemporaine.

À Athènes, les projections auront lieu dans plusieurs salles emblématiques de la capitale, dont le cinéma Danaos, l’Astor, la Fondation Basil & Elise Goulandris, la Cinémathèque de Grèce et l’auditorium Theo Angelopoulos de l’Institut français de Grèce.

La bande-annonce de cette édition a été confiée à la réalisatrice franco-hellénique Inès Perot, qui s’est inspirée de la Méditerranée comme espace commun reliant les peuples par les gestes, les traditions et les expressions artistiques. 

Au-delà de son soleil, ses plages, ses goûts et ses odeurs, la Méditerranée rassemble, jeunes et anciens, autour de traditions et de moments simples, qui nous rappellent ce qui nous relie. 

Autour d’un match de pétanque, ce jeu typiquement méditerranéen, les générations se retrouvent. Les gestes se transmettent et un simple moment dans un parc devient le reflet d’une culture de partage. (Note de la réalisatrice)

L’identité visuelle du Festival du Film Francophone de Grèce 2026, créée par l’agence The Birthdays Design se compose d’une multitude d’empreintes digitales qui se démultiplient et coexistent. Chacune est différente, unique, mais toutes ensemble forment une image collective, à l’image du cinéma lui-même, fruit d’une collaboration entre artistes, techniciens et créateurs.

Une programmation riche et variée pour le Festival du Film Francophone de Grèce 2026

La programmation s’articule autour de plusieurs sections :

• Compétition officielle,
• Panorama,
• Carte blanche au festival Cinemed de Montpellier,
• Cycle thématique « Les Arts à l’écran »,
• Séances jeune public,
• ainsi que des événements spéciaux et rencontres professionnelles.

Le cycle « Les Arts à l’écran », organisé avec la Fondation Goulandris et le Flux Laboratory, proposera notamment une série de projections consacrées aux artistes et à la création. La programmation sera complétée par une performance de danse contemporaine, une visite thématique du musée et une émission spéciale de ERT – Voice of Greece, enregistrée en direct avec le public.

Autre moment fort : la Carte blanche confiée au CINEMED – Festival International du Cinéma Méditerranéen de Montpellier, qui présentera une sélection de quatre films illustrant la vitalité du cinéma méditerranéen.

Trois films très attendus

Le festival s’ouvrira le 24 mars au Megaron – Athens Concert Hall avec L’Étranger, réalisé par François Ozon. Adapté du célèbre roman d’Albert Camus, le film plonge le spectateur dans l’histoire de Meursault, un homme dont l’existence bascule après un drame sur une plage d’Alger. La cérémonie sera présentée par l’actrice Alkistis Poulopoulou.

La clôture du festival aura lieu le 1ᵉʳ avril au cinéma Danaos avec Partir un jour, réalisé par Amélie Bonnin. Cette comédie dramatique raconte l’histoire de Cécile, une jeune cheffe cuisinière qui, à la suite de l’infarctus de son père, retourne dans son village natal et se retrouve confrontée à ses souvenirs et à son premier amour.

Le film GOUROU présenté en compétition a fait l’objet d’un article très intéressant de Isabelle Barth de l’Université de Strasbourg.

Les événements spéciaux du Festival du Film Francophone de Grèce 2026

Au-delà des projections, le festival proposera de nombreux événements. Une exposition intitulée « 2000-2026 : le FFF à travers ses affiches » retracera l’histoire visuelle du festival à l’Institut français de Grèce.

Des rencontres permettront également d’aborder les enjeux du cinéma contemporain, notamment une discussion autour de la géopolitique du cinéma avec la chercheuse Chloé Delaporte, ou encore un débat consacré à la coproduction dans l’espace méditerranéen réunissant producteurs et professionnels du secteur.

La programmation se prolongera également hors des salles avec des événements musicaux et culturels, comme une soirée au Romantso, mêlant sons traditionnels et paysages musicaux contemporains.

Entre cinéma, arts et dialogue méditerranéen, cette 26ᵉ édition du Festival du Film Francophone de Grèce promet une immersion passionnante dans la création cinématographique d’aujourd’hui.

L’article sur le Festival du Film Francophone de Grèce 2025 se trouve ICI

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Heure : 11h00 – 14h00

Lieu : Manoir des Benizelos (Maison de Sainte Philothée), 96 rue Adrianou, Plaka

Entrée libre (priorité donnée pour les activités numériques selon l’ordre d’arrivée

L’Expérience immersive sur la Révolution grecque est proposée par La Fondation de l’ Hellénisme Contemporain (IME) et l’organisation caritative de l’Archevêché d’Athènes “Apostoli”, via le Polyculturel pour l’Enfant “Lela Karayianni”, qui invitent petits et grands le samedi 21 mars 2026 à 11h00 à une action éducative ouverte dans l’espace imposant de la plus ancienne maison d’Athènes, le Manoir des Benizelos (96, rue Adrianou, Plaka).

Une expérience immersive sur la Révolution grecque qui évoque la Guerre d’Indépendance grecque

L’événement intitulé « Avant l’arrivée de la Liberté », organisé pour le 25 mars, offre une opportunité unique de contact immersif avec la période historique et sociopolitique de la Guerre d’Indépendance grecque. Au cœur de l’organisation se trouve la présentation d’un projet réalisé par l’IME et l’entreprise Talent S.A. pour la municipalité de Megalopolis : une production numérique originale, qui fait revivre l’épopée historique de 1821, combinant documentation scientifique et technologies de réalité virtuelle et augmentée, pour une expérience immersive des événements et des protagonistes de l’époque.

Les visiteurs pourront explorer le portail numérique du projet et découvrir des informations documentées sur costumes, armements et vie quotidienne. Grâce aux technologies de pointe, l’IME mettra à disposition des casques de réalité virtuelle (VR) pour vivre la Bataille de Karytaina, première bataille tactique de la Guerre. La réalité augmentée (AR)permettra de voir les combattants, pachas et citoyens « prendre vie » devant les yeux des visiteurs, offrant une perception visuelle vivante de l’histoire.

Le programme comprend également des activités éducatives originales du Polyculturel “Lela Karayianni”, permettant aux enfants et parents de découvrir la vie quotidienne avant et pendant la Révolution. À travers un jeu interactif, les participants découvriront les systèmes de cryptage utilisés par la Société Philiki Etaireia pour protéger leurs plans secrets.

Cette collaboration constitue un tremplin pour la diffusion du patrimoine culturel via l’éducation et la technologie, soulignant l’importance de se souvenir à travers des actions modernes et participatives.

Le manoir des Benizelos : mémoire vivante de l’Athènes ottomane

Situé dans le quartier historique de Plaka, à quelques pas de l’Acropole, le Manoir des Benizelos est aujourd’hui considéré comme la plus ancienne maison conservée d’Athènes. Cette demeure aristocratique de l’époque ottomane, également appelée Maison de Sainte Philothée, témoigne de plusieurs siècles d’histoire de la capitale grecque.
Construit probablement dans la première moitié du XVIᵉ siècle, le manoir appartenait à l’illustre famille Benizelos, issue de l’aristocratie byzantine d’Athènes. Il fut la résidence d’Angelos Benizelos et de son épouse Sirigi Paléologue. Leur fille, Sainte Philothée d’Athènes (1522-1589), née Revoula Benizelos, est aujourd’hui l’une des figures spirituelles les plus importantes de la ville. Patronne d’Athènes, elle consacra sa vie à la charité et à la protection des plus démunis durant la période ottomane.
Selon la tradition, Philothée passa une partie de sa jeunesse dans cette demeure familiale avant de fonder, non loin de là, le monastère féminin de Saint-André, situé à l’emplacement de l’actuel archevêché d’Athènes.
Transformations et déclin
Le bâtiment que l’on peut admirer aujourd’hui est le résultat d’importantes transformations réalisées entre la fin du XVIIᵉ et le début du XVIIIᵉ siècle. Ces extensions ont modifié la structure initiale tout en conservant certains éléments de la construction originelle.
Après la Guerre d’indépendance grecque, la propriété changea progressivement de fonction. Au XIXᵉ siècle, elle fut notamment utilisée comme taverne, et divers aménagements altérèrent peu à peu son architecture d’origine. Au fil du temps, la maison fut divisée en logements, des ouvertures furent ajoutées et la toiture traditionnelle en tuiles remplacée par des matériaux plus modernes.
Malgré l’intérêt porté par des chercheurs et architectes, dont Anastásios Orlándos et Ioánnis Travlós, qui étudièrent la demeure entre les années 1940 et 1960, l’édifice tomba progressivement dans un état de dégradation avancé.
Sauvetage et renaissance du monument
Le tournant intervient en 1972 lorsque le ministère grec de la Culture décide d’exproprier la propriété afin de sauver ce témoignage unique de l’histoire d’Athènes. En 1999, le bâtiment est confié à l’Archevêché d’Athènes, qui lance un vaste projet de restauration visant à transformer le manoir en musée.
Les travaux, réalisés notamment grâce à des fonds structurels européens, s’accompagnent de fouilles archéologiques. Celles-ci révèlent dans la cour des vestiges d’une enceinte romaine construite après le pillage de la ville par les Hérules au IIIᵉ siècle après J.-C., offrant un aperçu spectaculaire des différentes strates historiques d’Athènes.
La restauration a cherché à restituer l’aspect que possédait la demeure au XVIIIᵉ siècle, tout en conservant au maximum les éléments originaux, notamment les structures en bois. Des renforts modernes ont également été intégrés afin d’assurer la résistance du bâtiment aux séismes.
Depuis février 2017, le manoir a ouvert ses portes au public sous la forme d’un musée consacré à l’histoire du lieu et à la vie quotidienne de ses habitants à travers les siècles.

Une architecture unique à Athènes

L’architecture du manoir s’inspire du konak, type de résidence urbaine caractéristique des élites de l’Empire ottoman. Ce type d’habitation est aujourd’hui extrêmement rare dans le sud de la Grèce continentale, et unique à Athènes.
La maison s’étend sur deux niveaux et mesure environ 23 mètres de long. Le rez-de-chaussée, construit en pierre, abritait autrefois les fonctions économiques : stockage de l’huile d’olive et du vin, réserves alimentaires et espaces utilitaires. Un puits occupe la cour principale, tandis que des traces d’un ancien pressoir à olives du XVIᵉ siècle ont été découvertes dans le jardin.
À l’étage, les espaces d’habitation sont dominés par le bois. Une loggia traversante relie les salons et les pièces de réception, tandis que des pièces fermées appelées ontas servaient de chambres ou d’espaces de vie. Certaines étaient équipées de cheminées pour les mois d’hiver.
Aujourd’hui, le manoir Benizelos offre aux visiteurs une immersion rare dans la vie aristocratique de l’Athènes ottomane et constitue un témoignage précieux de l’histoire urbaine de la capitale grecque.

Téléphone : +30 21 0324 8861

Voir également l’exposition historique de l’exode de Messolonghi

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Le Musée Benaki Pireos 138  présente l’exposition « Antonis Kastrinakis. Le sel de la mémoire », ouverte au public jusqu’au 24 mai 2026.

« Le sel de la mémoire » constitue la première rétrospective consacrée à l’œuvre de Antonis Kastrinakis. Elle rassemble des œuvres couvrant quarante années de création artistique, offrant ainsi une vision globale de son parcours.

Les commissaires souhaitent mettre en lumière des aspects moins connus du travail de l’artiste, qui n’ont pas encore bénéficié de la même reconnaissance que ses célèbres « petits bateaux », très appréciés du public. Plusieurs œuvres, restées pendant des années dans l’atelier de l’artiste, ont été restaurées et sont présentées pour la première fois.

L’exposition réunit plus de soixante œuvres réalisées depuis les années 1980 jusqu’à aujourd’hui. Kastrinakis expérimente une large variété de matériaux — huiles, acryliques, poudres et pigments mélangés à de la colle et à d’autres substances — appliqués sur toile, papier ou bois. La plupart des œuvres proviennent de la collection de l’artiste lui-même et sont complétées par des prêts de collections privées.

Certaines séries, comme « Les Tables » ou « Les Érotiques », évoquent des valeurs essentielles de la vie : convivialité, communication et partage.

La peinture de Kastrinakis reflète la vie et la personnalité de l’artiste sans être autobiographique. Dans ses œuvres, chacun peut reconnaître ses propres souvenirs : des moments vécus, des images familières ou des voyages rêvés. En somme, son œuvre célèbre une quotidienneté idéale, faite de matériaux simples mais chargés d’affection.

Ses compositions picturales imaginaires se caractérisent par des couleurs intenses et saturées et par un langage visuel volontairement naïf. Ce choix esthétique reflète une résistance consciente à la perfection académique et à l’illusion visuelle, au profit d’une expression directe et spontanée.

Les œuvres de Kastrinakis célèbrent à la fois la joie de vivre et le plaisir de peindre. Pour lui, la peinture est une fin en soi : une activité qui produit du sens par son propre acte de création.

L’exposition est accompagnée d’un catalogue bilingue (grec-anglais) comprenant des textes des commissaires ainsi que des reproductions d’œuvres qui n’ont pas pu être présentées dans l’exposition, afin d’offrir au visiteur une vision complète de l’œuvre de l’artiste.

À propos de Antonis Kastrinakis.

Antonis Kastrinakis est né à Athènes en 1958. Il a étudié à l’École Vakalo, dont il est diplômé en 1980. Parmi ses professeurs figuraient Panagiotis Tetsis, Giannis Valavanidis, Vangelis Dimitreas et Eleni Vakalo.

Il a réalisé à ce jour 17 expositions personnelles et participé à de nombreuses expositions collectives en Grèce et à l’étranger.

À partir de 1999, il s’oriente davantage vers la sculpture et les constructions, créant une forme particulière autour du motif du bateau, devenue emblématique de son travail. Parallèlement, il poursuit sa pratique picturale avec divers matériaux — huiles, acryliques, crayons et pastels — développant de larges séries d’œuvres. Depuis 2004, il collabore également avec la boutique du Musée Benaki.

Commissaires de L’exposition : Konstantinos Papachristou et Konstantinos V. Proimos, avec une scénographie conçue par Pavlos Thanopoulos.

Horaires et accès au Benaki Pireos 138

A voir également au Musée Benaki Pireos:

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Dates : 17 mars – 30 mai 2026
Lieu : Galerie GAGOSIAN Athènes

Tom Wesselmann à Athènes: La galerie Gagosian d’Athènes présentera à partir du 17 mars 2026 une exposition consacrée à l’artiste américain, maître du Pop Art. Intitulée « Seascapes, Still Lifes, and Nudes« , elle rassemble un ensemble significatif de peintures et de dessins couvrant plusieurs décennies de création. Il s’agit de la première exposition personnelle de l’artiste en Grèce, offrant au public athénien l’occasion de découvrir l’œuvre d’une figure majeure du Pop Art.

« La mission principale de mon art est de rendre l’art figuratif aussi excitant que l’art abstrait », affirmait Tom Wesselmann. Cette déclaration résume parfaitement sa démarche artistique. À partir du début des années 1960, il se distingue comme l’un des pionniers du Pop Art américain en revisitant des genres classiques – le nu, la nature morte ou le paysage – tout en intégrant des éléments issus de la culture populaire et de la société de consommation.

Né en 1931 à Cincinnati et disparu en 2004, Wesselmann suit d’abord un parcours inattendu avant de devenir artiste. Pendant la guerre de Corée, il est mobilisé dans l’armée américaine en 1952. Au cours de son service, il apprend l’interprétation photographique aérienne et commence à dessiner des cartoons inspirés de la vie militaire. De retour aux États-Unis, il obtient un diplôme de psychologie à l’Université de Cincinnati tout en suivant des cours à l’Art Academy of Cincinnati. En 1956, il s’installe à New York pour poursuivre ses études à la Cooper Union for the Advancement of Science and Art, où il rencontre l’artiste Nicholas Marsicano, l’un de ses professeurs.

C’est également à cette période qu’il fait la connaissance de Claire Selley, qui deviendra son épouse et l’une de ses principales sources d’inspiration. Les premiers dessins qu’il réalise d’elle prennent souvent la forme de collages mêlant esquisses, fragments de papier peint et publicités récupérées. Ces expérimentations annoncent déjà l’intérêt de Wesselmann pour l’association entre art traditionnel et culture populaire.

À New York, l’artiste gagne sa vie en vendant des dessins humoristiques à des magazines comme le The Saturday Evening Post et à des agences de publicité. À la fin des années 1950, il participe également à la création de la Judson Gallery dans le quartier du West Village. Pendant plusieurs années, il enseigne les mathématiques et l’art dans un lycée tout en poursuivant son travail artistique le soir, réalisant notamment des collages de portraits qui marquent le début de sa carrière.

Au début des années 1960, Wesselmann développe la série qui le rendra célèbre : Great American Nude (1961-1973). Ces œuvres représentent des figures féminines sensuelles aux formes simplifiées et aux couleurs franches, souvent dominées par les tons rouge, blanc et bleu du drapeau américain. À travers cette série, l’artiste combine références à l’histoire de l’art et images issues de la publicité américaine, créant un style immédiatement reconnaissable.

L’exposition Tom Wesselmann à Athènes met notamment en avant Great American Nude #1 (1961), œuvre fondatrice de cette série. Dans cette composition, un corps féminin allongé occupe la partie supérieure du tableau, tandis que l’arrière-plan associe paysage, motifs patriotiques et éléments graphiques. L’influence de Henri Matisse y apparaît clairement dans la simplification des formes et l’usage de couleurs vives.

À partir du milieu des années 1960, Wesselmann explore également le thème des paysages marins. Ses Seascapesassocient fragments du corps humain – pieds, seins ou profils – à des bandes de couleur représentant ciel, mer et sable. Cette juxtaposition entre nature et sensualité devient l’une des signatures visuelles de l’artiste.

Dans les années suivantes, Wesselmann poursuit ses expérimentations formelles. Sa série Standing Still Lifes (1967-1981) se compose de grandes peintures réalisées sur des toiles découpées selon la forme des objets représentés. Plus tard, il développe une technique originale consistant à « dessiner » avec des matériaux sculpturaux, en découpant de l’acier ou de l’aluminium selon les lignes de ses dessins. Ces recherches brouillent volontairement la frontière entre peinture et sculpture.

Jusqu’à la fin de sa carrière, l’artiste continue d’explorer les thèmes qui lui sont chers : le nu, la nature morte et la couleur intense. Ses œuvres tardives témoignent d’une recherche constante visant à renouveler la relation entre abstraction et figuration.

Tom Wesselmann à Athènes en mars 2026

Avec cette exposition, la galerie Gagosian d’Athènes propose ainsi un parcours à travers plus de quarante ans de création. Elle met en lumière l’influence durable de Tom Wesselmann, dont l’objectif était de donner à la peinture figurative la même puissance visuelle et émotionnelle que l’art abstrait.

Galerie GAGOSIAN

17 mars-30 mai 2026

22 Anapiron Polemou Street
Athens 11521

Exposition GAGOSIAN en Archives

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Yorgos Lanthimos Photographies : L’Onassis Stegi d’Athènes présente une grande exposition de photographies du cinéaste et photographe primé Yorgos Lanthimos, comprenant notamment la première internationale d’une nouvelle série réalisée dans son pays natal, la Grèce.

Explorant une nouvelle évolution dans l’œuvre de Lanthimos – qui s’étend désormais bien au-delà du cinéma – l’exposition célèbre ses univers visuels à travers plus de 180 photographies.

« Prendre des photos est devenu quelque chose de très important dans ma vie en dehors du cinéma. C’est beaucoup plus libre. On a l’impression qu’il y a moins de règles que dans un récit conventionnel. »
Yorgos Lanthimos

Reconnu pour la construction de ses univers et pour son regard absurde sur les relations humaines, Yorgos Lanthimos s’est imposé comme l’un des auteurs les plus singuliers du cinéma contemporain.

Avec Yorgos Lanthimos Photographies, l’Onassis Stegi présente la plus grande exposition institutionnelle jamais consacrée à ses photographies. Elle offre au public une rencontre inédite avec un langage visuel déjà largement reconnu, ici déployé dans un autre médium : un regard cinématographique qui capture des instants fugitifs et les suspend dans l’immobilité de l’image.

L’exposition Yorgos Lanthimos Photographies rassemble quatre ensembles de 182 photographies réalisées au cours des cinq dernières années. Trois séries sont liées aux espaces du cinéma de Lanthimos, prises en marge de tournages à La Nouvelle-Orléans, Atlanta, Henley-on-Thames et Budapest.

Certaines images figurent dans ses livres récents :

• Dear God, the Parthenon Is Still Broken (2024), réalisé pendant le tournage du film Poor Things
• i shall sing these songs beautifully (2024), réalisé parallèlement à Kinds of Kindness

L’exposition Yorgos Lanthimos Photographies présente également des photographies inédites réalisées sur le tournage du film Bugonia (2025).

Yorgos Lanthimos Photographies: photos de Grèce

La quatrième série, présentée ici pour la première fois au niveau international, rassemble des photographies personnelles prises en Grèce, lors de promenades solitaires aux marges d’Athènes ou lors de séjours sur les îles grecques. Lanthimos y porte un regard méditatif sur le quotidien et les paysages familiers.

Yorgos Lanthimos Photographies: la scénographie

La scénographie, conçue comme un temple grec classique, place au centre un espace évoquant un autel présentant 110 œuvres nouvelles, tandis que les séries liées à ses films entourent cet espace.

Le développement du langage visuel de Yorgos Lanthimos

L’exposition Yorgos Lanthimos Photographies est commissariée par Michael Mack et produite par l’Onassis Stegi. Elle accompagne également la sortie du nouveau livre photographique de Lanthimos, viscin (2026).

Dans cette exposition, le commissaire Michael Mack retrace l’évolution artistique du cinéaste et photographe Yorgos Lanthimos, en mettant l’accent sur le développement de son langage visuel en photographie argentique.

Bien qu’il ait appris la photographie durant ses études de cinéma et travaillé comme photographe de plateau au début de sa carrière, ce n’est qu’à partir de 2021 que Lanthimos commence à considérer la photographie comme un médium autonome, distinct de son travail cinématographique. L’exposition montre ainsi l’évolution rapide de son style et de sa réflexion artistique.

La scénographie ne comporte volontairement ni cartels ni parcours explicatif, et s’organise autour d’une structure en deux parties.
Dans la périphérie de l’exposition, trois ensembles de photographies sont liés à ses films récents, notamment Poor Things, Kinds of Kindness et Bugonia. Réalisées sur les lieux de tournage, ces images utilisent les décors et les acteurs pour créer des récits visuels indépendants du scénario des films. Certaines photographies font également partie de son nouveau livre VISCIN, publié à l’occasion de l’exposition.

Au centre de l’installation, conçu comme un temple, se trouve une nouvelle série inédite réalisée en Grèce et intitulée « no word for blue ». Le titre fait référence à l’absence d’un mot spécifique pour le bleu dans les textes d’Homer et dans le grec ancien. Cette idée illustre la relation entre langage et perception, suggérant que la photographie ne se limite pas à enregistrer la réalité, mais reflète aussi la culture, l’histoire et le regard personnel du photographe.

Dans ces nouvelles images, Lanthimos explore les paysages et les espaces transformés par l’homme en Grèce, avec son regard caractéristique mêlant ironie, humour et réflexion sur la condition humaine. Leur esthétique épurée rappelle également celle de ses premiers films.

Un livre consacré à cette série est prévu pour 2027.

À propos de Onassis Culture

La culture n’est pas seulement un art : c’est un véritable mode de vie au sein de Onassis Foundation et de son programme culturel Onassis Culture. Avec Onassis Stegi (stegi signifie « toit » ou « refuge » en grec), un lieu emblématique consacré aux arts de la scène et aux expositions à Athènes, la Fondation Onassis encourage le talent et l’énergie des artistes locaux et internationaux et initie des conversations destinées à questionner et à transformer la société.

Depuis 2010, l’Onassis Stegi a présenté plus de 15 000 performances dans les domaines du théâtre, de la danse, de la musique et des arts visuels. Le lieu est devenu un pôle international de la culture contemporaine, favorisant des discussions essentielles sur la démocratie, la justice sociale, l’égalité et les droits LGBTQIA+ à travers de nombreuses initiatives et créations.

En 2025, la Fondation Onassis a introduit un nouveau lieu dans la scène artistique athénienne : Onassis Ready, un espace créatif destiné à celles et ceux qui souhaitent réfléchir et expérimenter, aux artistes qui ont besoin de rechercher et répéter avant de présenter leurs productions, ainsi qu’aux créateurs qui ont simplement besoin de temps.

Onassis AiR est un programme dédié à la recherche et à la pratique artistiques, offrant aux artistes un espace où développer leur travail tout en favorisant un écosystème créatif élargi et des collaborations internationales.

INFORMATIONS: Onassis Stegi 107 – 109 Syngrou Avenue 11745 Athens, Greece

Tel : 219 219 1000

Jeudi – samedi : 18h00 – 23h30
Dimanche : 13h00 – 20h00

Billets : 5 – 10 €

Les autres expositions photographies sélectionnées par  » Echos d’Athènes »

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L’ exposition « Tu es ce que tu portes/ What you wear is what you are» a été inaugurée le mercredi 4 mars 2026, au Musée Benaki – Pireos 138 par le Musée Benaki en collaboration avec le Musée d’Art Contemporain de Crète et la municipalité de Réthymnon.
Présentée du 5 mars au 24 mai 2026, l’exposition met en dialogue créatif artistes et designers grecs et internationaux afin d’explorer la relation dynamique entre mode et art contemporain.

« Tu es ce que tu portes/ What you wear is what you are » de Réthymnon à Athènes

Présentée pour la première fois au Musée d’Art Contemporain de Crète à Réthymnon entre mai et octobre 2025, l’exposition « Tu es ce que tu portes/ What you wear is what you are » est organisée par les commissaires Maria Marangou, Maria Panagidou et Stavros Kavallaris. Elle cherche à mettre en lumière la relation réciproque entre la mode et les défis de notre époque, tels qu’ils s’expriment et se transforment à travers l’art contemporain.

Un point central de l’exposition est l’hommage rendu à la grande créatrice de mode originaire de Réthymnon, Sophia Kokosalaki, figure internationale qui a porté la créativité grecque sur la scène mondiale. Vingt-quatre de ses créations sont présentées, provenant principalement de la collection de sa famille et de collectionneurs proches.

L’historienne de la mode Mety Tsoukatou souligne que l’héritage culturel grec a constitué pour la créatrice une source constante d’inspiration : la civilisation minoenne, la Grèce antique, la tradition populaire et l’artisanat, ainsi que la Crète, terre d’origine et de mémoire. Ces influences dialoguent dans ses créations avec la culture urbaine contemporaine, l’esthétique new wave et la scène musicale post-punk, donnant naissance à une vision personnelle et minimaliste du style « grec ».

Depuis l’Antiquité, le vêtement répond aux besoins fondamentaux de l’être humain, mais il définit aussi sa place dans la société. Avec le temps, il est devenu un élément d’identité, à la fois individuel et collectif. L’exposition « Tu es ce que tu portes » explore cette dimension identitaire à travers les œuvres d’artistes et de créateurs venus de Grèce et du monde entier.

Au total, 30 artistes et designers participent à cette exposition, dont Vanessa Beecroft, Hussein Chalayan, Rebecca Horn et Sophia Kokosalaki.

Les œuvres présentées proviennent de collections majeures telles que le Musée National d’Art Contemporain d’Athènes (EMST), le Musée d’Art Contemporain de Crète, l’organisation culturelle ATOPOS CVC, ainsi que de galeries, collections privées et des artistes eux-mêmes.

L’exposition est accompagnée d’un catalogue bilingue (grec et anglais) publié à l’occasion de sa présentation au Musée Benaki.

Des visites guidées par les commissaires sont prévues :

• 4 avril 2026 – 12h00
• 25 avril 2026 – 12h00
• 16 mai 2026 – 12h00
• 25 mai 2026 – 12h00

L’exposition « Tu es ce que tu portes/ What you wear is what you are » est organisée sous l’égide du ministère grec du Tourisme et avec le soutien de l’organisation culturelle NEON Organization for Culture and Development

Horaires:

Durée : 05/03 – 24/05/2026

Vérifier les horaires museum opening times selon le jour programmé pour votre visite

Autre exposition à ne pas manquer au Benaki Pireos 138

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La chanteuse française Imany sera à Athènes à la fin du mois de mars dans le cadre du festival WOW – Women of the World Athens, organisé du 27 au 30 mars 2026 au Centre Culturel Fondation Stavros Niarchos (SNFCC). Installé au cœur de la capitale grecque, ce lieu emblématique, qui abrite notamment l’Opéra national de Grèce et la Bibliothèque nationale, est devenu en quelques années un point de rencontre majeur pour la vie culturelle athénienne.

Le festival WOW Athens propose quatre journées mêlant conférences, discussions publiques, ateliers et événements artistiques. Si les thématiques abordées s’inscrivent dans les grands débats contemporains, la programmation accorde une place essentielle à la création musicale et aux performances scéniques, offrant au public une expérience à la fois intellectuelle et artistique.

Un temps fort avec Imany

Le concert d’Imany constitue l’un des temps forts de cette édition 2026. L’artiste se produira le lundi 30 mars à 21h dans la Salle Stavros Niarchos, accompagnée de ses musiciens. Connue pour sa voix grave et chaleureuse, immédiatement reconnaissable, elle a su imposer au fil des années un univers musical personnel, à la croisée de la soul, du folk et du blues.

Révélée au grand public par son premier album The Shape of a Broken Heart, porté par le succès international du titre « You Will Never Know », Imany s’est rapidement imposée sur la scène européenne. Son parcours artistique témoigne d’une recherche constante d’authenticité et d’exigence musicale. Née en France sous le nom de Nadia Mladjao, d’origine comorienne, elle a choisi le nom de scène « Imany », qui signifie « foi » en swahili, comme une affirmation artistique forte.

Au fil de ses albums et de ses tournées, elle a exploré différentes formes scéniques, dont le projet « Voodoo Cello », dans lequel sa voix dialoguait avec huit violoncelles, créant un univers sonore original et immersif. À Athènes, le public pourra découvrir un concert mêlant ses titres emblématiques et des compositions plus récentes, dans une performance qui promet intensité et émotion.

Le lundi 30 mars Imany retrouvera le public athénien avec un concert mêlant musique et réflexion sociale. Inspirée par son nouvel album Women Deserve Rage, elle y aborde ouvertement l’expérience féminine et le droit à une expression authentique.

Née en France sous le nom de Nadia Mladjao et d’origine comorienne, Imany puise dans un héritage culturel marqué par des influences africaines et arabes. Son nom de scène, qui signifie « foi » en swahili, reflète son engagement artistique et personnel. Révélée par son premier album The Shape of a Broken Heart, devenu disque de platine dans plusieurs pays européens grâce au succès du titre « You Will Never Know », elle a su imposer une signature vocale profonde et reconnaissable, mêlant soul, folk et blues.

La programmation musicale du festival ne s’arrête pas là. Le festival accueillera également, le vendredi 27 mars à 21h à la Tour des Livres, un concert en entrée libre de Tania Giannouli. Formée au piano classique et à la composition contemporaine, elle est considérée comme l’une des voix européennes majeures de la scène jazz actuelle. Depuis son premier album Forest Stories en 2012, elle a publié plusieurs œuvres saluées par la critique, dont Transcendence, souvent cité parmi les albums grecs les plus marquants de la dernière décennie. Elle s’est produite dans des festivals prestigieux tels que Jazzfest Berlin ou le NY Winter Jazz Festival.

Les 28 et 29 mars, l’Agora vibrera au rythme des DJ sets et des concerts éphémères, tandis que le dimanche 29 mars à 17h, la Patinia x WOW Athens Y2K Roller Party transformera l’espace en piste festive inspirée des années 2000, avec musique pop et ambiance haute en couleur.

Le Centre Culturel Fondation Stavros Niarchos, conçu par l’architecte Renzo Piano, s’impose aujourd’hui comme l’un des pôles culturels les plus importants de Grèce. Son amphithéâtre, ses salles de spectacle et ses vastes espaces extérieurs permettent l’organisation d’événements d’envergure internationale, tout en restant un lieu de promenade et de détente pour les Athéniens.

Fondé en 2010 à Londres par Jude Kelly, le mouvement WOW compte aujourd’hui plus de cent festivals dans 45 pays sur six continents. Il a accueilli des personnalités telles qu’Angela Davis, Malala Yousafzai ou Annie Lennox. Avec la venue d’Imany et la participation d’artistes grecs et internationaux, cette édition 2026 du WOW Athens Festival confirme la place d’Athènes dans le circuit des grandes capitales culturelles européennes. Au-delà des thématiques abordées, c’est bien la rencontre entre les artistes et le public qui constitue le cœur de l’événement, dans un dialogue où la musique demeure un langage universel.

Pour les amateurs de concerts et de découvertes musicales, le rendez-vous est donc fixé à la fin du mois de mars, dans l’un des cadres les plus emblématiques de la capitale grecque.

WOW – Women of the World

Stavros Niarchos Foundation Cultural Center

Syggrou Avenue 364, 17674 Kallithea

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