Andros, du 14 juin au 27 septembre 2026

La Fondation Basil & Elise Goulandris présente au Musée d’Art Contemporain d’Andros un hommage à Germaine Richier (1902-1959), l’une des figures majeures de la sculpture européenne du XXe siècle, à travers l’exposition « Germaine Richier (1902-1959) – Conversations », du 14 juin au 27 septembre 2026.

L’exposition retrace l’ensemble du parcours artistique de Richier qui, malgré sa disparition prématurée à l’âge de 57 ans, a laissé une œuvre d’une remarquable cohérence, entièrement consacrée à l’exploration des formes du vivant. Lauréate du Prix Blumenthal à l’âge de 34 ans, elle fut également la seule femme sculpteur à participer à l’exposition historique The New Decade, organisée par le MoMA de New York en 1955. En 1956, le Musée national d’Art moderne de Paris lui consacra une importante rétrospective, un honneur qui, jusqu’alors, n’avait été accordé du vivant d’un artiste qu’à Henri Matisse.

Élève dans l’atelier d’Antoine Bourdelle, Germaine Richier débute sa carrière par l’art du buste portrait, qu’elle aborde avec toute la rigueur de la tradition académique. Au cours des années 1940, elle s’affranchit cependant des cadres conventionnels pour développer un langage sculptural profondément personnel, dans lequel les formes humaines fusionnent avec les mondes animal, végétal et minéral. Cette recherche l’amène à remettre en question les fondements mêmes de la sculpture ainsi que la dimension métaphorique de ses œuvres.

Germaine Richier considérait souvent ses sculptures comme ses propres enfants. Les « conversations » initiées par son œuvre se déploient ainsi à deux niveaux : au-delà du dialogue qu’elle entretenait avec ses créations, se dessinent également les relations imaginaires que les œuvres tissent entre elles.

Née et élevée dans un petit village de Provence, Richier a conservé toute sa vie une fascination pour les animaux, les insectes et les objets trouvés, qui peuplaient son atelier et nourrissaient son imaginaire. Certains de ces objets devinrent le point de départ de formes associant des éléments naturels à la figure humaine.

Lorsqu’elle choisit, dans les années 1940, de suivre une voie artistique résolument personnelle en s’éloignant de l’héritage académique, elle bouleversa et renouvela simultanément l’art de la sculpture. Ses œuvres incarnent tous les paradoxes de la condition humaine : marquées par les blessures, fragilisées par les fissures et les tensions internes, elles demeurent pourtant profondément humaines. Elles expriment une force intérieure, un instinct de survie et une forme d’espérance.

À mesure qu’elle approfondit son exploration des relations entre l’être humain et la nature, Richier crée des figures hybrides puisant à la fois dans le règne animal et dans l’imaginaire collectif, qu’il soit mythologique ou populaire, tout en réinterprétant les formes traditionnelles de représentation. La figure humaine demeure au cœur de toute sa pratique artistique : depuis l’exigeante discipline du buste portrait jusqu’aux silhouettes de petit et moyen format des années 1950, où l’abstraction se fait plus présente, il apparaît clairement que Richier s’inscrit dans l’héritage de Rodin et de Bourdelle tout en donnant une expression puissante à ses élans les plus intimes.

L’exposition de la Fondation B&E Goulandris comprend également une section consacrée à l’atelier de l’artiste, un appartement plongé dans un « chaos de plâtre et d’argile », selon les mots de l’écrivain et critique d’art Georges Limbour. Elle met également en lumière son intérêt pour la gravure, découverte à Londres en 1947 et rapidement intégrée à sa pratique artistique quotidienne.

L’exposition est commissariée par Marie Koutsomallis-Moreau, responsable des collections de la Fondation B&E Goulandris, et Laurence Durieu, spécialiste de l’œuvre de Richier et auteure de sa biographie Germaine Richier – L’Ouragane.

L’exposition s’accompagne d’un catalogue trilingue (grec, anglais et français). Des visites guidées publiques en langue grecque seront proposées quotidiennement du 1er au 16 août, de 12h00 à 12h40, à l’exception des mardis, jour de fermeture du musée.

Informations pratiques

Commissaires de l’exposition Germaine RICHIER

• Marie Koutsomallis-Moreau, responsable des collections de la Fondation B&E Goulandris
• Laurence Durieu, spécialiste de l’œuvre de Germaine Richier et auteure de Germaine Richier – L’Ouragane

Scénographie

• Paraskevi Gerolymatou
• Andreas Georgiadis

Horaires

• Mercredi à dimanche : 11h00-15h00 et 18h00-21h00
• Lundi : 11h00-15h00
• Fermé le mardi

Musée d’Art Contemporain d’Andros
Chora, Andros 84500, Grèce

Tél. : +30 22820 22444

E-mail : andros@goulandris.gr

Les amateurs de sculpture pourront également découvrir cet été dans les Cyclades l’exposition consacrée à Theodoros Papagiannis à Syros, autre grande figure de la sculpture contemporaine grecque

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Le Festival du Film Francophone de Grèce 2026 revient pour sa 26ᵉ édition et confirme sa place essentielle dans la vie culturelle hellénique. Pendant une semaine, le cinéma francophone s’invite dans cinq villes grecques pour célébrer la richesse et la diversité d’un cinéma en dialogue permanent avec les arts et les cultures méditerranéennes.

Après plus d’un quart de siècle d’existence, le festival poursuit son aventure en proposant 40 films et de nombreux événements parallèles. Cette année, le thème « L’empreinte de l’Art en nous » invite les spectateurs à explorer les multiples liens entre le cinéma et les autres formes artistiques, tout en mettant à l’honneur la Méditerranée comme espace de rencontres, de circulation et de création.

Le cinéma au cœur de la Méditerranée pour le Festival du Film Francophone de Grèce 2026

Dans le cadre de la Saison culturelle Méditerranée organisée en France, cette nouvelle édition propose une programmation qui traverse les frontières artistiques et géographiques. Films d’auteur, documentaires, rencontres professionnelles et débats permettront au public de découvrir les différentes facettes de la création cinématographique francophone contemporaine.

À Athènes, les projections auront lieu dans plusieurs salles emblématiques de la capitale, dont le cinéma Danaos, l’Astor, la Fondation Basil & Elise Goulandris, la Cinémathèque de Grèce et l’auditorium Theo Angelopoulos de l’Institut français de Grèce.

La bande-annonce de cette édition a été confiée à la réalisatrice franco-hellénique Inès Perot, qui s’est inspirée de la Méditerranée comme espace commun reliant les peuples par les gestes, les traditions et les expressions artistiques. 

Au-delà de son soleil, ses plages, ses goûts et ses odeurs, la Méditerranée rassemble, jeunes et anciens, autour de traditions et de moments simples, qui nous rappellent ce qui nous relie. 

Autour d’un match de pétanque, ce jeu typiquement méditerranéen, les générations se retrouvent. Les gestes se transmettent et un simple moment dans un parc devient le reflet d’une culture de partage. (Note de la réalisatrice)

L’identité visuelle du Festival du Film Francophone de Grèce 2026, créée par l’agence The Birthdays Design se compose d’une multitude d’empreintes digitales qui se démultiplient et coexistent. Chacune est différente, unique, mais toutes ensemble forment une image collective, à l’image du cinéma lui-même, fruit d’une collaboration entre artistes, techniciens et créateurs.

Une programmation riche et variée pour le Festival du Film Francophone de Grèce 2026

La programmation s’articule autour de plusieurs sections :

• Compétition officielle,
• Panorama,
• Carte blanche au festival Cinemed de Montpellier,
• Cycle thématique « Les Arts à l’écran »,
• Séances jeune public,
• ainsi que des événements spéciaux et rencontres professionnelles.

Le cycle « Les Arts à l’écran », organisé avec la Fondation Goulandris et le Flux Laboratory, proposera notamment une série de projections consacrées aux artistes et à la création. La programmation sera complétée par une performance de danse contemporaine, une visite thématique du musée et une émission spéciale de ERT – Voice of Greece, enregistrée en direct avec le public.

Autre moment fort : la Carte blanche confiée au CINEMED – Festival International du Cinéma Méditerranéen de Montpellier, qui présentera une sélection de quatre films illustrant la vitalité du cinéma méditerranéen.

Trois films très attendus

Le festival s’ouvrira le 24 mars au Megaron – Athens Concert Hall avec L’Étranger, réalisé par François Ozon. Adapté du célèbre roman d’Albert Camus, le film plonge le spectateur dans l’histoire de Meursault, un homme dont l’existence bascule après un drame sur une plage d’Alger. La cérémonie sera présentée par l’actrice Alkistis Poulopoulou.

La clôture du festival aura lieu le 1ᵉʳ avril au cinéma Danaos avec Partir un jour, réalisé par Amélie Bonnin. Cette comédie dramatique raconte l’histoire de Cécile, une jeune cheffe cuisinière qui, à la suite de l’infarctus de son père, retourne dans son village natal et se retrouve confrontée à ses souvenirs et à son premier amour.

Le film GOUROU présenté en compétition a fait l’objet d’un article très intéressant de Isabelle Barth de l’Université de Strasbourg.

Les événements spéciaux du Festival du Film Francophone de Grèce 2026

Au-delà des projections, le festival proposera de nombreux événements. Une exposition intitulée « 2000-2026 : le FFF à travers ses affiches » retracera l’histoire visuelle du festival à l’Institut français de Grèce.

Des rencontres permettront également d’aborder les enjeux du cinéma contemporain, notamment une discussion autour de la géopolitique du cinéma avec la chercheuse Chloé Delaporte, ou encore un débat consacré à la coproduction dans l’espace méditerranéen réunissant producteurs et professionnels du secteur.

La programmation se prolongera également hors des salles avec des événements musicaux et culturels, comme une soirée au Romantso, mêlant sons traditionnels et paysages musicaux contemporains.

Entre cinéma, arts et dialogue méditerranéen, cette 26ᵉ édition du Festival du Film Francophone de Grèce promet une immersion passionnante dans la création cinématographique d’aujourd’hui.

L’article sur le Festival du Film Francophone de Grèce 2025 se trouve ICI

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La chanteuse française Imany sera à Athènes à la fin du mois de mars dans le cadre du festival WOW – Women of the World Athens, organisé du 27 au 30 mars 2026 au Centre Culturel Fondation Stavros Niarchos (SNFCC). Installé au cœur de la capitale grecque, ce lieu emblématique, qui abrite notamment l’Opéra national de Grèce et la Bibliothèque nationale, est devenu en quelques années un point de rencontre majeur pour la vie culturelle athénienne.

Le festival WOW Athens propose quatre journées mêlant conférences, discussions publiques, ateliers et événements artistiques. Si les thématiques abordées s’inscrivent dans les grands débats contemporains, la programmation accorde une place essentielle à la création musicale et aux performances scéniques, offrant au public une expérience à la fois intellectuelle et artistique.

Un temps fort avec Imany

Le concert d’Imany constitue l’un des temps forts de cette édition 2026. L’artiste se produira le lundi 30 mars à 21h dans la Salle Stavros Niarchos, accompagnée de ses musiciens. Connue pour sa voix grave et chaleureuse, immédiatement reconnaissable, elle a su imposer au fil des années un univers musical personnel, à la croisée de la soul, du folk et du blues.

Révélée au grand public par son premier album The Shape of a Broken Heart, porté par le succès international du titre « You Will Never Know », Imany s’est rapidement imposée sur la scène européenne. Son parcours artistique témoigne d’une recherche constante d’authenticité et d’exigence musicale. Née en France sous le nom de Nadia Mladjao, d’origine comorienne, elle a choisi le nom de scène « Imany », qui signifie « foi » en swahili, comme une affirmation artistique forte.

Au fil de ses albums et de ses tournées, elle a exploré différentes formes scéniques, dont le projet « Voodoo Cello », dans lequel sa voix dialoguait avec huit violoncelles, créant un univers sonore original et immersif. À Athènes, le public pourra découvrir un concert mêlant ses titres emblématiques et des compositions plus récentes, dans une performance qui promet intensité et émotion.

Le lundi 30 mars Imany retrouvera le public athénien avec un concert mêlant musique et réflexion sociale. Inspirée par son nouvel album Women Deserve Rage, elle y aborde ouvertement l’expérience féminine et le droit à une expression authentique.

Née en France sous le nom de Nadia Mladjao et d’origine comorienne, Imany puise dans un héritage culturel marqué par des influences africaines et arabes. Son nom de scène, qui signifie « foi » en swahili, reflète son engagement artistique et personnel. Révélée par son premier album The Shape of a Broken Heart, devenu disque de platine dans plusieurs pays européens grâce au succès du titre « You Will Never Know », elle a su imposer une signature vocale profonde et reconnaissable, mêlant soul, folk et blues.

La programmation musicale du festival ne s’arrête pas là. Le festival accueillera également, le vendredi 27 mars à 21h à la Tour des Livres, un concert en entrée libre de Tania Giannouli. Formée au piano classique et à la composition contemporaine, elle est considérée comme l’une des voix européennes majeures de la scène jazz actuelle. Depuis son premier album Forest Stories en 2012, elle a publié plusieurs œuvres saluées par la critique, dont Transcendence, souvent cité parmi les albums grecs les plus marquants de la dernière décennie. Elle s’est produite dans des festivals prestigieux tels que Jazzfest Berlin ou le NY Winter Jazz Festival.

Les 28 et 29 mars, l’Agora vibrera au rythme des DJ sets et des concerts éphémères, tandis que le dimanche 29 mars à 17h, la Patinia x WOW Athens Y2K Roller Party transformera l’espace en piste festive inspirée des années 2000, avec musique pop et ambiance haute en couleur.

Le Centre Culturel Fondation Stavros Niarchos, conçu par l’architecte Renzo Piano, s’impose aujourd’hui comme l’un des pôles culturels les plus importants de Grèce. Son amphithéâtre, ses salles de spectacle et ses vastes espaces extérieurs permettent l’organisation d’événements d’envergure internationale, tout en restant un lieu de promenade et de détente pour les Athéniens.

Fondé en 2010 à Londres par Jude Kelly, le mouvement WOW compte aujourd’hui plus de cent festivals dans 45 pays sur six continents. Il a accueilli des personnalités telles qu’Angela Davis, Malala Yousafzai ou Annie Lennox. Avec la venue d’Imany et la participation d’artistes grecs et internationaux, cette édition 2026 du WOW Athens Festival confirme la place d’Athènes dans le circuit des grandes capitales culturelles européennes. Au-delà des thématiques abordées, c’est bien la rencontre entre les artistes et le public qui constitue le cœur de l’événement, dans un dialogue où la musique demeure un langage universel.

Pour les amateurs de concerts et de découvertes musicales, le rendez-vous est donc fixé à la fin du mois de mars, dans l’un des cadres les plus emblématiques de la capitale grecque.

WOW – Women of the World

Stavros Niarchos Foundation Cultural Center

Syggrou Avenue 364, 17674 Kallithea

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CineDoc Athènes, Le Festival du documentaire, présente cette année encore, dans le cadre de ses hommages et projections spéciales de la saison 2025-2026, une anthologie de courts métrages documentaires le jeudi 12 février, en présence des équipes des films, et le dimanche 15 février, au cinéma Danaos.

Au cœur de cet hommage : l’espace public et son appropriation par le cinéma, mais aussi la puissance du septième art à raconter des histoires universelles sur les relations humaines, la mémoire collective et les traumatismes des peuples.

Les documentaires présentés sont :
The Flowers Stand Silently, Witnessing de Thodoris Panagopoulos,
Déplacement inutile de Nikoleta Leoussi,
Ils dressent le paradis de Alkaios Spyrou,
Et EL et AL de Ilir Tsouko,
Rap de grand-mère de Eva Stefani.

En outre, avec l’achat de leur billet, les spectateurs de CineDoc auront la possibilité d’assister au Danaos à la projection de l’ œuvre immersive en réalité virtuelle, primé & de coproduction grecque The Exploding Girl.
La projection RV est réalisée en collaboration avec l’école Creative Media – SAE Athens.

Cet hommage est organisé avec le soutien du Centre hellénique du cinéma, des médias audiovisuels et de la création (E.K.K.O.ME.D.) – Creative Greece.

PROGRAMME DES PROJECTIONS de CINEDOC

ATHÈNES – Cinéma Danaos

(Kifissias 109, Ambelokipi)

Billetterie : au guichet du cinéma et en ligne :
https://danaoscinema.gr/portfolio-item/cinedoc-2025-26-short-films-2/

Jeudi 12 février 2026 / 19h45 – DANAOS 1
Discussion (Q&R) avec les équipes des films après la projection.
Modération : Giorgos Angelopoulos, directeur artistique du Festival international du court métrage de Dráma.
Un verre sera ensuite offert dans le foyer du cinéma Danaos par l’équipe d’Open Farm.

Dimanche 15 février 2026 / 16h00 – DANAOS 2
Brève introduction par les équipes avant la projection.

LES FILMS DE L’HOMMAGE

THE FLOWERS STAND SILENTLY, WITNESSING

de Thodoris Panagopoulos (2024, 17’)

Trailer: https://youtu.be/_ukSe4nE8IQ 

Issu de racines grecques, libanaises et palestiniennes, le réalisateur Thodoris Panagopoulos s’inspire d’une archive cinématographique rare et précieuse : deux films muets en 16 mm des années 1930 et 1940 montrant la beauté des fleurs sauvages palestiniennes.

Un documentaire sur les habitants de la terre palestinienne, la préservation de la mémoire collective et la valeur des archives historiques comme forme de résistance à l’effacement culturel.

• Grand Prix du Jury – Meilleur court métrage documentaire, Sundance Film Festival 2025
• Prix du meilleur court métrage documentaire – IDFA 2024

DÉPLACEMENT INUTILE

de Nikoleta Leoussi (2024, 19’)
Trailer : https://youtu.be/NBNWINFiOWg

1895 fut une année intéressante : le premier autobus motorisé est mis en circulation, et en mars, les frères Lumière filment la sortie des ouvriers de leur usine.

En mars 2020, le champ du regard se rétrécit. La vie urbaine s’arrête presque. Les déplacements inutiles sont interdits et les cinémas ferment.
Aujourd’hui, qu’est-ce qui manque le plus à la ville : les cinémas, ou les déplacements inutiles ?

• Prix de l’Association panhellénique des critiques de cinéma (PEKK)
• Prix de la Fédération des ciné-clubs de Grèce
  47ᵉ Festival international du court métrage de Dráma

ILS DRESSENT LE PARADIS

de Alkaios Spyrou (2024, 15’)
Trailer : https://youtu.be/7XOm6__reBc

Le conseil municipal annonce la rénovation de la place Omonia, l’une des zones les plus centrales et les plus dégradées d’Athènes.
Alors que les tensions augmentent dans le quartier, le réalisateur suit trois habitants permanents menacés par l’ombre de la requalification urbaine.

• Prix du documentaire – Programme national
  47ᵉ Festival international du court métrage de Dráma

ET EL ET AL

de Ilir Tsouko (2024, 28’)
Trailer : https://youtu.be/4I9ybTE6fj4
Production : Onassis Culture

Les enfants et petits-enfants des migrants albanais des années 1990 sont nés et ont grandi en Grèce.
Le film raconte leurs histoires, ni uniquement albanaises, ni uniquement grecques : les deux à la fois.

À l’heure où les guerres identitaires se multiplient, la caméra du réalisateur éclaire les identités multiples non comme des fardeaux du passé, mais comme des boussoles pour l’avenir.

Responsable scientifique : Dimitris Christopoulos

• Première mondiale – Festival international du documentaire de Thessalonique 2025
• Prix du meilleur court métrage documentaire grec & Prix du meilleur court métrage grec – Festival du film de La Canée 2025
• Mention spéciale – Beyond Borders, Festival international du documentaire de Kastellorizo 2025

RAP DE GRAND-MÈRE

d’Eva Stefani (2023)

Chaque dimanche, la petite-fille Antela rend visite à sa grand-mère Antela.
Un après-midi de printemps, la petite décide d’apprendre à sa grand-mère à rapper. Malgré les premières difficultés, Antela compose finalement son propre rap.

ACTIVITÉ PARALLÈLE – CINÉMA DANAOS

PROJECTION VR : THE EXPLODING GIRL

Caroline Poggi, Jonathan Vinel | 2025 | France, Grèce | 18’
Production : Atlas V, Byrd

Avec leur billet, les spectateurs peuvent également découvrir ce RV primé, coproduit par la Grèce, en collaboration avec SAE Athens.

Synopsis :
Depuis trois mois, Candice explose chaque jour — parfois plusieurs fois par jour — avec un record de sept explosions quotidiennes, atteignant aujourd’hui 192 explosions.
Un portrait brut et lucide de la colère d’une génération entière, utilisant l’animation 3D pour offrir une œuvre audacieuse en réalité virtuelle.

• Sélection officielle – Compétition Immersive, Festival de Cannes 2025
• Sélection officielle – Compétition Immersive, Festival de Venise 2025

Horaires VR :
Jeudi 12 février, 21h00–23h00
Dimanche 15 février, 17h00–18h30

À propos de CineDoc

CineDoc diffuse et distribue des documentaires grecs et internationaux primés, en collaboration avec de nombreux partenaires culturels à travers la Grèce.
Le festival se déroule chaque année de septembre à avril, avec environ une projection par mois.

Suivez CineDoc sur Facebook et Instagram.
Plus d’informations :www.cinedoc.gr 

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Mercredi 11 février 2026 à 19h00
Auditorium Theo Angelopoulos – Institut français de Grèce
31, rue Sina, Athènes
Entrée libre – Traduction simultanée

Vanessa Springora à Athènes : l’Institut français de Grèce organise une rencontre exceptionnelle avec l’autrice de Le Consentement, ouvrage majeur qui a profondément marqué le débat public en France depuis sa parution en 2020. Pour la première fois dans la capitale grecque, Vanessa Springora à Athènes viendra échanger avec le public autour de son œuvre, de son parcours et des questions qu’elle soulève, lors d’une discussion animée par l’autrice et journaliste Mia Kollia.

Cette venue de Vanessa Springora à Athènes s’inscrit dans le contexte de l’adaptation théâtrale grecque de Le Consentement, présentée sous le titre Témoignage d’une adolescence volée au Théâtre d’Art Karolos Koun, dans une traduction de Venia Stamatiadi et une mise en scène d’Eirini Lamprinopoulou. La rencontre fait également partie du nouveau cycle annuel « Rendez-vous rue Sina » de l’Institut français de Grèce, consacré aux grands enjeux culturels et sociétaux contemporains.

À l’occasion de Vanessa Springora à Athènes, l’autrice assistera aussi à la première officielle du spectacle, le mardi 10 février, et participera à un échange ouvert avec le public à l’issue de la représentation.

À propos de l’adaptation théâtrale du texte de Vanessa Springora à Athènes

Présentée sur une scène grecque pour la première fois depuis le 19 janvier, l’adaptation théâtrale du texte de Vanessa Springora explore une histoire qui a profondément interrogé les rapports de pouvoir, de domination et de consentement. La pièce met en lumière une affaire ayant marqué durablement la vie intellectuelle française et ravivé, bien au-delà des frontières, un débat essentiel sur les limites du consentement.

Sur scène, Venia Stamatiadi, Marilena Bartalucci et Kleon Grigoriadis, accompagnés par la musique live d’Andy Val, incarnent les voix et les tensions qui traversent ce récit, restituant toute la complexité humaine et sociale de cette histoire.

Infos pratiques – Spectacle de théâtre

Jours & horaires : dimanche, lundi, mardi à 21h00
Lieu : Sous-sol du Théâtre d’Art Karolos Koun
5, rue Pesmazoglou, Athènes
Prévente : https://www.more.com/gr-el/tickets/theater/martyria-mias-klemmenis-efibeias

À propos du livre

Paris, au milieu des années 1980. À quatorze ans, Vanessa Springora croise la route de Gabriel Matzneff, écrivain reconnu, alors parfaitement intégré aux cercles littéraires français. La relation qui s’installe dans ce contexte — où une certaine idée de la « liberté » érige l’absence de frontières en vertu — prend rapidement la forme d’un rapport profondément déséquilibré, mêlant autorité symbolique et fragilité adolescente. Peu à peu, la jeune fille cesse d’être perçue comme un sujet à part entière pour devenir une « muse », enfermée dans un rôle présenté comme librement accepté, une construction narrative qu’elle fera voler en éclats bien plus tard en la confrontant publiquement.

Paru en 2020, Le Consentement constitue un véritable choc. L’ouvrage rencontre un succès mondial, connaît des adaptations pour la scène et l’écran et provoque, surtout, une prise de conscience institutionnelle aboutissant à une évolution de la législation française sur l’âge du consentement. L’adaptation théâtrale proposée au Théâtre d’Art explore les ressorts de la séduction, le poids du prestige culturel et la complaisance collective, tout en posant une interrogation essentielle : l’art peut-il tout justifier ?

RENDEZ-VOUS RUE SINA de l’Institut français de Grèce

À partir de 2026, l’Institut français de Grèce lance les « Rendez-vous rue Sina », une programmation annuelle transversale dédiée à la création, au savoir et au dialogue autour des grands enjeux européens contemporains.

Cinq thématiques structurent ce cycle :
– Spectacle vivant et musique
– Idées, savoirs, livre et innovation
– Cinéma, audiovisuel et création numérique
– Arts visuels, métiers d’art et design
– Éducation et études

Ces rendez-vous prennent la forme de rencontres, conférences, concerts, projections, ateliers et expositions, dans un esprit ouvert et convivial.

Archives sur les actions culturelles françaises à Athènes

*Les académiciens privilégient le terme « autrice », estimant que cette forme féminisée répond mieux aux règles de la grammaire. Elle s’inscrit dans la même logique que des appellations telles que « réalisatrice », « actrice » ou « créatrice ».

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Athènes, 6 décembre 2025 – 11 avril 2026

La Fondation Basil & Elise Goulandris présente, dans son Musée d’ Athènes, du 6 décembre 2025 au 11 avril 2026, l’exposition temporaire « De Monet à Warhol : Trois générations, une collection, un voyage à travers l’évolution de l’art moderne ».

83 chefs-d’œuvre signés par 45 figures majeures de l’art moderne et contemporain composent un panorama visuel unique qui embrasse plus de 12 courants artistiques. À travers un dialogue captivant entre les œuvres, l’exposition retrace l’histoire de la peinture de l’Impressionnisme à nos jours.

Un rassemblement unique de figures majeures de l’art au sein de l’exposition au musée Goulandris

Des artistes emblématiques de la fin du XIXᵉ et du XXᵉ siècle — parmi lesquels Bonnard, Chagall, De Kooning, Degas, Dufy, Ernst, Gauguin, Kandinsky, Lichtenstein, Magritte, Man Ray, Marquet, Matisse, Modigliani, Monet, Morisot, Munch, Picasso, Pissarro, Seurat, Signac, Toulouse-Lautrec, Vuillard et Warhol — y figurent, aux côtés d’artistes moins connus mais tout aussi essentiels et influents tels que Angrand, Anquetin, Denis, Feininger, Friesz, Hayet, Lacombe, Laugé, Pourtau, Ranson, Redon, Sérusier, Szafran, Vallotton et bien d’autres

.

Les visiteurs ont l’occasion extrêmement rare de découvrir une collection d’œuvres qui ont marqué les moments les plus décisifs de l’art au cours des 130 dernières années, de l’Impressionnisme au Pop Art, en passant par le Post-impressionnisme, le Fauvisme, l’Expressionnisme, le Cubisme, l’Abstraction et le Surréalisme.

Une famille d’authentiques passionnés et de « vrais » collectionneurs

L’exposition est rendue possible grâce au prêt généreux d’une collection privée suisse, fruit d’une passion inlassable pour la peinture moderne transmise sur trois générations de collectionneurs.

Extrait du catalogue de l’exposition:  » Derrière une collection, il peut y avoir plusieurs collectionneurs. c’est le cas ici. Le virus de l’art a été transmis de père en fils, puis en petit-fils. Très vite, la quête d’une nouvelle cible est devenue une affaire de famille »

Le 3 décembre, lors d’un entretien entre Marie Koutsomallis-Moreau, responsable de la Collection du musée Goulandris et Giovanna Bertazzoni, Présidente de Christie’s Europe , cette dernière explique connaître personnellement les trois générations de cette famille de collectionneurs.

Elle explique : « Je suis présente sur le marché depuis 28 ans, et je constate que la manière dont les collectionneurs choisissent, interagissent avec nous et deviennent réellement des figures importantes du marché de l’art , a énormément changé. Beaucoup de collectionneurs ont aujourd’hui des conseillers. Et beaucoup de collectionneurs achètent désormais ,pas seulement parce qu’ils aiment l’œuvre : ils achètent aussi parce que c’est un statut social, un investissement, quelque chose d’important à faire, comme il est important d’avoir un jet privé, une certaine maison, ou d’aller dans un certain endroit en vacances. Je généralise, et ce n’est heureusement pas toujours vrai, car il existe encore de vrais collectionneurs. Mais le marché est devenu très orienté vers la finance, avec de nombreux outils financiers, comme les garanties et des modes d’acquisition encore plus complexes. Les collectionneurs qui ont prêté cette merveilleuse collection, étaient tout l’inverse. Ils étaient vraiment à l’ancienne, et quelque chose en eux résonnait très fortement avec nous. Ils avaient une ligne directrice. Ils avaient des domaines dans lesquels ils collectionnaient. Ils allaient en profondeur dans ces domaines. Ils apprenaient. Ils lisaient. Ils se laissaient guider par la passion, toujours, et sans aucune retenue. Ils ne disaient pas : « J’ ai trop de cela. Maintenant, je dois arrêter parce que je dois acheter autre chose. » Non. Si j’aime quelque chose, j’y vais. Et le père a toujours essayé de transmettre son sens, sa vision, à la génération suivante, et il y est parvenu, car c’est en réalité le fils qui apporte généreusement toutes ces œuvres magnifiques à Athènes et parvient à développer une amitié avec les personnes autour de lui qui est absolument unique. Et je veux vraiment saluer cette amitié entre le collectionneur et Marie, parce qu’elle est très singulière. Le fait que Marie — cela ressemble un peu à une sorte d’admiration mutuelle, mais laissez-moi le dire — le fait que Marie évolue avec autant de confiance, de grâce et d’élégance à Paris, est bénéfique pour Athènes . Car c’est cela qui vous permet ensuite d’avoir ce lien très fort de véritable collection, qui permet aux œuvres d’arriver ici.

Ainsi, dans ce que vous découvrirez lorsque vous verrez l’exposition, c’est une véritable collection. Un véritable travail de poésie visuelle. Où tout a été choisi parce c’était aimé, étudié, poursuivi. Et c’est quelque chose que l’on voit très rarement aujourd’hui. C’est donc un moment très, très particulier. »

Cette collection allie de façon exemplaire la vision personnelle et le raffinement esthétique du collectionneur, combinées à la cohérence et à l’exhaustivité qui caractérisent les collections privées les plus importantes du monde.

En dialoguant de manière informelle avec la Collection permanente de la Fondation B&E Goulandris, l’exposition met en lumière l’importance du regard et de l’instinct propres à chaque collectionneur, ainsi que le désir de raconter l’histoire de l’art à travers des choix personnels.

Les œuvres de cette collection ont été présentées au fil des ans dans de grandes expositions et institutions internationales telles que le Metropolitan Museum of Art et le MoMA à New York, la Royal Academy of Art et la Tate Modern à Londres, le Musée d’Orsay, le Grand Palais et le Musée de l’Orangerie à Paris, la Peggy Guggenheim Collection à Venise, ou encore la Fondation Beyeler à Bâle, recevant l’appréciation du public et de la critique. Cependant, ce n’est que la deuxième fois — et la première en Grèce — qu’une sélection aussi vaste et représentative de cette collection est présentée au public.

L’exposition est organisée par Marie Koutsomallis-Moreau, responsable de la Collection à la Fondation B&E Goulandris, et Marina Ferretti Bocquillon, directrice scientifique émérite du Musée des impressionnismes de Giverny.

Un catalogue trilingue (grec, anglais et français) accompagne l’exposition, comprenant des notices détaillées et une documentation scientifique pour chaque œuvre.

Photo credits © Chris Doulgeris

Podcasts B&E Goulandris

La série de podcasts de la Fondation Basil & Elise Goulandris, « B&E Goulandris Podcasts : Une immersion sonore dans le monde enchanté de l’art », inaugurée par une série de cinq épisodes consacrés à l’exposition anniversaire Takis 1∞, se poursuit avec un épisode spécial dédié à l’exposition actuelle De Monet à Warhol : Trois générations, une collection, un voyage à travers l’évolution de l’art moderne.
Ce deuxième chapitre comprend cinq épisodes couvrant plus de 130 ans de création artistique. Les deux commissaires y guident les auditeurs à travers l’exposition et les mouvements artistiques présentés, tandis que les artistes George Rorris, Andreas Kontellis, Leda Kontogiannopoulou, Andreas Georgiadis et Manolis Anastasakos partagent leurs réflexions personnelles sur les artistes qui les ont influencés et inspirés.

Les podcasts sont disponibles à partir du 6 décembre sur toutes les plateformes (Spotify, Apple Podcasts, YouTube Music, etc.), sur goulandris.gr et sur place, dans l’exposition, via des QR codes.

Commissaires :
Marie Koutsomallis-Moreau, responsable de la Collection à la Fondation B&E Goulandris
Marina Ferretti Bocquillon, directrice scientifique émérite du Musée des impressionnismes de Giverny

Scénographie de l’exposition :
Paraskevi Gerolymatou, Andreas Georgiadis

Dates de l’exposition : 6 décembre 2025 – 11 avril 2026

Horaires d’ouverture :
Lundi, mercredi, jeudi, samedi et dimanche : 10h00 – 18h00
Vendredi : 10h00 – 20h00
Fermé le mardi

Fondation Basil & Elise Goulandris
13 Eratosthenous, Athènes 11635
T : +30 210 725 2895
visit@goulandris.gr | goulandris.gr

Les autres activités de la Fondation Basil & Elise Goulandris

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Installée en Grèce Christina Anid bâtit une œuvre où l’amour, les objets trouvés et les souvenirs enfouis deviennent matière à métamorphose. Dans son atelier, les restes du passé renaissent en sculptures, collages et installations. Son travail explore la fragilité humaine autant qu’il célèbre la puissance de la reconstruction. À travers ses créations, l’artiste tisse un récit profond : celui d’une identité recomposée, d’une mémoire sauvée et d’un monde intérieur qui se répare en se donnant forme.

Un parcours en archipel : du Liban à la Grèce, en passant par Paris et Madrid.

Christina est née au Liban, mais elle a deux ans quand sa famille fuit la guerre pour s’installer à Paris. Journaliste pigiste, elle écrit sur l’environnement, le théâtre, les voyages, tout en commençant une collection de bijoux à Beyrouth. « Je préparais ma première expo là-bas. Je vivais entre Paris et Beyrouth, et puis un jour j’ai déménagé pour une maison au Pirée, immense, pour le prix de mon studio parisien.” 

La Grèce devient bien plus qu’une étape : « C’est l’équilibre parfait entre l’Orient et l’Europe. Et surtout, c’est un espace où je respire. » À Paris, dans son 20 m² de Montmartre, elle créait « des petits trucs ». « En Grèce j’ai trouvé de l’espace. J’ai commencé à faire ces grandes silhouettes de femmes. »

« Chercheuse de trésors » : chiner dans les brocantes et dans les mémoires

Christina a toujours « réuni ». D’abord avec la photo : « Pour mon travail de journaliste j’ai voyagé dans une quarantaine de pays, et partout, je photographiais les mêmes choses : des ciels, des oiseaux, des racines, des mains, de la rouille. » Elle assemble ces images par couleurs, par thèmes. « Les oiseaux, c’est l’envol, la liberté. Les mains, c’est l’humanité : on les tend, on les donne, on les prend. »

Puis viennent les objets. « Je pars souvent du matériau. Les objets viennent à moi. » Elle hérite de meubles, de téléphones, de figurines kitsch de sa grand-mère. « Je ne peux pas me séparer de ces objets. Mais en l’état, ils ne me ressemblent pas. Alors je les transforme. »

« Ces petites figurines rouges, c’étaient celles de ma grand-mère. Elle les avait sur sa commode, à côté de son parfum N°5. Je ne peux pas m’en séparer. Mais en rose et blanc, ce n’était pas moi. Alors je les ai peintes en rouge. »

Un guéridon en bois foncé devient pop et coloré ; un échiquier en malachite se marie à une table peinte en vert. « C’est une façon de les faire miens, de les garder sans qu’ils m’envahissent. »

Christina aime les  bibelots, les amulettes, ces petits objets porte-bonheur, ces « porte-mémoires ». « Quand je tombe sur un objet qui me touche, parce qu’il est beau, parce qu’il brille, parce qu’il a une âme, parce qu’il fait un joli bruit, je veux qu’il continue d’exister. »

« Je chine partout. Dans les brocantes, mais aussi dans les souvenirs des gens. »

Des ex-votos ailés s’envolent dans un langage universel

Et puis, il y a les ex-votos. « Sur les brocantes, je tombais sur ces plaques avec des noms au dos. Ça me semblait totalement incongru de pouvoir, moi, acheter une plaque votive, qui avait  appartenu à une autre personne. Mais ensemble, elles racontent une histoire universelle : Tout ce qu’on désire, tout ce dont on a besoin, c’est partout la même chose. L’amour, la sécurité, la santé, la paix. On veut être vu et on prie pour nos morts, on pense à nos morts.. Derrière chaque plaque, il n’y a que de l’amour. » 

Aujourd’hui, les ex-votos connaissent un grand succès. « Les gens aiment ces objets chargés de mémoire. »

La Grèce, ou l’Art de la Liberté

C’est sur une plage de Sérifos, un soir d’été, que Christina comprend que la Grèce est son ancrage. « Je me souviens encore du jour où mon père me dit, en rentrant de la plage ; Bon, va te doucher, habille-toi, on va dîner. Et je me dis, je n’ai pas envie de me doucher, je n’ai pas envie de mettre mes chaussures. J’étais en maillot, et il dit, « C’est pas grave, ne prends pas ta douche, ne mets pas tes chaussures, mets ton pareo et on va dîner. » Je me suis dit, c’est ici. C’est pour moi, c’est ici. »

La Grèce a tout changé.  Ici, Christina a trouvé la lumière, l’espace, et surtout cette liberté qu’elle ne trouvait plus à Paris . « Là-bas, tout est normé. Ici, tu peux encore vivre comme tu veux, Aujourd’hui encore, il reste des espaces de liberté. Je conduis mon quad cheveux au vent, tu peux mettre une table dans la rue pour déjeuner, et personne ne t’en empêchera. Tant que ça ne fait de mal à personne…» Ce chaos organisé, ce « bordel humaniste », c’est ce qui l’a attirée. Elle qui a grandi entre Paris, Beyrouth et Madrid, ballottée par les histoires de déracinement de sa famille.

Ces espaces de liberté elle les défend à travers son art où chaque objet, chaque collage, chaque ex-voto est une déclaration d’amour à la vie . « Les ex-votos, c’est aussi grâce à la Grèce,  je les ai trouvés en Grèce. La Grèce m’a donné beaucoup et elle a définitivement changé ma trajectoire en tant qu’artiste. »

 Elle expose dans les îles — Patmos, Serifos… et collabore avec des galeries et notamment la galerie Taxidi à Tinos mais n’est pas officiellement représentée à Athènes ou à Paris.
« Après des années de travail solitaire, le temps est peut être venu de trouver un compagnon de route, quelqu’un qui m’accompagne créativement comme Fadi Mogabgab, le premier galeriste qui m’a exposée à Beyrouth. Il a été un véritable pygmalion comme il en existait autrefois pour les artistes. »

Pourtant, tout va bien pour elle « Depuis l’exposition rétrospective à l’Ambassade de France en 2022, les gens viennent me voir. » Elle aime les commandes personnalisées : « Plonger dans l’univers des autres  me sort de moi-même, de ma solitude d’artiste « 

La rencontre qui marque un parcours : Claire Berest

Christina se souvient de cette jeune femme sur une plage, il y a cinq ans, qui lui dit : « Vous me faites penser à Frida Kahlo ». Et lui offre le livre que Claire Berest a écrit sur l’histoire de Frida Kahlo et Diego Riviera. C’est un véritable coup de foudre pour la romancière française, figure majeure de la littérature contemporaine.

En 2022, lors de sa grande rétrospective à la Résidence de France en Grèce, Claire Berest découvre, à son tour, l’œuvre de Christina et lui consacre, pour le catalogue de l’exposition, un texte, viscéral et puissant.

Mémoire et Exil : des thèmes intemporels

L’art de Christina Anid est traversé par l’exil et la quête de racines, des thèmes qui résonnent avec son histoire personnelle et avec notre époque.

« Mon grand-père hongrois a fui son pays à 12 ans. Ma grand-mère grecque n’a jamais vécu en Grèce. Elle vivait au Caire et ma mère a grandi au Caire. Mon père est libanais, nous avons fui la guerre au Liban. »

« Aujourd’hui, des millions de gens vivent cette expérience du déracinement. Mon travail parle de cela : comment se reconstruire, comment garder des traces »

Ses silhouettes de femmes, ses ex-votos, ses collages sont des « cartes de mémoire ». Les ex-votos, ce sont les mêmes vœux, partout dans le monde. En les assemblant, elle symbolise tout ce qui nous unit malgré l’exil.

« Les gens me confient leurs livres, leurs souvenirs, et je crée une table ou un collage avec ces objets. Comme une journaliste je recueille leurs histoires, et je les transforme en art. »

L’art comme acte de survie

« Mon désir profond, c’est de retenir le temps qui passe, de rassembler les souvenirs, comme une tentative désespérée de ne pas disparaître, de ne pas voir ma famille disparaître, mes souvenirs disparaître, le passé disparaître » Dans son atelier, des milliers d’images l’entourent. « Pour qu’elles ne disparaissent pas. Pour qu’elles restent là, autour de moi, parce qu’elles me font du bien, parce qu’elles me semblent belles ou confortables ou inspirantes.»

Christina travaille sur un nouveau projet, un nouveau matériau , « La Robe du Temps ». Un thème qui lui est cher .Christina tient dans ses mains un lot de pièces de montres anciennes, trouvées sur une brocante il y a des années.

« Chaque pièce est une trace du passé, un fragment de vie. Je veux les rassembler pour dire : Regardez, tout cela existe encore.  Je veux que les objets blessés deviennent des éclats de mémoire. »

Comme avec « La robe du temps », Christina transforme les fragments du passé en une œuvre vivante. »: c’est une métaphore de son art tout entier. Un acte de survie, d’amour et de liberté.

@christinaanid

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Un parcours personnel et artistique évoqué durant la Master class de Julien Gosselin à Athènes

Convaincu qu’il ne serait jamais un bon acteur, Julien Gosselin a imaginé devenir metteur en scène, sans se souvenir du moment précis où cette idée lui est venue. Il se souvient seulement d’un professeur d’allemand qui lui avait dit, presque par boutade : « Apprends l’allemand, tu pourras peut-être devenir metteur en scène en Allemagne un jour. » Malgré sa formation en école de théâtre, il n’a rien mis en scène pendant ses études. C’est après, dans un contexte français marqué par l’émergence de collectifs artistiques (il y a une quinzaine d’années), qu’il a commencé à créer.

Julien Gosselin décrit alors le paysage théâtral français de l’époque : une génération de metteurs en scène emblématiques (comme Patrice Chéreau ou Ariane Mnouchkine) avait marqué l’histoire, suivie d’une autre, plus pédagogique et civique, qui cherchait à expliquer, à créer du lien social – une approche qu’il rejette catégoriquement. Pour lui, le théâtre n’est pas un outil d’éducation ou de médiation, mais un espace de création radicale. À ses débuts, les grandes institutions théâtrales françaises ne s’intéressaient pas aux jeunes artistes : les metteurs en scène en poste avaient souvent 60 ou 70 ans. C’est dans ce contexte qu’il a fondé sa propre compagnie, « Si vous pouviez lécher mon cœur », avec six comédiens rencontrés en école. Le nom de la compagnie vient d’une réplique du film Shoah de Claude Lanzmann, où un ancien nazi déclare à Lanzmann : « Si vous pouviez lécher mon cœur, vous mourriez empoisonné. » Cette phrase, souvent citée par un de leurs professeurs, est devenue une plaisanterie entre eux, puis un symbole de leur rejet du théâtre institutionnel.

Une pratique théâtrale ancrée dans la littérature et l’expérimentation

Julien Gosselin insiste sur son rapport viscéral à la littérature. Il n’a jamais créé de spectacles à partir de rien ou de ses propres textes, car il se considère avant tout comme un lecteur, pas comme un écrivain. Ses premières mises en scène (comme Les Particules élémentaires de Houellebecq ou 2666 de Bolaño) sont nées de sa volonté de faire vivre sur scène des œuvres qui l’ont marqué. Le Passé, la pièce présentée à Athènes, est une exception dans son parcours : c’est la première fois qu’il travaille sur un texte classique, celui de Leonid Andreïev, un auteur russe méconnu, à la croisée du naturalisme et du symbolisme. Ce spectacle explore des questions de violence, d’histoire et de fiction théâtrale, en mêlant scènes naturalistes et éléments symboliques, comme une réflexion sur la disparition – des personnages, du théâtre lui-même, et peut-être de l’humanité.

Pour Julien Gosselin, le théâtre doit être un lieu de confrontation avec des textes plus forts que ce qu’il pourrait écrire. Il cite Marguerite Duras, Thomas Bernhard ou Don DeLillo comme des auteurs dont les voix le « dévastent » et l’inspirent. Ses spectacles, souvent très longs (jusqu’à 12 heures pour 2666), sont conçus comme des expériences immersives, où le temps scénique se superpose au temps de la vie. Il assume cette longueur comme une façon de sortir de la « dictature de la fiction » : selon lui, nous sommes déjà saturés de récits (Netflix, podcasts, discours politiques), et le théâtre ne doit pas simplement ajouter des histoires, mais proposer autre chose – une expérience sensorielle, mystique, voire une forme de résistance.

Un rejet du théâtre patrimonial et une quête de radicalité

Julien Gosselin exprime un mépris assumé pour le théâtre traditionnel, qu’il compare à des danses folkloriques en costume d’époque. Pour lui, aller voir une tragédie grecque ou un Shakespeare « contemporain » relève souvent d’une nostalgie mensongère : le public ne cherche pas à y trouver des réponses à ses questions actuelles, mais à observer une distance, un fantôme du passé. Il préfère travailler sur des auteurs marginaux, comme Andreïev, dont l’œuvre imparfaite et étrange lui permet d’explorer des territoires entre réalisme et symbolisme, entre vie et mort. Il évoque aussi le mouvement russe du « cosmisme », qui prônait la résurrection des morts et la colonisation de l’espace, comme une métaphore de ce que le théâtre peut être : un art déjà mort, mais capable de faire revenir des présences absentes.

En tant que directeur du théâtre de l’Odéon à Paris, Julien Gosselin défend une programmation audacieuse, loin des classiques réalistes. Il refuse d’adapter ses spectacles aux attentes du public, assumant que ses créations ne plaisent pas à tout le monde – et surtout pas aux habitués du théâtre traditionnel. Pour lui, le théâtre public, financé par l’État, a le devoir de prendre des risques, de « toucher aux limites » plutôt que de reproduire des formules éprouvées. Il souligne que la France est l’un des derniers pays où subsiste à la fois un financement public et une certaine indépendance artistique, contrairement à l’Allemagne, où les jeunes metteurs en scène sont rapidement intégrés dans des institutions qui les poussent à monter des classiques.

Un spectacle jamais fini et une relation douloureuse à la création

Julien Gosselin admet que ses spectacles ne sont jamais vraiment terminés. Même après des dizaines de représentations, il continue à les retravailler, à les ajuster. Il avoue aussi une grande difficulté à regarder ses propres créations, comme s’il devait supporter la honte de voir son travail exposé. Pourtant, il défend cette exigence comme une nécessité : le théâtre, pour lui, est une construction permanente, une lutte.

Il conclut en expliquant que ses spectacles longs attirent souvent un public jeune, plus ouvert à l’expérimentation. Il assume de ne pas chercher à plaire, mais à créer des expériences uniques, même si cela signifie un public moins nombreux. Pour lui, l’enjeu n’est pas la quantité, mais la qualité de la confrontation avec l’art.

En résumé : Julien Gosselin propose un théâtre radical, ancré dans la littérature, en lutte contre les conventions et en quête d’une expérience scénique qui dépasse la simple narration. Son travail, entre violence et poésie, interroge la place du théâtre dans un monde saturé d’images et de récits, et défend l’idée que l’art doit rester un espace de résistance et de mystère.

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Du 16 au 19 octobre 2025

Julien Gosselin à Athènes

Julien Gosselin s’est formé à l’École supérieure d’art dramatique de Lille, dirigée par Stuart Seide. Avec six camarades, il forme Si vous pouviez lécher mon cœur en 2009, et met en scène Gênes 01 de Fausto Paravidino (Théâtre du Nord, 2010), Tristesse animal noir d’Anja Hilling (Théâtre de Vanves, 2010) puis Les Particules élémentaires d’après Michel Houellebecq (Festival d’Avignon, 2013). Viennent ensuite Je ne vous ai jamais aimés de Pascal Bouaziz (Théâtre national de Bruxelles, 2014), Le Père de Stéphanie Chaillou (Théâtre national de Toulouse, 2015) et 2666, adapté du roman-fleuve de Roberto Bolaño (Festival d’Avignon, 2016). Après 1993, d’Aurélien Bellanger (Festival de Marseille, avec la promotion 43 du Théâtre national de Strasbourg), il revient à Avignon pour Joueurs, Mao II, Les Noms, d’après Don DeLillo, qui lui inspire aussi Vallende Man (L’Homme qui tombe), créé à l’International Theater Amsterdam (Pays-Bas), puis Le Marteau et la Faucille (Printemps des Comédiens – Montpellier). En 2018, il est lauréat du XV^emeprix Europe pour le théâtre, à Saint-Pétersbourg. En 2021, Julien Gosselin monte avec le groupe 45 du Théâtre national de Strasbourg une adaptation du Dékalogde Krzysztof Kieslowski, et met en scène Le Passé, à partir de textes de l’auteur russe Léonid Andréïev. En 2023 il crée Extinction, d’après Thomas Bernhard et Arthur Schnitzler, qui associe acteurs de Si vous pouviez lécher mon cœur et de la Volksbuehne et qui est créé au Printemps des Comédiens de Montpellier, avant le Festival d’Avignon, Berlin, Anvers, Paris (Théâtre de la Ville). Il crée Musée Durasavec des élèves de la promotion 2025 du CNSAD.

Il est le directeur de l’Odéon Théâtre de l’Europe depuis le 15 juillet 2024.

Julien Gosselin : Le Passé, un théâtre au bord de la disparition

Après la remarquable présence d’Isabelle Huppert et Romeo Castellucci, Julien Gosselin à Athènes s’apprête à son tour à présenter à l’Onassis Stegi son spectacle Le Passé, une fresque théâtrale monumentale inspirée des textes de Léonid Andréïev. Connu pour ses adaptations de grands romans contemporains comme 2666 de Roberto Bolaño ou Les Particules élémentaires de Michel Houellebecq, Gosselin opère ici un tournant décisif : revenir vers des écritures plus anciennes, mais pour mieux en interroger la mort.

« Je voulais un spectacle qui montre à la fois la fin du monde et la fin d’un certain théâtre », confie-t-il lors d’un entretien avec William Ravon, le 16 juin 2025. Séduit par l’univers sombre et symboliste d’Andréïev, à la croisée de Tchekhov et des avant-gardes du XXe siècle, Gosselin a trouvé là la matière idéale pour questionner ce que nous faisons du répertoire aujourd’hui. Non pas l’actualiser, insiste-t-il, mais au contraire en souligner l’inactualité, en révéler la part fantomatique.

Sur scène, cette démarche se traduit par une esthétique qui mêle la tradition – costumes anciens, décors peints – et la modernité des dispositifs sonores et visuels. L’autotune, par exemple, devient un instrument de distanciation et d’étrangeté, transformant le cri tragique en pure lamentation, presque antique. La vidéo et le texte projeté, signatures de son théâtre, ouvrent des espaces où les mots eux-mêmes deviennent matière, presque sacrée.

Si l’on demande à Julien Gosselin de résumer son style, il préfère parler d’adversité. « Tout geste artistique a besoin d’un ennemi esthétique », dit-il. Pour Le Passé, cet ennemi, c’est le théâtre patrimonial, celui qui célèbre le répertoire sans le questionner. Mais dans ce refus, pas de nostalgie. « Je n’ai aucun message à délivrer », assure-t-il. Ce qui l’anime, c’est une quête de vérité sensible, un théâtre qui produit des émotions d’une intensité rare, impossibles à expliquer mais profondément humaines.

Avec Le Passé, Julien Gosselin poursuit donc son exploration d’un théâtre total, où littérature, musique, vidéo et jeu des acteurs se conjuguent pour créer une expérience à la fois sensorielle et intellectuelle. Pour le public athénien, sa venue représente une occasion unique de rencontrer l’un des créateurs les plus audacieux de sa génération, dont l’art refuse la nostalgie pour mieux faire sentir la fragilité et la disparition du théâtre lui-même.

Jeudi 16, Vendredi 17, Samedi 18 : 19h

Dimanche 19 octobre : 14h

Plus d’infos et tickets

Julien Gosselin à Athènes donnera une masterclass le samedi 18 octobre

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Cette discussion ouverte se tiendra de 11h à 13h à l’Auditorium Theo Angelopoulos de l’Institut Français de Grèce. L’entrée est libre, et une traduction simultanée sera assurée. Aux côtés de la journaliste et critique de théâtre Myrto Loverdou, Mnouchkine abordera les enjeux du théâtre contemporain, ses méthodes de création, et son regard sur le monde.

Ce rendez-vous s’inscrit dans un moment fort de la saison : la présentation à Piraeus 260 de la pièce « Ici sont les dragons / Hic sunt Dracones », une œuvre collective créée à l’occasion des 60 ans du Théâtre du Soleil, et qui coïncide cette année avec les 70 ans du festival. La pièce sera jouée les 30, 31 mai, puis les 1er, 3, 4 et 5 juin à 20h.

Ariane Mnouchkine est bien plus qu’une metteuse en scène. Elle est une pionnière d’un théâtre collectif, égalitaire, où les rôles se choisissent et se construisent en collaboration, où la scène devient un espace de recherche humaine et politique. Son travail est influencé par les traditions orientales, de l’Inde au Japon, et par des décennies d’engagements sociaux et esthétiques. À travers le Théâtre du Soleil, elle a ouvert un chemin rare de cohérence, de rigueur et de liberté.

Le Théâtre du Soleil est venu à plusieurs reprises à Athènes, avec des œuvres marquantes telles que Le Dernier Caravanserail (2006), Les Éphémères (2007), Les Naufragés de la Folle Espérance (2011), et Kanata (2019), mis en scène par Robert Lepage, une première dans l’histoire du collectif.

Cette rencontre avec Ariane Mnouchkine est donc un moment à ne pas manquer, pour toute personne intéressée par le théâtre, la création collective et le dialogue culturel franco-grec.

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