Inauguration : Samedi 20 juin, 20h00

La Fondation Antonios E. Komninos présente pour la première fois à Syros, à la Pinacothèque des Cyclades, l’exposition « Theodoros Papagiannis : Connais-toi toi-même », en collaboration avec la municipalité de Syros-Ermoupoli et l’artiste. L’exposition sera inaugurée le samedi 20 juin à 20h00 par la ministre du Tourisme, Madame Olga Kefalogianni.

Des sculptures précieuses et des installations représentatives du célèbre sculpteur épirote Theodoros Papagiannis révéleront des aspects importants de son travail multidimensionnel, où la matière se transforme en vecteur de mémoire et de sens. Il s’agit d’œuvres connues et méconnues qui engagent un dialogue essentiel avec l’histoire, l’expérience collective et le vécu, esquissant son long parcours artistique depuis Elliniko (Ioannina) jusqu’à Athènes et l’École des Beaux-Arts, où il a enseigné la sculpture pendant quatre décennies jusqu’en 2009.

L’exposition est accompagnée d’un catalogue richement illustré, préfacé par S.E. le Président de la République, Monsieur Konstantinos Tasoulas, qui souligne notamment : « Le parcours sculptural de Theodoros Papagiannis est protéiforme, polyvalent et riche en savoirs. Il puise dans notre héritage et dialogue avec fertilité avec le modernisme, mêlant tradition et modernité, culture populaire et érudition, représentation et abstraction. Il aborde avec un respect équilibré le vécu historique et l’expérience sociale, le besoin quotidien et la mémoire vivante, les transformant en formes qui relient l’élément terrestre au spirituel, insistant pour imaginer une expérience mythique d’envol et d’élévation… Et c’est vrai. Cependant, ses racines profondes ne sauvent pas seulement la mémoire mythique, mais préservent, dans son œuvre, la continuité indivisible du temps comme le passé le plus récent. Le passé d’un lieu dur et authentique, sa terre natale, l’Épire, et son village, Elliniko de Ioannina, qu’il a transformé en glyptothèque à ciel ouvert et auquel il a fait don d’un musée unique, en l’installant dans son école abandonnée. »

Le commissaire de l’exposition, théoricien et critique d’art Takis Mavrotas souligne dans son texte intitulé « Theodoros Papagiannis : Le sculpteur qui a accepté l’art comme un code de vie » : 

« Sa vérité artistique trouve ses racines dans la tradition de l’Épire et dans son angoisse de relier la mesure de l’Antiquité classique à l’époque contemporaine. Nourri des compétences d’un sculpteur accompli, connaisseur de la plastique grecque antique et des recherches de l’art moderne et contemporain, il revient en Grèce depuis Paris en 1982 pour suivre son propre chemin. Il s’agit d’une œuvre fondée sur le structurellement nécessaire, l’esthétiquement suffisant, la sobriété expressive et sa relation déterminante avec la lumière… Le durable et l’éternel incitent Papagiannis, dès son adolescence, à comprendre les bienfaits de l’art pour façonner ses sculptures anthropocentriques, qui portent l’expérience éternelle du destin humain, de la joie et de la tristesse. Calme et inlassable, il se réconcilie avec la nature, les hommes et l’histoire. Il se tient immobile face à lui-même, cherchant ses propres réponses au mystère du monde. Un monde aux créations plastiques solides, au souffle intérieur et à la technique exceptionnelle. Avec ses statues, ses bustes et ses compositions monumentales, il est intervenu, de manière salvatrice et harmonieuse, dans l’espace naturel environnant, en insistant sur des empreintes réalistes… Des sculptures monumentales qui, qu’elles se trouvent au bord du lac de Ioannina ou à l’ombre des montagnes d’Elliniko, ont trouvé leur place dans l’environnement et ont apaisé son inquiétude pour le destin humain. Son travail profondément anthropocentrique, avec ses tendres formes féminines allongées ou debout, ses mères avec leurs enfants et ses couples, révèle sa vision du monde à travers un modelage dense et des formes fermées et pures aux relations rythmiques de plans traversés par la lumière. Le volume, le dessin et la composition l’intéressent intensément, tout comme l’entrelacement de la plastique et de la géométrie. »

L’artiste Theodoros Papagiannis

Theodoros Papagiannis est né à Elliniko (Ioannina) en 1942. En 2009, il y a créé le Musée d’art contemporain « Theodoros Papagiannis ». Il a réalisé 55 expositions personnelles et a participé à de nombreuses expositions collectives. Ses sculptures monumentales se trouvent dans des musées, des espaces publics et des collections privées, en Grèce et à l’étranger, et il a reçu de nombreux prix et distinctions.

Si Theodoros Papagiannis puise dans la mémoire de l’Épire pour interroger la condition humaine, son parcours fait écho à celui de Giannis Pappas, autre grande figure de la sculpture grecque du XXe siècle, dont l’œuvre témoigne elle aussi d’un dialogue constant entre tradition, création et transmission. À lire également dans les archives de « Échos d’Athènes » : « Exposition Giannis Pappas au Musée Benaki ». 

Organisation : Fondation Antonios E. Komninos Commissaire d’exposition : Takis Mavrotas 

  Lieu : Pinacothèque municipale des Cyclades, Syros

Horaires d’ouverture : Lundi-dimanche 11h00-13h00 et 17h30-22h00 / Mardi et mercredi uniquement l’après-midi

Photographies des œuvres : Charis Papadimitrakopoulos, Odysseas Vacharidis

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Entrée libre (réservation obligatoire)

Concert Ebru Athènes :Une performance musicale inspirée de l’art ottoman de l’Ebru — la peinture sur l’eau — où la fluidité, l’explosion chromatique et l’éphémère sont traduits en son.

La soliste au Qanûn, compositrice et improvisatrice Sofia Lampropoulou, le virtuose du Ney Haris Lambrakis et le percussionniste, expérimentateur et improvisateur Giorgos Stavridis s’unissent pour la première fois en trio, dans une performance spécialement conçue pour la série de concerts Hétérochromies de la Fondation Theocharakis.

Le programme comprend des compositions originales des trois musiciens, des œuvres sélectionnées de créateurs contemporains, ainsi que des traces sonores issues du vaste répertoire de la musique ottomane classique et des traditions populaires de la Méditerranée orientale, réinterprétées et recomposées à travers le prisme de la création contemporaine. Au cœur de la démarche musicale se trouve l’improvisation et l’exploration de la possibilité pour une image d’Ebru de fonctionner comme une partition graphique — un déclencheur visuel pour une traduction sonore et un dialogue créatif.

Le concert est une méditation sonore sur la beauté de l’éphémère, sur la relation entre matière et flux. Les trois musiciens, aux parcours pluriels, se rencontrent dans un même espace : la fissure entre hier et aujourd’hui. Ayant un lien profond avec les pratiques musicales traditionnelles et contemporaines, ils abordent la tradition non pas comme un donné, mais comme un champ de dialogue et d’expérimentation.

Haris Lambrakis, ney
Sofia Lampropoulou, qanûn
Giorgos Stavridis, percussions, électronique & objets

BIOGRAPHIES des artistes du Concert Ebru Athènes

Haris Lambrakis

Né et ayant grandi à Athènes, il a commencé la musique dès son plus jeune âge, bénéficiant de nombreux excellents professeurs. Il est diplômé du lycée musical de Pallini ainsi que du département d’études musicales de l’Université nationale et capodistrienne d’Athènes (EKPA), avec une spécialisation en ethnomusicologie. Il a eu la chance de collaborer avec de nombreux musiciens importants en Grèce et à l’étranger. Depuis 30 ans, il participe à des enregistrements et des concerts dans le monde entier, tout en enseignant le ney et la théorie musicale à travers des séminaires et masterclasses. Avec le Harris Lambrakis Quartet, il a enregistré trois albums (Thea, Meteora, Lafina). Il est responsable de l’Orchestre interculturel de l’Opéra national de Grèce (ELS).

Giorgos Stavridis

Giorgos Stavridis explore les possibilités sonores intrinsèques des percussions, des dispositifs électroniques et des objets, à travers la construction, les actions in situ et l’improvisation. Il est membre des Trigger Happy, du duo BLIP et du Centre de recherche et de sauvetage de la musique de ruse, dont le dernier projet est la création de la radio expérimentale en ligne loskop.radio. Il a présenté son travail dans de nombreux concerts et festivals en Grèce et à l’étranger. Il est diplômé du département d’études musicales de l’Université ionienne et du master Contemporary Performance and Composition.
https://www.gstavridis.xyz

Sofia Lampropoulou

Sofia Lampropoulou est une virtuose du qanûn, compositrice et improvisatrice, ayant développé une signature sonore unique combinant avec maîtrise les univers de la musique traditionnelle grecque, de la musique ottomane classique, de la musique médiévale occidentale, de la musique expérimentale et contemporaine. En tant que soliste, elle collabore avec des compositeurs, musiciens et orchestres de renom dans le monde entier, compose et anime des séminaires sur le qanûn et la musique traditionnelle grecque à l’échelle internationale. Son premier album solo, Sisyphe, est sorti en décembre 2020 (Odradek Records). En 2025, elle a lancé à Vienne la série de concerts Unbounded Sounds, consacrée au dialogue interculturel, à la recherche artistique et à l’improvisation. Elle vit à Vienne, en Autriche.
www.sofialabropoulou.com

Le concert Ebru Athènes ouvre la série « Hétérochromies »

Le concert Ebru Athènes inaugure la série Hétérochromies sous la direction de Lorenda Ramou, Stavros Gasparatos et Michalis Paraskakis. Ce concert Ebru Athènes explore la musique contemporaine comme un reflet des tensions et récits du monde moderne, dans l’esprit analysé par Alex Ross. Le concert Ebru Athènes réunit improvisation, électronique et traditions sonores dans un dialogue vivant avec le public et l’espace architectural de la Fondation Theocharakis.

Pensé comme une expérience immersive, le concert Ebru Athènes dépasse le format classique de la performance pour devenir une écoute active et sensible, où musique et arts visuels se répondent.

« À la croisée de l’espace-temps et de la perception artistique, le dialogue entre l’installation lumineuse de Stephen Antonakos et la performance musicale inspirée de l’Ebru explore les correspondances entre son, lumière et mouvement. »

HÉTÉROCHROMIES | Traces dans l’eau | Un dialogue musical avec l’art de l’Ebru

B & M Theocharakis Foundation for the Fine Arts & Music,Vas. Sofias 9 & Merlin 1,

106 71 Athens, Greece

T.  +30 210 3611206 (ext. 1051)F.  +30 210 3611647W. www.thf.gr

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Le Benaki Museum/Galerie Ghika présente l’exposition « Tisser des rêves. Kilims de Geraki, Laconie »

L’exposition est commissariée par Sharon Gerstel et Sophia Pitouli, avec une scénographie conçue par Pavlos Thanopoulos.

L’art millénaire des kilims de Geraki : entre tradition et archéologie

Cette exposition rassemble des textiles provenant de Geraki, village construit sur les pentes du Mont Parnon. Geraki est réputé pour son art du métier à tisser vertical, une tradition dont les racines remontent à plusieurs millénaires, comme l’attestent des découvertes archéologiques de l’Antiquité et de l’époque médiévale. Plus qu’une exposition ethnographique, ce projet apparaît comme un modèle de recherche collaborative, de transmission et de renaissance patrimoniale.

L’exposition présente des kilims tissés pour les dots, ainsi que des objets associés, datant du XVIIe siècle au début du XXe siècle. Une attention particulière est accordée aux textiles figuratifs représentant femmes et hommes dans des paysages inspirés de l’abondance de la nature, enrichis de motifs symboliques.

Les femmes au cœur de la création : l’âme des kilims de Geraki

Au cœur du projet, il y a les femmes. Celles qui ont tissé sans savoir lire ni écrire. Celles qui ont transmis gestes, motifs et secrets de teinture naturelle de génération en génération. Et celles qui, aujourd’hui, se battent pour préserver cet héritage. La tisserande Chrysoula Stamatakoulou, figure centrale de cette renaissance, raconte comment, partie d’un métier à tisser installé dans son salon, elle a contribué à relancer la tradition, jusqu’à obtenir son inscription à l’Inventaire national du patrimoine culturel immatériel de la Grèce.

Face au risque de disparition — il ne restait que quelques tisserandes très âgées — une école a été créée avec le soutien des institutions régionales. Résultat : une nouvelle génération de praticiens a émergé, preuve que les savoir-faire anciens peuvent redevenir vivants.

Chaque fil raconte une histoire : le langage symbolique des kilims de Geraki

Le tissage était intimement lié à la vie domestique comme à l’économie locale. Les tisserandes réalisaient des kilims destinés aux dots ou à l’équipement de la maison. Pièce coûteuse et minutieuse, un beau kilim constituait un signe de prospérité et de statut social, devenant un bien précieux transmis comme héritage familial.

Les tagaria — sacs tissés traditionnels — répondaient à des usages quotidiens, mais servaient aussi à transporter les pains rituels des mariages. Des kilims de Geraki ont également été offerts comme ex-voto à des églises et monastères locaux.

Les tisserandes de Geraki ont été reconnues pour leur excellence, remportant notamment des distinctions lors de l’Exposition universelle de Vienne et de la 8e Foire internationale de Thessalonique en 1933.

La renommée de cette tradition textile a, dès le début du XXe siècle, attiré artistes, intellectuels et folkloristes. Entre 1931 et 1934, Elli Papadimitriou commanda au jeune Yannis Tsarouchis une série de dessins pour la société Ellinikes Technes S.A., parmi lesquels figure un tagari tissé à Geraki.

Fotis Kontoglou visita le village en 1936 et dessina ses maisons, ses églises byzantines et le château médiéval dominant la colline voisine. Il évoqua ensuite le village dans son ouvrage O Kastrologos

L’exposition met en lumière les liens entre Geraki et ces grandes figures artistiques et intellectuelles, inscrivant le village dans des réseaux culturels plus larges qui ont contribué à façonner et à faire connaître son identité singulière, dont le tissage est l’un des piliers.

Chaque tapis est un récit. Une scène de mariage, un arbre de vie, des enfants cueillant des fruits, des musiciens, des figures humaines rares dans le textile grec. D’autres œuvres racontent les tragédies : l’épidémie de grippe espagnole, la guerre turco-grecque, ou la catastrophe d’Asie Mineure. Certains tapis portent la mémoire de femmes devenues veuves, d’enfants laissés orphelins, ou furent offerts aux églises comme ex-voto.

L’originalité des textiles de Geraki réside aussi dans leur technique et leur palette. La laine était lavée, filée et teinte localement. Le rouge venait de la garance du Mount Parnon ; verts, jaunes et noirs provenaient de fleurs, fruits, coques de noix ou végétaux. Les couleurs, restées étonnamment vives, témoignent d’un savoir empirique raffiné, parfois enrichi plus tard par des teintures chimiques.

De l’ombre à la lumière : l’exposition inédite des kilims de Geraki au Musée Benaki

L’exposition révèle aussi l’ampleur d’une recherche impressionnante. Des textiles conservés pendant des décennies dans des coffres familiaux ont été retrouvés, photographiés, catalogués, parfois pour la première fois. Plus de 1 200 pièces seraient recensées. Beaucoup n’avaient jamais été montrées.

L’exposition se distingue enfin par son approche muséographique. Peu de cartels, mais un livret de recherche ; des textiles présentés comme porteurs de mémoire vivante.

Une publication abondamment illustrée, signée par les commissaires de l’exposition, accompagne l’événement. Elle retrace l’histoire du village et propose une description détaillée de 108 kilims et tagaria issus de collections privées et ecclésiastiques.

Cette recherche et cette publication sont le fruit d’une initiative portée par le Club culturel de Geraki avec « Bridge », programme de coopération entre l’University of California, Los Angeles et Simon Fraser University, soutenu par la Stavros Niarchos Foundation.

À Athènes, cette exposition ne montre pas seulement des textiles. Elle tisse un lien entre passé et présent — et prouve qu’un art fragile peut encore devenir avenir.

Si le tissage de Geraki vous a touché, laissez-vous transporter par d’autres formes de récits visuels en découvrant les artistes que j’ai découvert au Centre Culturel Melina Mercouri.

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Théâtre Olympia « Maria Callas »

Au cœur d’Athènes, le Théâtre Olympia « Maria Callas » s’apprête à accueillir une proposition musicale rare, à la croisée de la méditation spirituelle et de l’exploration des traditions méditerranéennes. Le Ergon Ensemble, sous la direction de Markellos Chryssikos, y présentera un programme ambitieux réunissant deux compositeurs majeurs de la musique contemporaine : John Tavener et Osvaldo Golijov.

Intitulé « Pain fait de cendres », le concert s’annonce comme une véritable errance sonore et intérieure à travers les imaginaires de la Méditerranée. Cette soirée, mettra en dialogue deux œuvres singulières : le Kyrie Eleison de Tavener et Ayre de Golijov.

Le choix de ces deux pièces n’est pas anodin. Toutes deux interrogent la notion de transcendance, de mémoire et de coexistence des cultures. Le Kyrie Eleison s’inscrit dans la tradition mystique et liturgique orthodoxe. Inspiré par la spiritualité orientale, Tavener y développe une écriture épurée, presque ascétique, qui s’apparente à une prière musicale. Les structures répétitives et les sonorités évoquant le chant byzantin invitent à une forme de dépouillement, dans laquelle l’auditeur est amené à dépasser les limites du moi.

La dimension méditative de cette œuvre est renforcée par son histoire : enregistrée par Björk en 2001, elle s’inscrit dans une recherche sonore tournée vers l’intériorité et la contemplation. Loin de toute démonstration virtuose, la musique de Tavener propose un espace d’écoute suspendu, presque hors du temps.

Face à cette approche spirituelle, Ayre de Golijov propose une autre forme de voyage. Commandée par le Carnegie Hall, cette œuvre en onze tableaux plonge dans l’héritage musical du bassin méditerranéen, en particulier celui de l’Espagne méridionale. Le compositeur y entremêle chants byzantins, mélodies séfarades, textes arabes et références chrétiennes et juives.

Cette hybridation des sources donne naissance à une œuvre profondément universelle, qui célèbre la richesse des croisements culturels avant la Reconquista. Ayre s’impose ainsi comme une méditation sur la coexistence des identités et sur la musique comme langage commun, capable de dépasser les frontières religieuses et culturelles.

Au cœur de cette rencontre artistique, deux voix se distinguent : celles de Savina Yannatou et Maria Kostraki. Reconnues pour leur capacité à naviguer entre les répertoires anciens et contemporains, elles incarnent à elles seules cette fluidité entre les traditions. Leur interprétation promet d’apporter une dimension sensible et incarnée à ces œuvres exigeantes, où la voix devient à la fois instrument et vecteur d’émotion.

La soirée s’annonce ainsi comme une expérience immersive, où la musique devient espace de réflexion et de transmission. Le Théâtre Olympia « Maria Callas », lieu emblématique de la vie culturelle athénienne, offre un cadre idéal à cette proposition artistique. Son architecture et son acoustique participent à l’intensité de l’expérience, renforçant la dimension presque rituelle du concert.

À travers ce dialogue entre Tavener et Golijov, le public est invité à parcourir un territoire musical traversé par des questions essentielles : celle du sacré, de la mémoire, et de la rencontre entre les cultures. Plus qu’un simple concert, cette soirée s’apparente à une quête — celle d’un langage universel capable de relier les sensibilités et les héritages.

Dans un monde où les identités tendent parfois à se fragmenter, ce programme rappelle la force de la musique comme espace de convergence. Une invitation à écouter autrement, à ralentir, et à se laisser traverser par des sonorités venues de loin, mais profondément ancrées dans une mémoire commune.

Pour prolonger cette immersion dans la création contemporaine et les grands événements culturels, découvrez notre article sur Echos d’Athènes sur le programme du Festival d’Athènes et d’Épidaure en avant première

Tarifs :
Loge présidentielle : 30 €
Catégorie distinguée : 25 €
VIP 1 : 30 €
VIP 2 : 25 €
Zone A : 20 € (étudiants / demandeurs d’emploi : 18 €)
Zone B : 15 € (étudiants / demandeurs d’emploi : 13 €)
Zone C : 12 € (étudiants / demandeurs d’emploi : 10 €)
Visibilité réduite : 10 € (étudiants / demandeurs d’emploi : 8 €)

Billets :
https://www.more.com/gr-el/tickets/music/ergon-ensemble-noera-proseuxi/
Centre téléphonique : 211 1000 365
Billetterie du Théâtre Aliki, 4 rue Amerikis, Athènes

Réservations de groupe :
Kostas Baltas – Giota Karaiskou : 211-1026277 & 210-2117240
( poste 305 ) du lundi au vendredi : 10h00 – 19h00

Email réservations de groupe : reservations@a-th.gr

Informations : www.a-th.gr

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Lieu : Fondation B & M Theocharakis pour les Beaux-Arts et la Musique

Une exposition du centenaire en hommage à Stephen Antonakos (1926–2013) à La Fondation B & M Theocharakis pour les Beaux-Arts et la Musique

L’exposition Stephen Antonakos : Vecteurs du temps et de l’espace, présentée à la Fondation B & M Theocharakis à Athènes, célèbre le centenaire de la naissance de Stephen Antonakos, figure majeure de l’abstraction lumineuse du XXᵉ siècle. Né en Grèce en 1926 et élevé à New York, Stephen Antonakos a transformé l’usage artistique du néon en développant un langage visuel fondé sur la lumière, la géométrie et l’expérience de l’espace.

Réunissant des œuvres réalisées sur plus de six décennies, l’exposition retrace l’évolution du travail de Stephen Antonakos, depuis ses premières expérimentations dans les années 1950 jusqu’à ses installations lumineuses les plus emblématiques. Elle met également en dialogue l’artiste avec des figures majeures de l’art moderne et contemporain, soulignant l’influence durable de Stephen Antonakos dans l’histoire de l’art international.

L’exposition Stephen Antonakos

L’exposition met en lumière l’évolution du langage de Stephen Antonakos fondé sur la couleur, la forme et l’abstraction lumineuse.

L’exposition est structurée autour de séries majeures allant de la fin des années 1950 jusqu’à ses dernières œuvres réalisées en 2012, notamment :

• Neon Panels (1980–2013)
• Direct Neons (années 1970)
• Packages (1971–2006)
• Neon Walls (1977–2007)
• Alphavitos (1986–1990)
• Travel Collages (1987–2002)
• maquettes architecturales de Chapels (1992–2010)
• Gold Works (2010–2013)

Ces œuvres sont présentées aux côtés de sculptures plus intimes réalisées dans les années 1950, 1960 et 1970, intégrant tissu, carton et autres matériaux du quotidien.

L’exposition Stephen Antonakos en dialogue avec d’autres artistes

Aux côtés des œuvres d’Antonakos, l’exposition rassemble également des œuvres d’artistes historiques et contemporains majeurs. Certains furent ses amis, d’autres partageaient des affinités esthétiques. Tous croisent la trajectoire artistique d’Antonakos et témoignent de la résonance durable de ses idées au XXIᵉ siècle.

L’exposition présente des œuvres de :

• Francis Alÿs
• Yiannis Bouteas
• Christo
• Chryssa
• Ksenia Ender
• Lucio Fontana
• Ray Johnson
• On Kawara
• Kazimir Malevitch
• Gordon Matta-Clark
• Judy Pfaff
• Robert Ryman
• Fred Sandback

Ces artistes sont associés à des courants tels que le constructivisme, Light and Space, l’art conceptuel, le minimalisme et d’autres formes d’exploration géométrique.

Le sens du titre de l’exposition Stephen Antonakos

Le titre de l’exposition reflète la complexité de l’identité gréco-américaine d’Antonakos.

• En anglais : Vectors of Time and Space (Vecteurs du temps et de l’espace)
• En grec : Postscripts of Time and Space (Post-scripts du temps et de l’espace)

Cette dualité relie l’abstraction linéaire et rigoureuse de l’artiste à certaines séries plus émotionnelles.

Un vecteur est une représentation graphique utilisant des lignes droites pour définir les contours d’un objet ; il s’agit d’une quantité possédant direction et magnitude, permettant de déterminer la position d’un point dans l’espace par rapport à un autre.

Le terme post-scriptum, quant à lui, évoque la dimension communicative du temps telle qu’elle se manifeste dans les œuvres de l’exposition — particulièrement dans le contexte d’une exposition commémorant le centenaire de la naissance de l’artiste.

Les deux titres – Vecteurs et Post-scripts – reflètent ainsi deux axes majeurs de l’œuvre d’Antonakos , d’un côté son abstraction précise et géométrique et d’un autre ses séries plus émotionnelles liées au passage du temps.

Prêts et collections

Les œuvres présentées proviennent notamment de : Alpha Bank Art Collection, Stephen Antonakos Studio LLC, Electronic Arts Intermix (EAI) New York, Collection of Hellenic Diaspora Foundation, Ray Johnson Estate / ARS New York, MOMUS – Musée d’Art Contemporain de Thessalonique, Gordon Matta-Clark Estate, MOMUS – Musée d’Art Moderne (Collection Costakis), Collection Onassis, One Million Years Foundation, Collection Irene Y. Panagopoulos, Fred Sandback Estate, Cristin Tierney Gallery New York, Collection Dimitris Passas, Estate de Yiannis Bouteas et galerie CITRONNE, ainsi que plusieurs collections privées.

Citations autour de l’exposition Stephen Antonakos

Marina Miliou Theocharaki, responsable de la stratégie des expositions :

« Pour nous, l’exposition Stephen Antonakos : Vecteurs du temps et de l’espace n’est pas seulement un hommage mais aussi un acte de continuité. Elle rappelle que l’art peut fonctionner comme une pause active et que la lumière peut transformer l’expérience du temps, le façonner, l’étendre et même le suspendre. »

Stelios Vasilakis, directeur de la Fondation :

« Cette exposition poursuit l’engagement de la Fondation à présenter des artistes dont la vision dépasse les frontières. En célébrant le centenaire de la naissance d’Antonakos, elle établit un dialogue avec des figures majeures de l’art moderne et contemporain, révélant l’actualité durable de son langage lumineux fondé sur la forme et la lumière. »

Sara Reisman, commissaire :

« Notre approche consiste à rencontrer Antonakos non seulement comme un artiste d’une grande maîtrise formelle, mais comme un penseur profondément attentif à la perception et à l’expérience du temps et de l’espace. Son œuvre se déploie en dialogue avec la présence du spectateur, qui vient compléter chaque geste. »

À propos de l’artiste Stephen Antonakos

Depuis 1960, le travail de Stephen Antonakos avec le néon a donné à ce médium de nouvelles significations perceptives et formelles à travers des centaines d’expositions dans des galeries et musées, d’abord à New York, puis dans le monde entier.

Son utilisation de formes géométriques simples — complètes ou incomplètes — s’est déployée dans :

des installations tridimensionnelles,

des toiles peintes,

les Neon Walls,

les célèbres Neon Panels rétroéclairés,

ainsi que les Rooms et Chapels.

Tout au long de sa carrière, Antonakos concevait ses œuvres en relation avec le lieu, son échelle et son architecture, ainsi qu’avec l’espace partagé avec le spectateur.
Il décrivait son art comme « des choses réelles dans des espaces réels ».

Né en Grèce en 1926 et élevé à Brooklyn après avoir immigré aux États-Unis à l’âge de quatre ans, Antonakos est devenu une figure majeure de l’abstraction d’après-guerre.

Son travail a été présenté dans des expositions internationales telles que Documenta 6 (1977) et il a représenté la Grèce à la Biennale de Venise en 1997.

Ses œuvres publiques se trouvent notamment à New York, Atlanta, Milwaukee, Athènes et Bari.

Ses œuvres sont conservées dans de nombreuses collections prestigieuses, dont ,The Metropolitan Museum of Art, MoMA, Whitney Museum,Guggenheim Museum,National Gallery of Art (Washington),ainsi que dans de nombreuses institutions en Grèce.

Il fut membre de la National Academy of Design, qui lui a décerné son prix pour l’ensemble de sa carrière en 2011.

Informations visiteurs

Horaires :
Lundi – dimanche : 10h00 – 18h00
Jeudi : 10h00 – 20h00 (mars – mai)

Tarifs :
10 € (plein tarif)
5 € (tarif réduit)

Un catalogue bilingue illustré accompagne l’exposition, comprenant des images d’œuvres majeures, des documents d’archives et des contributions de Marina Miliou Theocharaki ,Stelios Vasilakis, Sara Reisman (commissaire de l’exposition)

Ce catalogue éclaire l’héritage créatif d’Antonakos et l’évolution de ses idées à travers les générations d’artistes.

Lien vers le site de La Fondation B & M Theocharakis

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Le Musée Benaki Pireos 138  présente l’exposition « Antonis Kastrinakis. Le sel de la mémoire », ouverte au public jusqu’au 24 mai 2026.

« Le sel de la mémoire » constitue la première rétrospective consacrée à l’œuvre de Antonis Kastrinakis. Elle rassemble des œuvres couvrant quarante années de création artistique, offrant ainsi une vision globale de son parcours.

Les commissaires souhaitent mettre en lumière des aspects moins connus du travail de l’artiste, qui n’ont pas encore bénéficié de la même reconnaissance que ses célèbres « petits bateaux », très appréciés du public. Plusieurs œuvres, restées pendant des années dans l’atelier de l’artiste, ont été restaurées et sont présentées pour la première fois.

L’exposition réunit plus de soixante œuvres réalisées depuis les années 1980 jusqu’à aujourd’hui. Kastrinakis expérimente une large variété de matériaux — huiles, acryliques, poudres et pigments mélangés à de la colle et à d’autres substances — appliqués sur toile, papier ou bois. La plupart des œuvres proviennent de la collection de l’artiste lui-même et sont complétées par des prêts de collections privées.

Certaines séries, comme « Les Tables » ou « Les Érotiques », évoquent des valeurs essentielles de la vie : convivialité, communication et partage.

La peinture de Kastrinakis reflète la vie et la personnalité de l’artiste sans être autobiographique. Dans ses œuvres, chacun peut reconnaître ses propres souvenirs : des moments vécus, des images familières ou des voyages rêvés. En somme, son œuvre célèbre une quotidienneté idéale, faite de matériaux simples mais chargés d’affection.

Ses compositions picturales imaginaires se caractérisent par des couleurs intenses et saturées et par un langage visuel volontairement naïf. Ce choix esthétique reflète une résistance consciente à la perfection académique et à l’illusion visuelle, au profit d’une expression directe et spontanée.

Les œuvres de Kastrinakis célèbrent à la fois la joie de vivre et le plaisir de peindre. Pour lui, la peinture est une fin en soi : une activité qui produit du sens par son propre acte de création.

L’exposition est accompagnée d’un catalogue bilingue (grec-anglais) comprenant des textes des commissaires ainsi que des reproductions d’œuvres qui n’ont pas pu être présentées dans l’exposition, afin d’offrir au visiteur une vision complète de l’œuvre de l’artiste.

À propos de Antonis Kastrinakis.

Antonis Kastrinakis est né à Athènes en 1958. Il a étudié à l’École Vakalo, dont il est diplômé en 1980. Parmi ses professeurs figuraient Panagiotis Tetsis, Giannis Valavanidis, Vangelis Dimitreas et Eleni Vakalo.

Il a réalisé à ce jour 17 expositions personnelles et participé à de nombreuses expositions collectives en Grèce et à l’étranger.

À partir de 1999, il s’oriente davantage vers la sculpture et les constructions, créant une forme particulière autour du motif du bateau, devenue emblématique de son travail. Parallèlement, il poursuit sa pratique picturale avec divers matériaux — huiles, acryliques, crayons et pastels — développant de larges séries d’œuvres. Depuis 2004, il collabore également avec la boutique du Musée Benaki.

Commissaires de L’exposition : Konstantinos Papachristou et Konstantinos V. Proimos, avec une scénographie conçue par Pavlos Thanopoulos.

Horaires et accès au Benaki Pireos 138

A voir également au Musée Benaki Pireos:

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Yorgos Lanthimos Photographies : L’Onassis Stegi d’Athènes présente une grande exposition de photographies du cinéaste et photographe primé Yorgos Lanthimos, comprenant notamment la première internationale d’une nouvelle série réalisée dans son pays natal, la Grèce.

Explorant une nouvelle évolution dans l’œuvre de Lanthimos – qui s’étend désormais bien au-delà du cinéma – l’exposition célèbre ses univers visuels à travers plus de 180 photographies.

« Prendre des photos est devenu quelque chose de très important dans ma vie en dehors du cinéma. C’est beaucoup plus libre. On a l’impression qu’il y a moins de règles que dans un récit conventionnel. »
Yorgos Lanthimos

Reconnu pour la construction de ses univers et pour son regard absurde sur les relations humaines, Yorgos Lanthimos s’est imposé comme l’un des auteurs les plus singuliers du cinéma contemporain.

Avec Yorgos Lanthimos Photographies, l’Onassis Stegi présente la plus grande exposition institutionnelle jamais consacrée à ses photographies. Elle offre au public une rencontre inédite avec un langage visuel déjà largement reconnu, ici déployé dans un autre médium : un regard cinématographique qui capture des instants fugitifs et les suspend dans l’immobilité de l’image.

L’exposition Yorgos Lanthimos Photographies rassemble quatre ensembles de 182 photographies réalisées au cours des cinq dernières années. Trois séries sont liées aux espaces du cinéma de Lanthimos, prises en marge de tournages à La Nouvelle-Orléans, Atlanta, Henley-on-Thames et Budapest.

Certaines images figurent dans ses livres récents :

• Dear God, the Parthenon Is Still Broken (2024), réalisé pendant le tournage du film Poor Things
• i shall sing these songs beautifully (2024), réalisé parallèlement à Kinds of Kindness

L’exposition Yorgos Lanthimos Photographies présente également des photographies inédites réalisées sur le tournage du film Bugonia (2025).

Yorgos Lanthimos Photographies: photos de Grèce

La quatrième série, présentée ici pour la première fois au niveau international, rassemble des photographies personnelles prises en Grèce, lors de promenades solitaires aux marges d’Athènes ou lors de séjours sur les îles grecques. Lanthimos y porte un regard méditatif sur le quotidien et les paysages familiers.

Yorgos Lanthimos Photographies: la scénographie

La scénographie, conçue comme un temple grec classique, place au centre un espace évoquant un autel présentant 110 œuvres nouvelles, tandis que les séries liées à ses films entourent cet espace.

Le développement du langage visuel de Yorgos Lanthimos

L’exposition Yorgos Lanthimos Photographies est commissariée par Michael Mack et produite par l’Onassis Stegi. Elle accompagne également la sortie du nouveau livre photographique de Lanthimos, viscin (2026).

Dans cette exposition, le commissaire Michael Mack retrace l’évolution artistique du cinéaste et photographe Yorgos Lanthimos, en mettant l’accent sur le développement de son langage visuel en photographie argentique.

Bien qu’il ait appris la photographie durant ses études de cinéma et travaillé comme photographe de plateau au début de sa carrière, ce n’est qu’à partir de 2021 que Lanthimos commence à considérer la photographie comme un médium autonome, distinct de son travail cinématographique. L’exposition montre ainsi l’évolution rapide de son style et de sa réflexion artistique.

La scénographie ne comporte volontairement ni cartels ni parcours explicatif, et s’organise autour d’une structure en deux parties.
Dans la périphérie de l’exposition, trois ensembles de photographies sont liés à ses films récents, notamment Poor Things, Kinds of Kindness et Bugonia. Réalisées sur les lieux de tournage, ces images utilisent les décors et les acteurs pour créer des récits visuels indépendants du scénario des films. Certaines photographies font également partie de son nouveau livre VISCIN, publié à l’occasion de l’exposition.

Au centre de l’installation, conçu comme un temple, se trouve une nouvelle série inédite réalisée en Grèce et intitulée « no word for blue ». Le titre fait référence à l’absence d’un mot spécifique pour le bleu dans les textes d’Homer et dans le grec ancien. Cette idée illustre la relation entre langage et perception, suggérant que la photographie ne se limite pas à enregistrer la réalité, mais reflète aussi la culture, l’histoire et le regard personnel du photographe.

Dans ces nouvelles images, Lanthimos explore les paysages et les espaces transformés par l’homme en Grèce, avec son regard caractéristique mêlant ironie, humour et réflexion sur la condition humaine. Leur esthétique épurée rappelle également celle de ses premiers films.

Un livre consacré à cette série est prévu pour 2027.

À propos de Onassis Culture

La culture n’est pas seulement un art : c’est un véritable mode de vie au sein de Onassis Foundation et de son programme culturel Onassis Culture. Avec Onassis Stegi (stegi signifie « toit » ou « refuge » en grec), un lieu emblématique consacré aux arts de la scène et aux expositions à Athènes, la Fondation Onassis encourage le talent et l’énergie des artistes locaux et internationaux et initie des conversations destinées à questionner et à transformer la société.

Depuis 2010, l’Onassis Stegi a présenté plus de 15 000 performances dans les domaines du théâtre, de la danse, de la musique et des arts visuels. Le lieu est devenu un pôle international de la culture contemporaine, favorisant des discussions essentielles sur la démocratie, la justice sociale, l’égalité et les droits LGBTQIA+ à travers de nombreuses initiatives et créations.

En 2025, la Fondation Onassis a introduit un nouveau lieu dans la scène artistique athénienne : Onassis Ready, un espace créatif destiné à celles et ceux qui souhaitent réfléchir et expérimenter, aux artistes qui ont besoin de rechercher et répéter avant de présenter leurs productions, ainsi qu’aux créateurs qui ont simplement besoin de temps.

Onassis AiR est un programme dédié à la recherche et à la pratique artistiques, offrant aux artistes un espace où développer leur travail tout en favorisant un écosystème créatif élargi et des collaborations internationales.

INFORMATIONS: Onassis Stegi 107 – 109 Syngrou Avenue 11745 Athens, Greece

Tel : 219 219 1000

Jeudi – samedi : 18h00 – 23h30
Dimanche : 13h00 – 20h00

Billets : 5 – 10 €

Les autres expositions photographies sélectionnées par  » Echos d’Athènes »

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L’ exposition « Tu es ce que tu portes/ What you wear is what you are» a été inaugurée le mercredi 4 mars 2026, au Musée Benaki – Pireos 138 par le Musée Benaki en collaboration avec le Musée d’Art Contemporain de Crète et la municipalité de Réthymnon.
Présentée du 5 mars au 24 mai 2026, l’exposition met en dialogue créatif artistes et designers grecs et internationaux afin d’explorer la relation dynamique entre mode et art contemporain.

« Tu es ce que tu portes/ What you wear is what you are » de Réthymnon à Athènes

Présentée pour la première fois au Musée d’Art Contemporain de Crète à Réthymnon entre mai et octobre 2025, l’exposition « Tu es ce que tu portes/ What you wear is what you are » est organisée par les commissaires Maria Marangou, Maria Panagidou et Stavros Kavallaris. Elle cherche à mettre en lumière la relation réciproque entre la mode et les défis de notre époque, tels qu’ils s’expriment et se transforment à travers l’art contemporain.

Un point central de l’exposition est l’hommage rendu à la grande créatrice de mode originaire de Réthymnon, Sophia Kokosalaki, figure internationale qui a porté la créativité grecque sur la scène mondiale. Vingt-quatre de ses créations sont présentées, provenant principalement de la collection de sa famille et de collectionneurs proches.

L’historienne de la mode Mety Tsoukatou souligne que l’héritage culturel grec a constitué pour la créatrice une source constante d’inspiration : la civilisation minoenne, la Grèce antique, la tradition populaire et l’artisanat, ainsi que la Crète, terre d’origine et de mémoire. Ces influences dialoguent dans ses créations avec la culture urbaine contemporaine, l’esthétique new wave et la scène musicale post-punk, donnant naissance à une vision personnelle et minimaliste du style « grec ».

Depuis l’Antiquité, le vêtement répond aux besoins fondamentaux de l’être humain, mais il définit aussi sa place dans la société. Avec le temps, il est devenu un élément d’identité, à la fois individuel et collectif. L’exposition « Tu es ce que tu portes » explore cette dimension identitaire à travers les œuvres d’artistes et de créateurs venus de Grèce et du monde entier.

Au total, 30 artistes et designers participent à cette exposition, dont Vanessa Beecroft, Hussein Chalayan, Rebecca Horn et Sophia Kokosalaki.

Les œuvres présentées proviennent de collections majeures telles que le Musée National d’Art Contemporain d’Athènes (EMST), le Musée d’Art Contemporain de Crète, l’organisation culturelle ATOPOS CVC, ainsi que de galeries, collections privées et des artistes eux-mêmes.

L’exposition est accompagnée d’un catalogue bilingue (grec et anglais) publié à l’occasion de sa présentation au Musée Benaki.

Des visites guidées par les commissaires sont prévues :

• 4 avril 2026 – 12h00
• 25 avril 2026 – 12h00
• 16 mai 2026 – 12h00
• 25 mai 2026 – 12h00

L’exposition « Tu es ce que tu portes/ What you wear is what you are » est organisée sous l’égide du ministère grec du Tourisme et avec le soutien de l’organisation culturelle NEON Organization for Culture and Development

Horaires:

Durée : 05/03 – 24/05/2026

Vérifier les horaires museum opening times selon le jour programmé pour votre visite

Autre exposition à ne pas manquer au Benaki Pireos 138

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Evi Mazi & Manos Kitsikopoulos dans le  » Souffle du Temps »

Evi Mazi & Manos Kitsikopoulos seront à l’honneur vendredi 13 mars dans le spectacle « Le souffle du temps », poursuivant la série de concerts bien-aimée de la Fondation Vasili & Eliza Goulandris, Jazz au Musée, qui cette année, sous le titre “Her Voice”, explore de nouveaux parcours musicaux en intégrant la musique classique, le chant lyrique et d’autres formes d’expression révélant le pouvoir intemporel de l’art musical.

La chanteuse et flûtiste soliste Evi Mazi et le pianiste Manos Kitsikopoulos présentent un parcours musical unique, allant de la tradition classique à la création contemporaine. Au centre se trouve la nature féminine – une source inépuisable d’inspiration, de sensibilité et de force qui traverse l’expression artistique à travers les époques et les courants musicaux. Johann Sebastian Bach rencontre les Beatles dans un dialogue qui relie les siècles, Gabriel Fauré converse avec Attik, Kurt Weill avec Mikis Theodorakis, tandis qu’Antonio Vivaldi unit ses mélodies à celles de Manos Hadjidakis. Musique de chambre, mélodies orchestrales et chansons se tissent harmonieusement, créant une rencontre pleine de contrastes, de riches sonorités et d’émotions intenses.

Le pianiste multidimensionnel Manos Kitsikopoulos se déplace avec liberté et expérimente de manière créative différents genres musicaux, en partant de la musique classique. Il a reçu des distinctions et des prix, s’est produit dans des salles importantes en Grèce et à l’étranger, et enseigne parallèlement au Conservatoire d’Athènes. La chanteuse et flûtiste soliste Evi Mazi a collaboré avec des orchestres symphoniques et des formations artistiques, des compositeurs et artistes tels que Nikos Mamangakis, Dionysis Savvopoulos, Stella Gadedi et Argyris Bakirtzis. Elle s’est produite dans de nombreuses salles de concerts ainsi qu’à la télévision et à la radio.

Artistes :
Evi Mazi : chant, flûte
Manos Kitsikopoulos : piano

Direction artistique : Dimitris Tsakas
Organisation de la production : Anastasia Tamouridou – ARTos & Théama

Informations :
Vendredi 13 mars | 20h30
Amphithéâtre de la Fondation Vasili & Eliza Goulandris
Billet général : 20 €
Billet pour membres B&E : 16 €
Prévente : more.com

À propos de la série de concerts Jazz au Musée :
La Fondation Vasili & Eliza Goulandris présente la série Jazz au Musée, une série de concerts hommage aux différents courants du jazz. Une fois par mois, le jazz rencontre les arts visuels au Musée et nous guide dans un voyage musical à travers l’histoire du genre, depuis l’Amphithéâtre de la Fondation, sous la direction artistique de Dimitris Tsakas.

Après cinq années réussies, la série de concerts bien-aimée s’étend et évolue. En accueillant Evi Mazi & Manos Kitsikopoulos, elle s’ouvre à de nouvelles voies musicales, intégrant désormais la musique classique, le chant lyrique et d’autres formes d’expression qui mettent en valeur le pouvoir intemporel de l’art musical. Le nouveau cycle thématique, intitulé “Her Voice”, place la femme au centre de la recherche artistique – comme créatrice, interprète et source d’inspiration. À travers neuf concerts uniques, le programme explore la présence et l’influence féminine dans le monde musical, mettant en lumière la voix, l’expérience, l’expression et la création.

Athènes, ville au riche patrimoine musical, vibre toute l’année grâce à ses nombreuses salles de concert, clubs de jazz intimistes et festivals, offrant un terrain fertile aux musiciens et un public passionné qui valorise autant la tradition que l’innovation musicale, tout en accueillant de jeunes talents, des collaborations internationales et des projets expérimentaux qui dynamisent continuellement la scène musicale locale.

Programme Evi Mazi & Manos Kitsikopoulos :
13/03 : Evi Mazi & Manos Kitsikopoulos – Le souffle du temps
03/04 : Idylle Piano Trio – Musique de chambre avec l’Idylle Piano Trio
30/04 : George Kontrafouris Quartet – Journée internationale du Jazz

Pour plus d’informations sur les événements de la Fondation Vasili & Eliza Goulandris : goulandris.gr et sur les réseaux sociaux @BEGoulandrisFoundation

Fondation Vasili & Eliza Goulandris
Eratosthenous 13, Athènes 11635
T : 210 725 2895
Email : visit@goulandris.gr | site : goulandris.gr

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« Alexis Akrithakis. Une ligne vague » réunit plus de 250 œuvres sélectionnées, issues de collections publiques et privées, couvrant toutes les périodes de création de l’artiste et présentées de manière chronologique.

Pour la première fois dans le cadre d’une rétrospective, sont exposées ses toutes premières œuvres ainsi que celles réalisées peu avant sa disparition.

Les œuvres présentées révèlent l’univers pictural d’Alexis Akrithakis avec ses motifs emblématiques — yeux et cœurs, flèches et arcs, valises, petits bateaux, vagues, entre autres — tout en mettant en lumière son exploration des matériaux, de la construction et son sens unique de la couleur.

Directes, pertinentes et subversives, ses œuvres constituent un cas singulier dans l’art grec moderne. Par sa sincérité désarmante, son écriture personnelle, sa vision structurée de la couleur et ses thèmes affirmés, Akrithakis a su créer, jusqu’à sa mort prématurée, un corpus riche, hétérogène mais immédiatement reconnaissable.

Parcours de l’exposition Alexis Akrithakis

L’exposition est organisée en grandes sections thématiques correspondant à différentes périodes créatives :

• Les temperas psychédéliques des années 1960
• Les œuvres politiques intenses du début des années 1970
• La « valise » des années 1970
• Les constructions en bois flotté
• Les installations lumineuses des années 1980
• Les agrandissements et répétitions des années 1990
• Ses dernières œuvres poignantes, notamment les portraits des « fous » et des pensionnaires de l’hôpital psychiatrique Dromokaïteio

La présentation comprend également des ensembles plus restreints d’œuvres particulières exposées autrefois par l’artiste lui-même : les cerfs-volants, la série du cirque, les avions, les fleurs pour les suicidés, etc., révélant sa sensibilité multidimensionnelle face à la réalité et son regard critique envers le sérieux excessif.

L’artiste

Alexis Akrithakis (1939–1994)
Né à Athènes en 1939, il fréquente dès son plus jeune âge d’importantes figures intellectuelles, qui marquent sa formation artistique. Il vit et travaille à Paris (1958–1960), puis à Berlin (1968–1984), où il s’installe grâce à une bourse du DAAD. Il revient définitivement en Grèce en 1984.

Son œuvre comprend peintures, dessins, constructions et livres, mais aussi créations de mobilier et scénographies.

Après sa mort en 1994, son travail a fait l’objet d’importantes rétrospectives :

1. 1997–1998 : Musée d’Art Contemporain de Macédoine (Thessalonique) et Pinacothèque Nationale d’Athènes
2. 2003 : Neue Nationalgalerie de Berlin
3. 2018 : « Les histoires d’Alexis Akrithakis », Centre des Arts de la Ville d’Athènes
4. 2019 : « tsiki-tsiki », Musée Benaki de Culture Grecque

L’exposition est coorganisée par le Musée Benaki et les Archives Akrithakis. Commissaires de l’exposition :Chloé Akrithakis et Alexios Papazacharias 

Événements parallèles

Visites guidées thématiques

Des visites seront proposées par les commissaires et des invités spéciaux, ainsi que des parcours animés par Savvas Theoulakis (Archives Akrithakis), permettant de découvrir les éléments fondamentaux qui rendent son œuvre — selon ses propres mots — « grecque ».

Places limitées.
Participation : supplément de 2 € en plus du billet d’entrée (9 €, 7 €).
Plus d’informations

Programmes éducatifs

• 19 février 2026 (16h00–18h00) : « Voir avec les sens » — pour visiteurs malvoyants ou aveugles.
• 5 mars 2026 (11h30–13h00) : « L’heure du musée ! » — pour personnes souffrant de troubles de la mémoire ou de démence précoce.
• 21 mars 2026 : « Le Petit Atelier d’Art » — pour enfants de 6 à 9 ans.
• 4 avril 2026 : « Le Petit Atelier d’Art » — pour adolescents.

Informations et réservations : Département Éducation
+30 210 3671067-69 | education@benaki.org

Boutique & Publication

À l’occasion de l’exposition, les éditions Agra publient un ouvrage éponyme, sous la direction de Chloé Akrithakis et Alexios Papazacharias, avec une conception graphique de Lila Palaiologou.

Ce volume de 320 pages, disponible en grec et en anglais, constitue une étude approfondie de l’œuvre et du parcours de l’un des artistes les plus emblématiques de l’art grec contemporain.

La boutique du Musée Benaki propose une sélection d’objets inspirés de l’œuvre de l’artiste, disponibles en magasin et en ligne sur benakishop.gr.

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