Le Benaki Museum/Galerie Ghika présente l’exposition « Tisser des rêves. Kilims de Geraki, Laconie »

L’exposition est commissariée par Sharon Gerstel et Sophia Pitouli, avec une scénographie conçue par Pavlos Thanopoulos.

L’art millénaire des kilims de Geraki : entre tradition et archéologie

Cette exposition rassemble des textiles provenant de Geraki, village construit sur les pentes du Mont Parnon. Geraki est réputé pour son art du métier à tisser vertical, une tradition dont les racines remontent à plusieurs millénaires, comme l’attestent des découvertes archéologiques de l’Antiquité et de l’époque médiévale. Plus qu’une exposition ethnographique, ce projet apparaît comme un modèle de recherche collaborative, de transmission et de renaissance patrimoniale.

L’exposition présente des kilims tissés pour les dots, ainsi que des objets associés, datant du XVIIe siècle au début du XXe siècle. Une attention particulière est accordée aux textiles figuratifs représentant femmes et hommes dans des paysages inspirés de l’abondance de la nature, enrichis de motifs symboliques.

Les femmes au cœur de la création : l’âme des kilims de Geraki

Au cœur du projet, il y a les femmes. Celles qui ont tissé sans savoir lire ni écrire. Celles qui ont transmis gestes, motifs et secrets de teinture naturelle de génération en génération. Et celles qui, aujourd’hui, se battent pour préserver cet héritage. La tisserande Chrysoula Stamatakoulou, figure centrale de cette renaissance, raconte comment, partie d’un métier à tisser installé dans son salon, elle a contribué à relancer la tradition, jusqu’à obtenir son inscription à l’Inventaire national du patrimoine culturel immatériel de la Grèce.

Face au risque de disparition — il ne restait que quelques tisserandes très âgées — une école a été créée avec le soutien des institutions régionales. Résultat : une nouvelle génération de praticiens a émergé, preuve que les savoir-faire anciens peuvent redevenir vivants.

Chaque fil raconte une histoire : le langage symbolique des kilims de Geraki

Le tissage était intimement lié à la vie domestique comme à l’économie locale. Les tisserandes réalisaient des kilims destinés aux dots ou à l’équipement de la maison. Pièce coûteuse et minutieuse, un beau kilim constituait un signe de prospérité et de statut social, devenant un bien précieux transmis comme héritage familial.

Les tagaria — sacs tissés traditionnels — répondaient à des usages quotidiens, mais servaient aussi à transporter les pains rituels des mariages. Des kilims de Geraki ont également été offerts comme ex-voto à des églises et monastères locaux.

Les tisserandes de Geraki ont été reconnues pour leur excellence, remportant notamment des distinctions lors de l’Exposition universelle de Vienne et de la 8e Foire internationale de Thessalonique en 1933.

La renommée de cette tradition textile a, dès le début du XXe siècle, attiré artistes, intellectuels et folkloristes. Entre 1931 et 1934, Elli Papadimitriou commanda au jeune Yannis Tsarouchis une série de dessins pour la société Ellinikes Technes S.A., parmi lesquels figure un tagari tissé à Geraki.

Fotis Kontoglou visita le village en 1936 et dessina ses maisons, ses églises byzantines et le château médiéval dominant la colline voisine. Il évoqua ensuite le village dans son ouvrage O Kastrologos

L’exposition met en lumière les liens entre Geraki et ces grandes figures artistiques et intellectuelles, inscrivant le village dans des réseaux culturels plus larges qui ont contribué à façonner et à faire connaître son identité singulière, dont le tissage est l’un des piliers.

Chaque tapis est un récit. Une scène de mariage, un arbre de vie, des enfants cueillant des fruits, des musiciens, des figures humaines rares dans le textile grec. D’autres œuvres racontent les tragédies : l’épidémie de grippe espagnole, la guerre turco-grecque, ou la catastrophe d’Asie Mineure. Certains tapis portent la mémoire de femmes devenues veuves, d’enfants laissés orphelins, ou furent offerts aux églises comme ex-voto.

L’originalité des textiles de Geraki réside aussi dans leur technique et leur palette. La laine était lavée, filée et teinte localement. Le rouge venait de la garance du Mount Parnon ; verts, jaunes et noirs provenaient de fleurs, fruits, coques de noix ou végétaux. Les couleurs, restées étonnamment vives, témoignent d’un savoir empirique raffiné, parfois enrichi plus tard par des teintures chimiques.

De l’ombre à la lumière : l’exposition inédite des kilims de Geraki au Musée Benaki

L’exposition révèle aussi l’ampleur d’une recherche impressionnante. Des textiles conservés pendant des décennies dans des coffres familiaux ont été retrouvés, photographiés, catalogués, parfois pour la première fois. Plus de 1 200 pièces seraient recensées. Beaucoup n’avaient jamais été montrées.

L’exposition se distingue enfin par son approche muséographique. Peu de cartels, mais un livret de recherche ; des textiles présentés comme porteurs de mémoire vivante.

Une publication abondamment illustrée, signée par les commissaires de l’exposition, accompagne l’événement. Elle retrace l’histoire du village et propose une description détaillée de 108 kilims et tagaria issus de collections privées et ecclésiastiques.

Cette recherche et cette publication sont le fruit d’une initiative portée par le Club culturel de Geraki avec « Bridge », programme de coopération entre l’University of California, Los Angeles et Simon Fraser University, soutenu par la Stavros Niarchos Foundation.

À Athènes, cette exposition ne montre pas seulement des textiles. Elle tisse un lien entre passé et présent — et prouve qu’un art fragile peut encore devenir avenir.

Si le tissage de Geraki vous a touché, laissez-vous transporter par d’autres formes de récits visuels en découvrant les artistes que j’ai découvert au Centre Culturel Melina Mercouri.

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Le Musée Benaki Pireos 138  présente l’exposition « Antonis Kastrinakis. Le sel de la mémoire », ouverte au public jusqu’au 24 mai 2026.

« Le sel de la mémoire » constitue la première rétrospective consacrée à l’œuvre de Antonis Kastrinakis. Elle rassemble des œuvres couvrant quarante années de création artistique, offrant ainsi une vision globale de son parcours.

Les commissaires souhaitent mettre en lumière des aspects moins connus du travail de l’artiste, qui n’ont pas encore bénéficié de la même reconnaissance que ses célèbres « petits bateaux », très appréciés du public. Plusieurs œuvres, restées pendant des années dans l’atelier de l’artiste, ont été restaurées et sont présentées pour la première fois.

L’exposition réunit plus de soixante œuvres réalisées depuis les années 1980 jusqu’à aujourd’hui. Kastrinakis expérimente une large variété de matériaux — huiles, acryliques, poudres et pigments mélangés à de la colle et à d’autres substances — appliqués sur toile, papier ou bois. La plupart des œuvres proviennent de la collection de l’artiste lui-même et sont complétées par des prêts de collections privées.

Certaines séries, comme « Les Tables » ou « Les Érotiques », évoquent des valeurs essentielles de la vie : convivialité, communication et partage.

La peinture de Kastrinakis reflète la vie et la personnalité de l’artiste sans être autobiographique. Dans ses œuvres, chacun peut reconnaître ses propres souvenirs : des moments vécus, des images familières ou des voyages rêvés. En somme, son œuvre célèbre une quotidienneté idéale, faite de matériaux simples mais chargés d’affection.

Ses compositions picturales imaginaires se caractérisent par des couleurs intenses et saturées et par un langage visuel volontairement naïf. Ce choix esthétique reflète une résistance consciente à la perfection académique et à l’illusion visuelle, au profit d’une expression directe et spontanée.

Les œuvres de Kastrinakis célèbrent à la fois la joie de vivre et le plaisir de peindre. Pour lui, la peinture est une fin en soi : une activité qui produit du sens par son propre acte de création.

L’exposition est accompagnée d’un catalogue bilingue (grec-anglais) comprenant des textes des commissaires ainsi que des reproductions d’œuvres qui n’ont pas pu être présentées dans l’exposition, afin d’offrir au visiteur une vision complète de l’œuvre de l’artiste.

À propos de Antonis Kastrinakis.

Antonis Kastrinakis est né à Athènes en 1958. Il a étudié à l’École Vakalo, dont il est diplômé en 1980. Parmi ses professeurs figuraient Panagiotis Tetsis, Giannis Valavanidis, Vangelis Dimitreas et Eleni Vakalo.

Il a réalisé à ce jour 17 expositions personnelles et participé à de nombreuses expositions collectives en Grèce et à l’étranger.

À partir de 1999, il s’oriente davantage vers la sculpture et les constructions, créant une forme particulière autour du motif du bateau, devenue emblématique de son travail. Parallèlement, il poursuit sa pratique picturale avec divers matériaux — huiles, acryliques, crayons et pastels — développant de larges séries d’œuvres. Depuis 2004, il collabore également avec la boutique du Musée Benaki.

Commissaires de L’exposition : Konstantinos Papachristou et Konstantinos V. Proimos, avec une scénographie conçue par Pavlos Thanopoulos.

Horaires et accès au Benaki Pireos 138

A voir également au Musée Benaki Pireos:

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L’ exposition « Tu es ce que tu portes/ What you wear is what you are» a été inaugurée le mercredi 4 mars 2026, au Musée Benaki – Pireos 138 par le Musée Benaki en collaboration avec le Musée d’Art Contemporain de Crète et la municipalité de Réthymnon.
Présentée du 5 mars au 24 mai 2026, l’exposition met en dialogue créatif artistes et designers grecs et internationaux afin d’explorer la relation dynamique entre mode et art contemporain.

« Tu es ce que tu portes/ What you wear is what you are » de Réthymnon à Athènes

Présentée pour la première fois au Musée d’Art Contemporain de Crète à Réthymnon entre mai et octobre 2025, l’exposition « Tu es ce que tu portes/ What you wear is what you are » est organisée par les commissaires Maria Marangou, Maria Panagidou et Stavros Kavallaris. Elle cherche à mettre en lumière la relation réciproque entre la mode et les défis de notre époque, tels qu’ils s’expriment et se transforment à travers l’art contemporain.

Un point central de l’exposition est l’hommage rendu à la grande créatrice de mode originaire de Réthymnon, Sophia Kokosalaki, figure internationale qui a porté la créativité grecque sur la scène mondiale. Vingt-quatre de ses créations sont présentées, provenant principalement de la collection de sa famille et de collectionneurs proches.

L’historienne de la mode Mety Tsoukatou souligne que l’héritage culturel grec a constitué pour la créatrice une source constante d’inspiration : la civilisation minoenne, la Grèce antique, la tradition populaire et l’artisanat, ainsi que la Crète, terre d’origine et de mémoire. Ces influences dialoguent dans ses créations avec la culture urbaine contemporaine, l’esthétique new wave et la scène musicale post-punk, donnant naissance à une vision personnelle et minimaliste du style « grec ».

Depuis l’Antiquité, le vêtement répond aux besoins fondamentaux de l’être humain, mais il définit aussi sa place dans la société. Avec le temps, il est devenu un élément d’identité, à la fois individuel et collectif. L’exposition « Tu es ce que tu portes » explore cette dimension identitaire à travers les œuvres d’artistes et de créateurs venus de Grèce et du monde entier.

Au total, 30 artistes et designers participent à cette exposition, dont Vanessa Beecroft, Hussein Chalayan, Rebecca Horn et Sophia Kokosalaki.

Les œuvres présentées proviennent de collections majeures telles que le Musée National d’Art Contemporain d’Athènes (EMST), le Musée d’Art Contemporain de Crète, l’organisation culturelle ATOPOS CVC, ainsi que de galeries, collections privées et des artistes eux-mêmes.

L’exposition est accompagnée d’un catalogue bilingue (grec et anglais) publié à l’occasion de sa présentation au Musée Benaki.

Des visites guidées par les commissaires sont prévues :

• 4 avril 2026 – 12h00
• 25 avril 2026 – 12h00
• 16 mai 2026 – 12h00
• 25 mai 2026 – 12h00

L’exposition « Tu es ce que tu portes/ What you wear is what you are » est organisée sous l’égide du ministère grec du Tourisme et avec le soutien de l’organisation culturelle NEON Organization for Culture and Development

Horaires:

Durée : 05/03 – 24/05/2026

Vérifier les horaires museum opening times selon le jour programmé pour votre visite

Autre exposition à ne pas manquer au Benaki Pireos 138

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18 février – 3 mai 2026

Il est des dates qui ne s’effacent pas.
Pour les Grecs 1826 appartient à celles-là.

Exposition Messolonghi 1826 Musée Benaki : deux siècles après l’Exode de Missolonghi, le Musée Benaki consacre une grande exposition à la « Ville Sainte » et à l’héroïsme de ses défenseurs. Inaugurée le 17 février 2026 par le Président de la République hellénique, Konstantínos An. Tasoulas, elle se déploie jusqu’au 3 mai au Musée Benaki de la Culture grecque (1, rue Koumbari).

Plus qu’une rétrospective historique, l’exposition propose un regard approfondi sur la naissance d’un mythe fondateur de la conscience nationale grecque — et sur l’onde de choc internationale qu’il provoqua.

Un événement national à dimension européenne

Le choix d’Athènes n’est pas anodin. Présentée au Musée Benaki, institution fréquentée par un large public international, l’exposition replace l’Exode dans sa dimension européenne et philhellène.

Car Missolonghi ne fut pas seulement un drame grec : l’événement bouleversa l’opinion publique en Europe et renforça puissamment le mouvement philhellène. L’émotion suscitée par le siège et l’Exode transforma la ville en symbole universel du combat pour la liberté.

La période précédant Pâques, traditionnellement marquée par une forte affluence touristique, contribue d’ailleurs à élargir encore cette portée internationale.

Derrière l’unité apparente : un travail de grande complexité

Si le visiteur découvre un ensemble cohérent d’environ 200 œuvres — peintures, dessins, gravures, livres, objets et documents rares — la conférence de presse a mis en lumière la complexité du montage.

Chaque prêteur a dû donner son accord. Derrière l’unité visuelle perçue par le public se cache une orchestration minutieuse, faite de négociations, de choix scénographiques et de décisions muséographiques parfois délicates.

Six sections pour comprendre la naissance d’un symbole

L’exposition s’organise en six sections thématiques qui retracent l’évolution de Missolonghi du début du XIXᵉ siècle à nos jours :

• Missolonghi avant la Révolution
• La Révolution grecque et le mouvement philhellène
• Markos Botsaris (1823) et Lord Byron (1824)
• 1825-1826 : Siège et Exode
• Navarin et la création de l’État indépendant
• Missolonghi après la Révolution

La mort de Markos Botsaris puis celle de Lord Byron consolidèrent la réputation héroïque de la ville bien avant l’Exode. L’Europe artistique s’empara du drame : gravures, poèmes, œuvres musicales, affiches vendues au profit des combattants témoignent de l’impact international de 1826.

Parmi les pièces exposées figurent également de rares documents éphémères datant précisément de l’année de l’Exode — une plongée saisissante dans l’émotion immédiate de l’époque.

Une scénographie qui raconte un récit

Un point particulièrement intéressant concerne la présentation d’un ensemble de gravures dont une seule page est exposée, alors que l’ensemble complet existe.

Ce choix scénographique rappelle que le musée construit un récit. Le public perçoit une unité ; les historiens savent combien chaque élément s’inscrit dans une multiplicité de sources et de versions. L’exposition invite ainsi à réfléchir non seulement à l’histoire, mais aussi à sa mise en scène.

Restaurer la mémoire sur les lieux mêmes de l’Exode

La commémoration ne se limite pas aux salles du musée. Le maire de Missolonghi, lors de la conférence de presse, a rappelé l’importance de préserver les sites historiques eux-mêmes :

« Nous menons actuellement une véritable course contre la montre pour mettre en valeur les remparts mêmes depuis lesquels les assiégés ont combattu et se sont sacrifiés. Je pense notamment au lieu tragique de la Sortie. Dans quelques jours, commenceront des travaux destinés à restituer dignement ce site d’où partit l’Exode. Nous nous efforçons également de valoriser d’autres lieux emblématiques et événements majeurs. »

Ces travaux soulignent une volonté forte : inscrire la mémoire dans le paysage vivant de Missolonghi.

Marcher sur les traces des “Assiégés libres”

À l’occasion du bicentenaire, l’association de randonnée culturelle ATRAPOS organise un week-end à Missolonghi permettant de participer aux événements commémoratifs et de parcourir symboliquement le chemin emprunté par les défenseurs jusqu’à Arakynthos, au départ du monastère de Saint Syméon.

Une manière d’unir mémoire historique, paysage et expérience physique — et de prolonger la visite du musée par une immersion sur le terrain.

Un catalogue scientifique de référence

L’exposition est accompagnée d’un catalogue bilingue (grec / anglais), financé par la municipalité de Missolonghi, réunissant des contributions de spécialistes reconnus, parmi lesquels Roderick Beaton et Pantelis Boukalas.

Les prêts prestigieux — notamment de la Bibliothèque nationale de France et du Walters Art Museum — confirment la portée internationale de l’événement.

Informations pratiques

Musée Benaki – Musée Benaki de la Culture grecque
1, rue Koumbari, Athènes
18 février – 3 mai 2026
Visites guidées les 12/03, 26/03, 02/04 et 23/04
Conférence de Pantelis Boukalas : 7 avril 2026

Si vous souhaitez recevoir la lettre mensuelle, n’hésitez pas à vous abonner

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« Alexis Akrithakis. Une ligne vague » réunit plus de 250 œuvres sélectionnées, issues de collections publiques et privées, couvrant toutes les périodes de création de l’artiste et présentées de manière chronologique.

Pour la première fois dans le cadre d’une rétrospective, sont exposées ses toutes premières œuvres ainsi que celles réalisées peu avant sa disparition.

Les œuvres présentées révèlent l’univers pictural d’Alexis Akrithakis avec ses motifs emblématiques — yeux et cœurs, flèches et arcs, valises, petits bateaux, vagues, entre autres — tout en mettant en lumière son exploration des matériaux, de la construction et son sens unique de la couleur.

Directes, pertinentes et subversives, ses œuvres constituent un cas singulier dans l’art grec moderne. Par sa sincérité désarmante, son écriture personnelle, sa vision structurée de la couleur et ses thèmes affirmés, Akrithakis a su créer, jusqu’à sa mort prématurée, un corpus riche, hétérogène mais immédiatement reconnaissable.

Parcours de l’exposition Alexis Akrithakis

L’exposition est organisée en grandes sections thématiques correspondant à différentes périodes créatives :

• Les temperas psychédéliques des années 1960
• Les œuvres politiques intenses du début des années 1970
• La « valise » des années 1970
• Les constructions en bois flotté
• Les installations lumineuses des années 1980
• Les agrandissements et répétitions des années 1990
• Ses dernières œuvres poignantes, notamment les portraits des « fous » et des pensionnaires de l’hôpital psychiatrique Dromokaïteio

La présentation comprend également des ensembles plus restreints d’œuvres particulières exposées autrefois par l’artiste lui-même : les cerfs-volants, la série du cirque, les avions, les fleurs pour les suicidés, etc., révélant sa sensibilité multidimensionnelle face à la réalité et son regard critique envers le sérieux excessif.

L’artiste

Alexis Akrithakis (1939–1994)
Né à Athènes en 1939, il fréquente dès son plus jeune âge d’importantes figures intellectuelles, qui marquent sa formation artistique. Il vit et travaille à Paris (1958–1960), puis à Berlin (1968–1984), où il s’installe grâce à une bourse du DAAD. Il revient définitivement en Grèce en 1984.

Son œuvre comprend peintures, dessins, constructions et livres, mais aussi créations de mobilier et scénographies.

Après sa mort en 1994, son travail a fait l’objet d’importantes rétrospectives :

1. 1997–1998 : Musée d’Art Contemporain de Macédoine (Thessalonique) et Pinacothèque Nationale d’Athènes
2. 2003 : Neue Nationalgalerie de Berlin
3. 2018 : « Les histoires d’Alexis Akrithakis », Centre des Arts de la Ville d’Athènes
4. 2019 : « tsiki-tsiki », Musée Benaki de Culture Grecque

L’exposition est coorganisée par le Musée Benaki et les Archives Akrithakis. Commissaires de l’exposition :Chloé Akrithakis et Alexios Papazacharias 

Événements parallèles

Visites guidées thématiques

Des visites seront proposées par les commissaires et des invités spéciaux, ainsi que des parcours animés par Savvas Theoulakis (Archives Akrithakis), permettant de découvrir les éléments fondamentaux qui rendent son œuvre — selon ses propres mots — « grecque ».

Places limitées.
Participation : supplément de 2 € en plus du billet d’entrée (9 €, 7 €).
Plus d’informations

Programmes éducatifs

• 19 février 2026 (16h00–18h00) : « Voir avec les sens » — pour visiteurs malvoyants ou aveugles.
• 5 mars 2026 (11h30–13h00) : « L’heure du musée ! » — pour personnes souffrant de troubles de la mémoire ou de démence précoce.
• 21 mars 2026 : « Le Petit Atelier d’Art » — pour enfants de 6 à 9 ans.
• 4 avril 2026 : « Le Petit Atelier d’Art » — pour adolescents.

Informations et réservations : Département Éducation
+30 210 3671067-69 | education@benaki.org

Boutique & Publication

À l’occasion de l’exposition, les éditions Agra publient un ouvrage éponyme, sous la direction de Chloé Akrithakis et Alexios Papazacharias, avec une conception graphique de Lila Palaiologou.

Ce volume de 320 pages, disponible en grec et en anglais, constitue une étude approfondie de l’œuvre et du parcours de l’un des artistes les plus emblématiques de l’art grec contemporain.

La boutique du Musée Benaki propose une sélection d’objets inspirés de l’œuvre de l’artiste, disponibles en magasin et en ligne sur benakishop.gr.

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Du 27 janvier au 28 mars 2026

Les trésors offerts par la (‘NEMA’)et Denise Eleftheriou 

Les possibilités offertes par la (‘NEMA’) sont infinies : de la composition de cordons singuliers ,du tissage de galons et autres ouvrages de passementerie, jusqu’aux teintures uniques, rarement utilisées dans la production contemporaine.

Après avoir découvert et étudié en profondeur cet univers riche et pluriel, Denise Eleftheriou choisit de donner un rôle central aux produits de la (‘NEMA’)., que l’on retrouve comme éléments décoratifs, de la tradition grecque à la mode contemporaine.
Ces matériaux deviennent une véritable matière première de création, formant des surfaces et des volumes et donnant naissance à des vêtements sculpturaux contemporains.

La tradition grecque, riche et presque magique, constitue pour Denise Eleftheriou une source d’inspiration constante — non comme un vestige du passé, mais comme un outil pour concevoir l’avenir.
La créatrice s’éloigne consciemment d’une lecture stéréotypée de la tradition et propose une vision nouvelle, contemporaine et avant-gardiste, expérimentant lignes, volumes et proportions, inspirés par la haute couture qui, à l’échelle internationale, se rapproche de plus en plus de la sculpture.

Denise Eleftheriou : une approche originale du vêtement

Denise Eleftheriou est créatrice de vêtements sur mesure et de robes de mariée, reconnue pour les techniques de haute couture d’exception qu’elle applique à ses créations.
Elle est diplômée de l’Istituto Marangoni de Milan, l’une des plus prestigieuses écoles de mode au monde, dont sont issus des créateurs emblématiques tels que Dolce & Gabbana et Moschino.

Après ses études, elle travaille aux côtés de créateurs en Italie, approfondissant les techniques de coupe et le design intemporel propres à ce pays. Parmi ses expériences les plus marquantes figurent ses collaborations avec les maisons Giorgio Armani et Trussardi.

Par la suite, en tant que directrice artistique au sein d’une entreprise grecque de prêt-à-porter de luxe, elle identifie un manque dans le domaine de la robe de mariée et décide de tracer son propre chemin indépendant.

En 1997, elle ouvre son premier atelier à Thessalonique, qui rencontre rapidement un vif succès auprès du public.
Son travail se distingue par la sobriété de son style, ses défilés singuliers et son engagement constant à révéler la personnalité et le style de chaque femme.

Membre de l’Union grecque des créateurs de mode, elle vit depuis 2024 à Athènes, où elle a également transféré l’atelier de sa maison de couture.
Elle a récemment été récompensée par la Chambre professionnelle d’Athènes, dans la catégorie « Entrepreneuriat féminin », pour sa contribution au développement de l’entrepreneuriat porté par des femmes.

La (‘NEMA’) : Un lieu chargé d’histoire

La Nimatourgia Mentis – Antonopoulos (‘NEMA’) aux numéros 6 et 10 de la rue Polyfimou, dans le quartier de Petralona, est un lieu unique dédié à la préservation des techniques traditionnelles du fil, du tissage et de la broderie. Ce site, soutenu par le Musée Benaki, fait le lien entre savoir-faire ancien et création contemporaine et constitue la continuité des entreprises artisanales historiques « Mentis » et « Antonopoulos », sauvées grâce à une initiative innovante du Musée Benaki, très lié à l’histoire du costume grec.

Mon avis, mes photos

L’espace de la manufacture, séparé en deux lieux proches et distincts est minuscule. Cependant pour les passionnés( ées) de fils et de couleurs l’atmosphère est magique. Avec un peu de chance vous recevrez même quelques explications sur les machines

Musée Benaki – Nimatourgia MENTIS – ANTONOPOULOS (‘NEMA’)
6 Polyfemou St., 118 54 Athens ( Petralona)

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Cinquante ans après la mort de Constantin A. Doxiadis, l’Institut Grec d’Architecture, en collaboration avec le Musée Benaki, rend hommage au pionnier grec de l’architecture et de l’urbanisme du XXᵉ siècle et présente l’exposition : « Les médias et la Cité Globale. Marshall McLuhan et Constantin A.Doxiadis »

L’exposition ouvre le lundi 1ᵉʳ décembre 2025 à 19h00
au Musée Benaki / Piréos 138
et restera visible jusqu’au 18 janvier 2026.

L’exposition se concentre sur la collaboration entre Marshall McLuhan (1911–1980) et Constantin A. Doxiadis (1913–1975) à travers des documents d’archives, dont certains sont révélés pour la première fois (correspondances, articles, comptes rendus de rencontres scientifiques, plans, photographies, extraits de films, etc.).
L’exposition est curatée par Kostas Tsiampáos.

La collaboration entre Constantin A. Doxiadis — connu pour ses études innovantes dans le domaine de l’aménagement des établissements humains — et le philosophe canadien Marshall McLuhan — dont l’œuvre a profondément influencé la théorie des médias — s’est surtout développée dans le cadre des Symposiums de Délos (1963–1972) et du débat international et interdisciplinaire concernant la condition des établissements humains, une initiative de Constantin A. Doxiadis.

Cependant, leur collaboration ne s’est pas limitée à cela.
Au centre de leurs préoccupations communes se trouvait le rôle de la communication à l’échelle mondiale, particulièrement à la lumière des possibilités offertes par les nouveaux médias électroniques.
Les réseaux de télécommunication sont alors devenus un élément fondamental pour l’avenir des établissements humains, surtout des grandes villes — une prévision qui s’est aujourd’hui confirmée à un point rappelant la science-fiction des années 1960 et 1970.

À une époque de progrès technologique rapide dans les domaines des communications et des réseaux, ainsi que de forte concentration de population dans les villes, les deux penseurs échangent leurs points de vue sur la conception de la ville mondiale et sur l’homme du futur, envisagé comme un tout, avec ses extensions numériques.

Bien que, à l’époque, la carte télécommunicationnelle de la Grèce fût encore en cours de formation, leur objectif était que les conclusions de leur recherche commune deviennent un outil de planification pour les architectes, urbanistes et autres technocrates, afin que le développement correct des télécommunications — inscrit dans un cadre plus large d’aménagement spatial — place progressivement Athènes (et d’autres grandes villes du pays) dans la famille des villes mondiales du futur.

Dans ce contexte, l’exposition présente les études préliminaires originales du bureau Doxiadis (Doxiadis Associates)du début des années 1960 pour des tours de télécommunication, qui prévoyaient déjà l’usage de la télévision.
Sont également exposés des documents d’archives du Symposium sur la Télévision Grecque, organisé en 1966 par l’Institut Technologique d’Athènes (ATI).

L’exposition se tient sous l’égide et avec le soutien financier du Ministère de la Culture, et bénéficie également du soutien de la Fondation Constantin et Emma Doxiadis, du Estate Marshall McLuhan, du McLuhan Institute et de la Bibliothèque K.A. Doxiadis de l’École Polytechnique d’Athènes.

Pour plus d’informations : eia.gr

Le Musée Benaki consacre une autre grande exposition à l’un des architectes les plus emblématiques du XXe siècle grec, Dimitris Pikionis (1887–1968). Intitulée « Topographie esthétique »,

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Organisée en collaboration avec le Círculo de Bellas Artes de Madrid et l’Ambassade d’Espagne en Grèce, avec le soutien de l’Institut Cervantes d’Athènes et de Rokas Renewables – Iberdrola Group, l’exposition « Dimitris Pikionis » fait suite à une première présentation à Madrid en février 2025. À Athènes, l’adaptation a été conçue par Natalia Boura, architecte et responsable des Archives de l’Architecture Néohellénique du Musée Benaki, tandis que la conception graphique est signée Dora Rokou-Pikioni, petite-fille de l’architecte.

Divisée en trois grandes sections, l’exposition met en lumière six projets clés qui traduisent l’évolution de la pensée et du langage architectural de Pikionis : son rapport intime à la nature, sa quête d’un dialogue entre modernité et tradition, et sa manière unique d’unir l’art, l’artisanat et le paysage. À travers des plans, dessins, photographies et extraits de ses écrits, le visiteur découvre un esprit profondément méditatif, pour qui l’architecture était un art de la mesure, du sentiment et de la mémoire.

Un manifeste d’esthétique grecque

Le cœur de l’exposition est naturellement consacré à son œuvre la plus célèbre : l’aménagement des abords de l’Acropole d’Athènes et du chemin menant à la colline de Philopappos (1954–1958). Ce projet visionnaire, aujourd’hui classé, illustre la démarche singulière de Pikionis : un travail mené sur le terrain, pierre après pierre, dans un dialogue continu entre la main de l’artisan, la matière et le lieu.

Une maquette contemporaine permet d’en apprécier la composition subtile, tissée de références symboliques et de fragments d’architecture traditionnelle grecque, savamment réinterprétés. Chaque dallage, chaque courbe de sentier traduit une pensée vivante du paysage, où l’esthétique devient une topographie de l’âme.

Le titre même de l’exposition s’inspire d’un texte clé de Pikionis, « Topographie émotionnelle », publié en 1935 dans la revue Le 3e Œil (Το 3ο Μάτι), qu’il avait fondée avec son ami, le peintre Nikos Hadjikyriakos-Ghika.
Ce texte manifeste esquisse déjà l’idée d’une architecture enracinée dans le vécu, la mémoire et la beauté du quotidien — une manière de « sentir » le lieu avant de le concevoir.

De Munich à l’Acropole

Né à Athènes, Dimitris Pikionis étudie d’abord à l’École polytechnique nationale, avant de partir pour Munich puis Paris, où il se forme à la peinture et au dessin auprès de Lucien Simon à l’Académie de la Grande Chaumière. Il y découvre Cézanne, Klee et Rodin, mais aussi l’esprit du symbolisme européen, qui marquera durablement son approche.

De retour en Grèce, il enseigne à l’École polytechnique, où il introduit ses étudiants à une vision humaniste de l’architecture, fondée sur l’observation de la nature, le respect des traditions et l’expression de l’individualité créatrice.

Sa carrière est jalonnée de réalisations discrètes mais d’une rare cohérence : maisons privées, écoles, jardins, projets urbains, toujours conçus comme des œuvres d’art totales. Pikionis refusait le fonctionnalisme pur et revendiquait une architecture « sensible », à la fois rationnelle et poétique.

En 1966, deux ans avant sa mort, il est élu membre de l’Académie d’Athènes, reconnaissance suprême pour un homme qui avait su donner à la modernité grecque une voix propre, à la fois classique et visionnaire.

Une modernité enracinée

Cette rétrospective, au-delà de l’hommage, invite à redécouvrir un penseur pour qui l’architecture ne se limitait pas à construire, mais à tisser des liens entre l’homme et son lieu.
Dans un monde uniformisé, l’œuvre de Pikionis rappelle que la beauté naît du dialogue entre mémoire et invention, entre nature et culture.
« Topographie esthétique » se présente ainsi comme une méditation sur la Grèce et sur l’art d’habiter poétiquement le monde.

 « Dimitris Pikionis. Topographie esthétique »
 Musée Benaki / Pireos 138, Athènes
Du 23 octobre 2025 au 25 janvier 2026

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L’exposition met en lumière la longue préparation de l’édition emblématique du Musée Bénaki, Ελληνικαί εθνικαί ενδυμασίαι, véritable jalon dans l’étude des costumes grecs, et devient le point de départ pour raconter de multiples histoires autour de la société de l’entre-deux-guerres.

Cette édition est l’œuvre personnelle d’Antonis Benakis, qui en signe la direction des deux volumes (1948, 1954) et choisit les collaborateurs : le peintre Nicolas Sperling, émigré russe rencontré par Benakis en Égypte dans les années 1920, la folkloriste déjà reconnue Angeliki Hatzimichali, et la société d’arts graphiques Aspiotis-ELKA SA, forte de 30 ans d’activité lorsqu’elle reçoit la commande.

Les travaux éditoriaux débutent en 1930, un an avant l’ouverture du Musée Bénaki au public. Leur préparation s’étend sur une partie de la période de l’entre-deux-guerres et reflète les courants idéologiques et esthétiques de la bourgeoisie grecque, une société qui, entre autres, « découvre » l’art populaire et investit la notion d’hellénicité.

Parallèlement, l’exposition présente le livre-album original et les archives de sa production provenant du fonds Aspiotis-ELKA, aujourd’hui conservé aux Archives historiques de la Banque Nationale de Grèce, documentant le développement de l’industrie typographique grecque, le profil de ceux qui y travaillaient, les expérimentations lithographiques et les débuts des arts graphiques.

En réunissant des matériaux des deux institutions, l’exposition souhaite mettre en valeur les facteurs qui ont rendu possible cette entreprise éditoriale :
– l’intérêt de la bourgeoisie de l’entre-deux-guerres pour l’art populaire ;
– la stratégie de collection d’Antonis Benakis, axée sur les costumes ;
– l’univers artistique du miniaturiste Nicolas Sperling ;
– l’apport multiforme d’Angeliki Hatzimichali à la recherche ethnographique ;
– la dynamique d’une entreprise typographique qui marqua l’évolution des arts graphiques en Grèce ;
– les technologies pionnières appliquées par Aspiotis-ELKA pour l’impression des planches.

Parmi les pièces maîtresses exposées :

• Les deux volumes originaux de l’édition.
• Des aquarelles de Nicolas Sperling réalisées pour l’illustration de l’ouvrage, ainsi que des dessins préparatoires.
• Notes, photographies et croquis d’Angeliki Hatzimichali, rassemblés pour la rédaction des textes explicatifs.
• Costumes ou éléments de costumes issus de la collection du Musée Bénaki, présentés en regard de leur représentation dans l’édition.
• Documents d’archives illustrant le projet d’Antonis Benakis, son lien avec la collection du Musée, son entourage et l’époque.
• Matériel de production extrait des archives Aspiotis-ELKA : plaques typographiques, épreuves de couleur, films, plaques de verre, feuilles imprimées.
• Documents relatifs à l’histoire de l’imprimerie, à sa collaboration avec le Musée Bénaki et à l’impact de l’édition.
• Feuilles de timbres des années 1970 reproduisant certains costumes de l’album.

La direction scientifique de l’exposition est assurée par Xénia Politou et Stalina Voutsina pour le Musée Bénaki, et par Pari Kalamara, Savvas Karabelas et Chrysalena Antonopoulou pour les Archives historiques de la Banque Nationale de Grèce. La conception muséographique est signée Pavlos Thanopoulos.

Actions parallèles

Visites guidées pour le public

Des visites commentées seront assurées par les membres de l’équipe curatoriale :
Xénia Politou et Stalina Voutsina pour le Musée Bénaki,
Pari Kalamara, Savvas Karabelas et Chrysalena Antonopoulou pour les Archives historiques de la Banque Nationale,
ainsi que Pavlos Thanopoulos, concepteur muséographique de l’exposition.
Les noms des intervenants seront annoncés chaque mois.

OCTOBRE

• Samedi 18/10/2025 à 12h00 – Xénia Politou, Conservatrice de la Collection de Culture néo-hellénique – Aigeas AMKE
• Jeudi 23/10/2025 à 18h00 – Pari Kalamara, Responsable des Archives historiques de la Banque Nationale
• Jeudi 30/10/2025 à 18h00 – Stalina Voutsina, Historienne de l’art

NOVEMBRE

• Samedi 1/11/2025 à 12h00
• Jeudi 6/11/2025 à 18h00
• Samedi 8/11/2025 à 12h00
• Jeudi 13/11/2025 à 18h00
• Samedi 15/11/2025 à 12h00
• Jeudi 20/11/2025 à 18h00
• Samedi 22/11/2025 à 12h00
• Jeudi 27/11/2025 à 18h00
• Samedi 29/11/2025 à 12h00

DÉCEMBRE

• Jeudi 4/12/2025 à 18h00
• Samedi 6/12/2025 à 12h00
• Jeudi 11/12/2025 à 18h00
• Samedi 13/12/2025 à 12h00
• Jeudi 18/12/2025 à 18h00
• Samedi 20/12/2025 à 12h00

JANVIER

• Samedi 3/01/2026 à 12h00
• Samedi 10/01/2026 à 12h00

Nombre de places limité.
La participation aux visites guidées entraîne un supplément de 2 € sur le billet d’entrée.
Préachat possible sur : https://tickets.benaki.org

Programme éducatif

La collaboration des Départements Éducation du Musée Bénaki et des Archives historiques de la Banque Nationale a conduit à la création d’un nouveau programme pédagogique spécialement conçu pour l’exposition, destiné aux groupes scolaires (CM2 à Terminale).

Le programme « Un album, ses protagonistes et la vision d’une époque » vise à faire ressurgir de l’oubli et transmettre aux jeunes générations l’album emblématique de l’Athènes de l’entre-deux-guerres, qui rassemble des costumes traditionnels de toute la Grèce.

Une rencontre festive du programme régulier « L’Heure du musée », destinée aux visiteurs atteints de troubles de la mémoire ou en début de maladie d’Alzheimer, est également prévue.

Contact – Informations :
Musée Bénaki / Département Éducation
Du lundi au vendredi – +30 210 3671067 / 68 / 69
education@benaki.org

Journées d’étude

Enfin, le Musée Bénaki et les Archives historiques de la Banque Nationale organiseront deux journées d’étudeapprofondissant les thématiques de l’exposition.

Elles se tiendront aux Archives historiques de la Banque Nationale, 146 rue 3 Septemvriou, aux dates et thèmes suivants :

• Vendredi 19 décembre 2025, 17h00 – 20h00 :
  « Costumes peints, XXe – début XXIe siècle. Questions de représentation »,
  en collaboration avec la Société hellénique d’étude du costume.
• Jeudi 8 janvier 2026, 17h00 – 20h00 :
  « Collections, sources et recherche sur l’histoire de l’imprimerie en Grèce »

Horaires d’ouverture du Musée Benaki de la Culture Grecque :

• Lundi, mercredi, vendredi, samedi : 10h – 18h
• Jeudi : 10h – minuit
• Dimanche : 10h – 16h
• Fermé le mardi

Une exposition à ne pas manquer pour tous ceux qui aiment la Grèce, ses traditions et l’histoire cachée derrière les images.

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Durée : 2 octobre 2025 – 11 janvier 2026

L’exposition PROTOLIA. Des premiers essais à l’œuvre accomplie  se présente comme un rendez-vous artistique unique, qui éclaire d’un jour nouveau l’histoire de l’art grec moderne et contemporain. Singulière et originale, elle met en avant la peinture et la gravure grecques à travers le prisme des débuts d’artistes majeurs du XXe siècle. L’objectif est clair : explorer, étudier et révéler les idées, motifs et caractéristiques qui se manifestent dès les œuvres de jeunesse pour comprendre comment ils se sont enracinés et développés dans la maturité de leur langage artistique.

Les artistes mis à l’honneur dans l’exposition PROTOLIA sont au nombre de onze : Spyros Vassiliou, Nikos Hadjikyriakos-Ghikas, Yannis Tsarouchis, Yannis Moralis, A. Tassos, Vasso Katraki, Yannis Spyropoulos, Alekos Kontopoulos, Dimitris Mytaras, Yannis Gaitis et Chryssa Romanou. Tous occupent une place importante dans l’histoire de la création néo-hellénique et leurs premiers travaux révèlent une richesse souvent méconnue.

UNE COLLABORATION INSTITUTIONNELLE pour l’exposition PROTOLIA

Fruit d’une collaboration entre trois grandes institutions – la Banque de Grèce, le Musée Benaki et la Fondation Ioannis F. Costopoulos – l’exposition constitue un projet de recherche et de mise en valeur patrimoniale. Les commissaires ont choisi de revenir aux débuts de ces figures majeures afin de poser une question centrale : quels éléments créatifs et expressifs apparaissent dès les premières œuvres et de quelle manière nourrissent-ils la trajectoire artistique future ?

Pour nourrir la réflexion, les organisateurs ont sollicité la contribution de spécialistes reconnus – historiens et théoriciens de l’art – afin d’analyser les premières créations. Des « duos » se sont ainsi formés, associant chaque artiste à un chercheur. Ces regards croisés enrichissent la compréhension de l’œuvre et permettent d’explorer des pistes inédites.

LES CELLULES THÉMATIQUES DE L’EXPOSITION PROTOLIA

À travers ce travail, l’exposition met en place de petites « cellules » thématiques où dessins, peintures et gravures – parfois inédits, rarement montrés ou au contraire très connus – dialoguent entre eux. Ces œuvres révèlent des constantes, des motifs récurrents et des idées persistantes. Le spectateur est ainsi invité à déchiffrer les signes avant-coureurs d’une écriture artistique en devenir.

Ces œuvres premières contiennent de véritables trésors. Certaines idées ou formes, peut-être passées inaperçues au moment de leur création, trouvent aujourd’hui une nouvelle valeur à la lumière des réalisations ultérieures. Les « protóleia » deviennent alors des clés de lecture pour mieux comprendre la cohérence et l’évolution de chaque artiste. Loin de se limiter à une plongée nostalgique dans le passé, l’exposition propose un regard original, presque prospectif, sur des œuvres déjà intégrées dans l’histoire de l’art.

LE CATALOGUE de L’EXPOSITION PROTOLIA

Un catalogue richement illustré accompagne l’exposition. Publié par la Banque de Grèce, il sera disponible en grec et en anglais. Il comprend :

• un texte introductif rédigé par les commissaires Charis Kanellopoulou, Irini Orati et Konstantinos Papachristou,
• ainsi que les études d’historiens et de théoriciens invités sur chacun des artistes exposés.

Ce volume constitue un outil de référence pour tous ceux qui souhaitent approfondir leurs connaissances sur l’art grec du XXe siècle et mieux comprendre le rôle fondateur des premiers travaux.

ÉVÉNEMENTS PARALLÈLES à L’EXPOSITION PROTOLIA

Pour compléter l’expérience, des visites guidées seront proposées au public. Elles seront animées par les commissaires eux-mêmes, mais aussi par plusieurs des historiens et théoriciens ayant collaboré au catalogue. Chaque mois, de nouveaux invités viendront enrichir la lecture des œuvres et partager leur expertise.

En octobre, ce sont Bia Papadopoulou, historienne de l’art et commissaire d’expositions, ainsi que Spyros Moschonás, historien de l’art, qui accompagneront le public dans cette découverte.

UNE RÉFLEXION SUR LA CRÉATION

En définitive, « PROTOLIA » n’est pas seulement une exposition rétrospective : c’est une invitation à réfléchir sur les origines de la création artistique. Que disent les premiers gestes, les premiers essais, des trajectoires à venir ? Comment un motif, une idée, une expérimentation trouvent-ils leur prolongement dans une œuvre accomplie ?

L’exposition propose une réponse sensible et documentée à ces questions, en offrant au public l’occasion rare de confronter le passé naissant d’artistes majeurs à la maturité de leur langage. Une démarche qui renouvelle le regard sur l’art grec et qui rappelle que, souvent, dans les premiers traits, se dessine déjà l’avenir d’une œuvre.

ATTENTION: Vérifier les jours et horaires d’ouverture du musée

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