Mercredi 11 février 2026 à 19h00
Auditorium Theo Angelopoulos – Institut français de Grèce
31, rue Sina, Athènes
Entrée libre – Traduction simultanée

Vanessa Springora à Athènes : l’Institut français de Grèce organise une rencontre exceptionnelle avec l’autrice de Le Consentement, ouvrage majeur qui a profondément marqué le débat public en France depuis sa parution en 2020. Pour la première fois dans la capitale grecque, Vanessa Springora à Athènes viendra échanger avec le public autour de son œuvre, de son parcours et des questions qu’elle soulève, lors d’une discussion animée par l’autrice et journaliste Mia Kollia.

Cette venue de Vanessa Springora à Athènes s’inscrit dans le contexte de l’adaptation théâtrale grecque de Le Consentement, présentée sous le titre Témoignage d’une adolescence volée au Théâtre d’Art Karolos Koun, dans une traduction de Venia Stamatiadi et une mise en scène d’Eirini Lamprinopoulou. La rencontre fait également partie du nouveau cycle annuel « Rendez-vous rue Sina » de l’Institut français de Grèce, consacré aux grands enjeux culturels et sociétaux contemporains.

À l’occasion de Vanessa Springora à Athènes, l’autrice assistera aussi à la première officielle du spectacle, le mardi 10 février, et participera à un échange ouvert avec le public à l’issue de la représentation.

À propos de l’adaptation théâtrale du texte de Vanessa Springora à Athènes

Présentée sur une scène grecque pour la première fois depuis le 19 janvier, l’adaptation théâtrale du texte de Vanessa Springora explore une histoire qui a profondément interrogé les rapports de pouvoir, de domination et de consentement. La pièce met en lumière une affaire ayant marqué durablement la vie intellectuelle française et ravivé, bien au-delà des frontières, un débat essentiel sur les limites du consentement.

Sur scène, Venia Stamatiadi, Marilena Bartalucci et Kleon Grigoriadis, accompagnés par la musique live d’Andy Val, incarnent les voix et les tensions qui traversent ce récit, restituant toute la complexité humaine et sociale de cette histoire.

Infos pratiques – Spectacle de théâtre

Jours & horaires : dimanche, lundi, mardi à 21h00
Lieu : Sous-sol du Théâtre d’Art Karolos Koun
5, rue Pesmazoglou, Athènes
Prévente : https://www.more.com/gr-el/tickets/theater/martyria-mias-klemmenis-efibeias

À propos du livre

Paris, au milieu des années 1980. À quatorze ans, Vanessa Springora croise la route de Gabriel Matzneff, écrivain reconnu, alors parfaitement intégré aux cercles littéraires français. La relation qui s’installe dans ce contexte — où une certaine idée de la « liberté » érige l’absence de frontières en vertu — prend rapidement la forme d’un rapport profondément déséquilibré, mêlant autorité symbolique et fragilité adolescente. Peu à peu, la jeune fille cesse d’être perçue comme un sujet à part entière pour devenir une « muse », enfermée dans un rôle présenté comme librement accepté, une construction narrative qu’elle fera voler en éclats bien plus tard en la confrontant publiquement.

Paru en 2020, Le Consentement constitue un véritable choc. L’ouvrage rencontre un succès mondial, connaît des adaptations pour la scène et l’écran et provoque, surtout, une prise de conscience institutionnelle aboutissant à une évolution de la législation française sur l’âge du consentement. L’adaptation théâtrale proposée au Théâtre d’Art explore les ressorts de la séduction, le poids du prestige culturel et la complaisance collective, tout en posant une interrogation essentielle : l’art peut-il tout justifier ?

RENDEZ-VOUS RUE SINA de l’Institut français de Grèce

À partir de 2026, l’Institut français de Grèce lance les « Rendez-vous rue Sina », une programmation annuelle transversale dédiée à la création, au savoir et au dialogue autour des grands enjeux européens contemporains.

Cinq thématiques structurent ce cycle :
– Spectacle vivant et musique
– Idées, savoirs, livre et innovation
– Cinéma, audiovisuel et création numérique
– Arts visuels, métiers d’art et design
– Éducation et études

Ces rendez-vous prennent la forme de rencontres, conférences, concerts, projections, ateliers et expositions, dans un esprit ouvert et convivial.

Archives sur les actions culturelles françaises à Athènes

*Les académiciens privilégient le terme « autrice », estimant que cette forme féminisée répond mieux aux règles de la grammaire. Elle s’inscrit dans la même logique que des appellations telles que « réalisatrice », « actrice » ou « créatrice ».

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Piraeus 260, Espace Η
14-29 décembre 2025

Dans le cadre d’un nouveau cycle d’actions du Festival d’Athènes et d’Épidaure intitulé Automne – RÉSONANCES, qui met en lumière la reprise/présentation de certaines de ses productions dont le potentiel n’a pas encore été pleinement exploité, le site de Piraeus 260 accueille de nouveau Mario Banushi.

Le spectacle Taverna Miresia – Mario, Bella, Anastasia revient du 14 au 29 décembre 2025 et nous invite à une confrontation avec la mémoire, la perte et l’entrée dans l’âge adulte. Piraeus 260, qui demeure un lieu de rencontre et de création même après les mois d’été du Festival, reçoit à nouveau cette œuvre très largement présentée à l’étranger et plébiscitée par le public et la critique à travers le monde.

Tout commence par un événement imprévu survenu sous l’enseigne d’une taverne familiale dans une banlieue de Tirana. Cet événement marque à jamais la vie du jeune fils de la famille. Des années plus tard, devenu adulte et metteur en scène, Banushi transporte cette enseigne d’Albanie sur une scène de théâtre, la plaçant au cœur de l’univers qu’il bâtit. Que reste-t-il encore à éclairer sous cette enseigne ?

Les souvenirs personnels deviennent la matière de la dramaturgie et se transfornent en un rituel de catharsis. La taverne renaît comme un lieu où le passé rencontre le présent : là où son père, récemment décédé, cuisinier et propriétaire de la taverne, accueillait chaque soir les clients ; et là où, maintenant, autour d’une table familiale aux chaises vides, se font entendre toutes les paroles qui n’ont jamais été dites. Mario fait ses adieux à son père et entame le long voyage vers l’âge adulte.

« Taverna Miresia » signifie « Taverne de la Bienveillance » en albanais, tandis que les noms Mario, Bella, Anastasia correspondent au créateur et à ses deux sœurs – soulignant le caractère profondément personnel de l’œuvre.
Avec ce spectacle, Banushi clôt la trilogie commencée avec Ragada et poursuivie avec Goodbye, Lindita : une trilogie où chaque partie s’inspire tour à tour de sa mère, de sa belle-mère et, finalement, de son père.

L’œuvre est présentée pour la troisième fois en Grèce et a déjà été accueillie en Italie, Suisse, Roumanie, Allemagne, Belgique, Canada, Royaume-Uni et Taïwan. Le spectacle est une coproduction de TooFarEast et du Festival d’Athènes et d’Épidaure.

Le parcours du spectacle

Taverna Miresia – Mario, Bella, Anastasia a été présenté pour la première fois au Festival d’Athènes et d’Épidaure en 2023 (Théâtre National, Scène Eleni Papadaki), dans le cadre de grape – Greek Agora of Performance, la plateforme du Festival dédiée à la promotion de la création grecque à l’étranger.

Il a été présenté de nouveau en 2024 à Piraeus 260 et a parallèlement tourné sur les scènes suivantes à l’international :

• Teszt Festival, Timișoara, Roumanie – Mai 2024
• Zürcher Theater Spektakel, Zurich, Suisse – Août 2024
• Teatro Stabile, Turin, Italie – Novembre-Décembre 2024
• Thalia Theater, Hambourg, Allemagne – Janvier 2025
• DeSingel, Anvers, Belgique – Mai 2025
• FTA – Festival TransAmériques, Montréal, Canada – Mai 2025
• The Coronet Theatre, Londres, Royaume-Uni – Juin 2025
• National Theatre and Concert Hall, Taipei, Taïwan – Novembre 2025

La prochaine étape sera mars 2026, à la Comédie de Genève, Genève, Suisse.

Le jeudi 18 décembre, après la représentation, le public aura l’occasion de rencontrer le metteur en scène et l’équipe artistique. Seront présents sur scène : Mario Banushi, Chryssi Vidalaki, Savina Yannatou, Eftychia Stefanou, Pinelopi Tsoutsouva, Sotiris Melanos et Jeph Vanger.

Équipe artistique

Conception – Mise en scène : Mario Banushi
Décors – Costumes : Sotiris Melanos
Création lumière : Eliza Alexandropoulou
Composition musicale : Jeph Vanger
Improvisations vocales : Savina Yannatou
Dramaturge associée : Aspasia-Maria Alexiou
Assistante mise en scène : Sofia Antoniou
Assistante costumière : Vasiana Skopetea
Conception lumière en tournée – Adaptation lumière : Marietta Pavlaki
Régie son : Kostas Haïdos (2023)
Direction technique : Giorgos Antonopoulos
Photographies : Nasia Stouraiti, Theofilos Tsimas

Interprètes :
Chryssi Vidalaki, Savina Yannatou, Pinelopi Tsoutsouva (2025), Katerina Christo (2023-2025), Eftychia Stefanou, Mario Banushi

Organisation de la tournée : TooFarEast / Nikos Mavrakis
Direction de production : TooFarEast / Aristidis Kreatsoulas

En collaboration avec Théâtre dans la Salle
Coproduction : TooFarEast & Festival d’Athènes et d’Épidaure

INFO

Piraeus 260, Espace Η
Représentations : 14, 16, 17, 18, 19, 20, 21, 23, 25, 26, 27, 28, 29 décembre 2025
Horaire : 21h00 (dimanches à 20h00)
Durée : 70 minutes

Billetterie : www.more.com/gr-el/tickets/theater/festival/taverna-miresia-tou-mario-banushi/

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Un parcours personnel et artistique évoqué durant la Master class de Julien Gosselin à Athènes

Convaincu qu’il ne serait jamais un bon acteur, Julien Gosselin a imaginé devenir metteur en scène, sans se souvenir du moment précis où cette idée lui est venue. Il se souvient seulement d’un professeur d’allemand qui lui avait dit, presque par boutade : « Apprends l’allemand, tu pourras peut-être devenir metteur en scène en Allemagne un jour. » Malgré sa formation en école de théâtre, il n’a rien mis en scène pendant ses études. C’est après, dans un contexte français marqué par l’émergence de collectifs artistiques (il y a une quinzaine d’années), qu’il a commencé à créer.

Julien Gosselin décrit alors le paysage théâtral français de l’époque : une génération de metteurs en scène emblématiques (comme Patrice Chéreau ou Ariane Mnouchkine) avait marqué l’histoire, suivie d’une autre, plus pédagogique et civique, qui cherchait à expliquer, à créer du lien social – une approche qu’il rejette catégoriquement. Pour lui, le théâtre n’est pas un outil d’éducation ou de médiation, mais un espace de création radicale. À ses débuts, les grandes institutions théâtrales françaises ne s’intéressaient pas aux jeunes artistes : les metteurs en scène en poste avaient souvent 60 ou 70 ans. C’est dans ce contexte qu’il a fondé sa propre compagnie, « Si vous pouviez lécher mon cœur », avec six comédiens rencontrés en école. Le nom de la compagnie vient d’une réplique du film Shoah de Claude Lanzmann, où un ancien nazi déclare à Lanzmann : « Si vous pouviez lécher mon cœur, vous mourriez empoisonné. » Cette phrase, souvent citée par un de leurs professeurs, est devenue une plaisanterie entre eux, puis un symbole de leur rejet du théâtre institutionnel.

Une pratique théâtrale ancrée dans la littérature et l’expérimentation

Julien Gosselin insiste sur son rapport viscéral à la littérature. Il n’a jamais créé de spectacles à partir de rien ou de ses propres textes, car il se considère avant tout comme un lecteur, pas comme un écrivain. Ses premières mises en scène (comme Les Particules élémentaires de Houellebecq ou 2666 de Bolaño) sont nées de sa volonté de faire vivre sur scène des œuvres qui l’ont marqué. Le Passé, la pièce présentée à Athènes, est une exception dans son parcours : c’est la première fois qu’il travaille sur un texte classique, celui de Leonid Andreïev, un auteur russe méconnu, à la croisée du naturalisme et du symbolisme. Ce spectacle explore des questions de violence, d’histoire et de fiction théâtrale, en mêlant scènes naturalistes et éléments symboliques, comme une réflexion sur la disparition – des personnages, du théâtre lui-même, et peut-être de l’humanité.

Pour Julien Gosselin, le théâtre doit être un lieu de confrontation avec des textes plus forts que ce qu’il pourrait écrire. Il cite Marguerite Duras, Thomas Bernhard ou Don DeLillo comme des auteurs dont les voix le « dévastent » et l’inspirent. Ses spectacles, souvent très longs (jusqu’à 12 heures pour 2666), sont conçus comme des expériences immersives, où le temps scénique se superpose au temps de la vie. Il assume cette longueur comme une façon de sortir de la « dictature de la fiction » : selon lui, nous sommes déjà saturés de récits (Netflix, podcasts, discours politiques), et le théâtre ne doit pas simplement ajouter des histoires, mais proposer autre chose – une expérience sensorielle, mystique, voire une forme de résistance.

Un rejet du théâtre patrimonial et une quête de radicalité

Julien Gosselin exprime un mépris assumé pour le théâtre traditionnel, qu’il compare à des danses folkloriques en costume d’époque. Pour lui, aller voir une tragédie grecque ou un Shakespeare « contemporain » relève souvent d’une nostalgie mensongère : le public ne cherche pas à y trouver des réponses à ses questions actuelles, mais à observer une distance, un fantôme du passé. Il préfère travailler sur des auteurs marginaux, comme Andreïev, dont l’œuvre imparfaite et étrange lui permet d’explorer des territoires entre réalisme et symbolisme, entre vie et mort. Il évoque aussi le mouvement russe du « cosmisme », qui prônait la résurrection des morts et la colonisation de l’espace, comme une métaphore de ce que le théâtre peut être : un art déjà mort, mais capable de faire revenir des présences absentes.

En tant que directeur du théâtre de l’Odéon à Paris, Julien Gosselin défend une programmation audacieuse, loin des classiques réalistes. Il refuse d’adapter ses spectacles aux attentes du public, assumant que ses créations ne plaisent pas à tout le monde – et surtout pas aux habitués du théâtre traditionnel. Pour lui, le théâtre public, financé par l’État, a le devoir de prendre des risques, de « toucher aux limites » plutôt que de reproduire des formules éprouvées. Il souligne que la France est l’un des derniers pays où subsiste à la fois un financement public et une certaine indépendance artistique, contrairement à l’Allemagne, où les jeunes metteurs en scène sont rapidement intégrés dans des institutions qui les poussent à monter des classiques.

Un spectacle jamais fini et une relation douloureuse à la création

Julien Gosselin admet que ses spectacles ne sont jamais vraiment terminés. Même après des dizaines de représentations, il continue à les retravailler, à les ajuster. Il avoue aussi une grande difficulté à regarder ses propres créations, comme s’il devait supporter la honte de voir son travail exposé. Pourtant, il défend cette exigence comme une nécessité : le théâtre, pour lui, est une construction permanente, une lutte.

Il conclut en expliquant que ses spectacles longs attirent souvent un public jeune, plus ouvert à l’expérimentation. Il assume de ne pas chercher à plaire, mais à créer des expériences uniques, même si cela signifie un public moins nombreux. Pour lui, l’enjeu n’est pas la quantité, mais la qualité de la confrontation avec l’art.

En résumé : Julien Gosselin propose un théâtre radical, ancré dans la littérature, en lutte contre les conventions et en quête d’une expérience scénique qui dépasse la simple narration. Son travail, entre violence et poésie, interroge la place du théâtre dans un monde saturé d’images et de récits, et défend l’idée que l’art doit rester un espace de résistance et de mystère.

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Du 16 au 19 octobre 2025

Julien Gosselin à Athènes

Julien Gosselin s’est formé à l’École supérieure d’art dramatique de Lille, dirigée par Stuart Seide. Avec six camarades, il forme Si vous pouviez lécher mon cœur en 2009, et met en scène Gênes 01 de Fausto Paravidino (Théâtre du Nord, 2010), Tristesse animal noir d’Anja Hilling (Théâtre de Vanves, 2010) puis Les Particules élémentaires d’après Michel Houellebecq (Festival d’Avignon, 2013). Viennent ensuite Je ne vous ai jamais aimés de Pascal Bouaziz (Théâtre national de Bruxelles, 2014), Le Père de Stéphanie Chaillou (Théâtre national de Toulouse, 2015) et 2666, adapté du roman-fleuve de Roberto Bolaño (Festival d’Avignon, 2016). Après 1993, d’Aurélien Bellanger (Festival de Marseille, avec la promotion 43 du Théâtre national de Strasbourg), il revient à Avignon pour Joueurs, Mao II, Les Noms, d’après Don DeLillo, qui lui inspire aussi Vallende Man (L’Homme qui tombe), créé à l’International Theater Amsterdam (Pays-Bas), puis Le Marteau et la Faucille (Printemps des Comédiens – Montpellier). En 2018, il est lauréat du XV^emeprix Europe pour le théâtre, à Saint-Pétersbourg. En 2021, Julien Gosselin monte avec le groupe 45 du Théâtre national de Strasbourg une adaptation du Dékalogde Krzysztof Kieslowski, et met en scène Le Passé, à partir de textes de l’auteur russe Léonid Andréïev. En 2023 il crée Extinction, d’après Thomas Bernhard et Arthur Schnitzler, qui associe acteurs de Si vous pouviez lécher mon cœur et de la Volksbuehne et qui est créé au Printemps des Comédiens de Montpellier, avant le Festival d’Avignon, Berlin, Anvers, Paris (Théâtre de la Ville). Il crée Musée Durasavec des élèves de la promotion 2025 du CNSAD.

Il est le directeur de l’Odéon Théâtre de l’Europe depuis le 15 juillet 2024.

Julien Gosselin : Le Passé, un théâtre au bord de la disparition

Après la remarquable présence d’Isabelle Huppert et Romeo Castellucci, Julien Gosselin à Athènes s’apprête à son tour à présenter à l’Onassis Stegi son spectacle Le Passé, une fresque théâtrale monumentale inspirée des textes de Léonid Andréïev. Connu pour ses adaptations de grands romans contemporains comme 2666 de Roberto Bolaño ou Les Particules élémentaires de Michel Houellebecq, Gosselin opère ici un tournant décisif : revenir vers des écritures plus anciennes, mais pour mieux en interroger la mort.

« Je voulais un spectacle qui montre à la fois la fin du monde et la fin d’un certain théâtre », confie-t-il lors d’un entretien avec William Ravon, le 16 juin 2025. Séduit par l’univers sombre et symboliste d’Andréïev, à la croisée de Tchekhov et des avant-gardes du XXe siècle, Gosselin a trouvé là la matière idéale pour questionner ce que nous faisons du répertoire aujourd’hui. Non pas l’actualiser, insiste-t-il, mais au contraire en souligner l’inactualité, en révéler la part fantomatique.

Sur scène, cette démarche se traduit par une esthétique qui mêle la tradition – costumes anciens, décors peints – et la modernité des dispositifs sonores et visuels. L’autotune, par exemple, devient un instrument de distanciation et d’étrangeté, transformant le cri tragique en pure lamentation, presque antique. La vidéo et le texte projeté, signatures de son théâtre, ouvrent des espaces où les mots eux-mêmes deviennent matière, presque sacrée.

Si l’on demande à Julien Gosselin de résumer son style, il préfère parler d’adversité. « Tout geste artistique a besoin d’un ennemi esthétique », dit-il. Pour Le Passé, cet ennemi, c’est le théâtre patrimonial, celui qui célèbre le répertoire sans le questionner. Mais dans ce refus, pas de nostalgie. « Je n’ai aucun message à délivrer », assure-t-il. Ce qui l’anime, c’est une quête de vérité sensible, un théâtre qui produit des émotions d’une intensité rare, impossibles à expliquer mais profondément humaines.

Avec Le Passé, Julien Gosselin poursuit donc son exploration d’un théâtre total, où littérature, musique, vidéo et jeu des acteurs se conjuguent pour créer une expérience à la fois sensorielle et intellectuelle. Pour le public athénien, sa venue représente une occasion unique de rencontrer l’un des créateurs les plus audacieux de sa génération, dont l’art refuse la nostalgie pour mieux faire sentir la fragilité et la disparition du théâtre lui-même.

Jeudi 16, Vendredi 17, Samedi 18 : 19h

Dimanche 19 octobre : 14h

Plus d’infos et tickets

Julien Gosselin à Athènes donnera une masterclass le samedi 18 octobre

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Cette discussion ouverte se tiendra de 11h à 13h à l’Auditorium Theo Angelopoulos de l’Institut Français de Grèce. L’entrée est libre, et une traduction simultanée sera assurée. Aux côtés de la journaliste et critique de théâtre Myrto Loverdou, Mnouchkine abordera les enjeux du théâtre contemporain, ses méthodes de création, et son regard sur le monde.

Ce rendez-vous s’inscrit dans un moment fort de la saison : la présentation à Piraeus 260 de la pièce « Ici sont les dragons / Hic sunt Dracones », une œuvre collective créée à l’occasion des 60 ans du Théâtre du Soleil, et qui coïncide cette année avec les 70 ans du festival. La pièce sera jouée les 30, 31 mai, puis les 1er, 3, 4 et 5 juin à 20h.

Ariane Mnouchkine est bien plus qu’une metteuse en scène. Elle est une pionnière d’un théâtre collectif, égalitaire, où les rôles se choisissent et se construisent en collaboration, où la scène devient un espace de recherche humaine et politique. Son travail est influencé par les traditions orientales, de l’Inde au Japon, et par des décennies d’engagements sociaux et esthétiques. À travers le Théâtre du Soleil, elle a ouvert un chemin rare de cohérence, de rigueur et de liberté.

Le Théâtre du Soleil est venu à plusieurs reprises à Athènes, avec des œuvres marquantes telles que Le Dernier Caravanserail (2006), Les Éphémères (2007), Les Naufragés de la Folle Espérance (2011), et Kanata (2019), mis en scène par Robert Lepage, une première dans l’histoire du collectif.

Cette rencontre avec Ariane Mnouchkine est donc un moment à ne pas manquer, pour toute personne intéressée par le théâtre, la création collective et le dialogue culturel franco-grec.

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Lieu phare du Festival d’Athènes et d’Epidaure 2025, situé au 260, rue du Pirée à Athènes, Peiraios 260 est aujourd’hui l’un des espaces culturels les plus dynamiques et avant-gardistes de Grèce. Ancien site industriel, cet ensemble de bâtiments a été transformé en plateforme artistique pluridisciplinaire, accueillant des spectacles de théâtre, de danse, de performance, des expositions et des concerts. Niché dans un paysage verdoyant du Péloponnèse, au sein du sanctuaire d’Asclépios, le Théâtre antique d’Épidaure est l’un des monuments antiques les mieux conservés au monde. Construit au IVe siècle av. J.-C., il est unanimement reconnu pour son harmonie architecturale, sa capacité d’accueil impressionnante, et surtout pour son acoustique exceptionnelle – un véritable exploit d’ingénierie antique.

PEIRAIOS 260

PEIRAIOS 260 HALL D

30-31 mai & 1, 3, 4, 5 juin 

Théâtre du Soleil—Ariane Mnouchkine  

  Ici résident les dragons / Hic sunt Dracones »

« Ici résident les dragons » est une œuvre théâtrale inspirée d’événements réels, en plusieurs épisodes. Le premier épisode, « 1917 : La victoire était dans nos mains », aborde l’année 1917 et explore les racines de la guerre actuelle en Ukraine. Créée par le Théâtre du Soleil, dirigé par Ariane Mnouchkine, cette production marque le soixantième anniversaire de la troupe. Le spectacle s’inspire des idéaux de « théâtre pour le peuple », de « théâtre politique » et de « théâtre de la célébration », et se distingue par son approche collective et communautaire, sans acteurs principaux, où le Chœur est le véritable protagoniste.

Les performances de la troupe mêlent des influences variées, notamment du Drame Ancien, de la Commedia dell’arte, et du Théâtre Rituel de l’Est, tout en explorant des récits qui relient Mythe et Histoire. La production utilise différents moyens théâtraux comme l’improvisation, le rythme, les masques et les costumes pour évoquer des thèmes universels à partir d’événements locaux et spécifiques.

Le spectacle se déroule en actes successifs et commence par la guerre en Ukraine, en revenant en arrière dans le temps. Les « dragons » du titre font référence à une ancienne expression cartographique, « Hic sunt dracones », qui désignait des terres inconnues et dangereuses. Mnouchkine voit ces dragons comme des métaphores des dangers contemporains, notamment les despotismes et totalitarismes qui menacent le monde aujourd’hui.

Guidée par une bibliographie subjective, en collaboration avec la philosophe Hélène Cixous, Mnouchkine plonge dans l’année 1917 pour examiner la naissance d’un système qui a profondément changé le monde, tout en cherchant à comprendre les mécanismes du totalitarisme qui façonnent l’actualité mondiale. Ce spectacle collectif reflète les préoccupations sociales et politiques de notre époque, tout en célébrant l’art du théâtre comme outil de réflexion et de résistance.

En français avec sous-titres en grec et en anglais

PEIRAIOS 260 HALL B

30-31 mai & 1 er juin

 Spyros Angelopoulos—Sinika  

  Mad Max Karagiozis

« Annus 6047 » se déroule dans un monde post-apocalyptique en Australie, où l’humanité est réduite à une lutte pour l’eau et le carburant. Un Mad Max désespéré erre dans ce paysage dévasté, jusqu’à ce que sa voiture tombe en panne. C’est alors qu’il rencontre Karagiozis, un personnage folklorique et anti-héros du théâtre d’ombre, qui se lance dans une mission pour réparer les éléments du véhicule et, symboliquement, les espoirs perdus. Ensemble, ils doivent affronter des gangs, des seigneurs de guerre tyranniques et des tempêtes nucléaires.

Le spectacle mêle le théâtre d’ombre traditionnel à l’esthétique cinématographique post-apocalyptique, explorant la satire, la survie, et le grotesque. Les deux personnages, alter ego l’un de l’autre, se battent pour leur survie, armés de courage et d’humour. La performance combine musique live, électroacoustique et sons traditionnels, tout en intégrant le théâtre d’ombre et une narration cinématographique.

Le spectacle se transforme en une liturgie industrielle de métal et d’électricité, oscillant entre l’ancien et le moderne. Dans ce monde de rouille, la satire se fait un cri, la farce devient inquiétante, et le théâtre d’ombre se réinvente en un rituel de lumière et de bruit. Karagiozis ne se contente pas de lutter contre la dystopie, mais cherche à la renégocier.

Le spectacle est dédié à la mémoire de Giorgis Sideris, médecin et poète.

En grec avec sous-titres en anglais

PEIRAIOS 260 HALL H—PERFORMANCE

3 juin 

Hellenic Fashion Designers Association

Dramodé est un événement scénique innovant qui combine théâtre, danse, opéra et mode. Les créateurs de mode grecs s’inspirent des 70 ans d’histoire du Festival d’Athènes et d’Épidaure pour réinterpréter des rôles et des moments iconiques du festival, ainsi que le public. Ce mélange unique de performance théâtrale et de défilé de mode est enrichi par des costumes spécialement créés, des chansons, de la musique, des décors, des éclairages et des monologues théâtraux. Un groupe diversifié de talents (acteurs, danseurs, chanteurs d’opéra et mannequins) présentera ces créations dans une performance multimédia qui fusionne la mode, le théâtre et la musique.

PEIRAIOS 260 HALL E

6 & 8 juin 21:00

7 juin 19:00 & 22:00

Durée 60′

8 Juin Performance accessible à tous

Back to Back Theatre–The Shadow Whose Prey the Hunter Becomes 

L’Ombre dont la Proie devient le Chasseur est une performance de la troupe australienne Back to Back Theatre, composée exclusivement d’acteurs ayant des handicaps intellectuels. Le spectacle explore des questions sur l’intelligence artificielle et les droits humains à travers une fable inspirée d’un conte de Charles Perrault. La pièce invite le public à remettre en question ce qui est considéré comme « normal » et à réfléchir sur les présupposés que nous avons sur nous-mêmes et les autres. En abordant des thèmes de société, cette œuvre cherche à briser les barrières des perceptions traditionnelles et à remettre en question la perfection et l’uniformité. La troupe a été reconnue pour ses réalisations exceptionnelles, recevant des prix prestigieux, dont le Lion d’Or pour l’ensemble de son œuvre à la Biennale de Venise et le Prix International Ibsen.

PEIRAIOS 260 HALL H—THEATRE         CYCLE LIVRES SUR SCENE

13 au 16 juin 21:00

Io Voulgaraki

Comemadre

Comemadre raconte l’histoire d’une expérience monstrueuse menée par un groupe de scientifiques masculins dans un sanatorium en 1907 à Buenos Aires, cherchant à explorer la frontière entre la vie et la mort. Avec cynisme et humour, l’œuvre critique la domination masculine, l’ambition, l’autorité et l’amour, tout en exposant les failles du patriarcat. La performance devient une satire de la masculinité toxique et de l’apathie humaine, en mettant en scène des scientifiques ridicules et dangereux. Le récit se termine sur une réflexion sur l’humanité et ses défaillances, laissant une trace de désolation dans ses dénouements grotesques.

En grec avec sous-titres en anglais

PEIRAIOS 260 HALL D—THEATRE « ROOTS CYCLE « 

19 au 22 juin  21:00

Giannos Perlegas

Katsourbos 

de Georgios Chortatsis

Katsourbos, comédie de la Renaissance crétoise écrite par Chortatsis, mêle commedia erudita et commedia dell’arte pour peindre, sous une légèreté apparente, une bourgeoisie crétoise anxieuse face à l’effondrement de l’ordre vénitien. Giannos Perlegas propose une mise en scène innovante qui combine texte classique, acrobatie, danse, musique crétoise et références à Monteverdi, dans une esthétique Renaissance subtilement détournée. Une redécouverte vive et inventive d’un texte rare.

PEIRAIOS 260 HALL E—THEATRE                                     CYCLE LIVRES SUR SCENE

19 et 20 juin 21:30

21 juin 20:00 & 22:00

Durée 55′

Thanasis Dovris– Sotiria

Dans le recueil de nouvelles Sotiria — source d’inspiration de la pièce de Thanasis Dovris — Chara Romvi, figure majeure de la jeune génération d’auteurs grecs, dresse un portrait tendre et doux-amer de la vie en Grèce dans les années 1980 et 1990.

Dans la nouvelle éponyme, Sotiria, en quête d’échappatoire face à la monotonie étouffante de la vie provinciale, trouve refuge dans une sortie au supermarché. Arpentant les rayons de gâteaux industriels et de cubes de bouillon, elle se laisse emporter par cette abondance, avant de se rendre compte, trop tard, qu’elle y est enfermée. Errant dans ce paradis de surconsommation, entre étagères débordantes, congélateurs et bruits étranges, la protagoniste affronte ses démons, son obscurité intérieure, ses peurs. Ce retournement inattendu devient le déclencheur d’un face-à-face existentiel. Comment un moment anodin peut-il, par un caprice du destin, prendre une dimension presque mythique ?

Dans une interview, Romvi confie : « Ce qui m’intéresse le plus, c’est l’être humain en soi, au-delà de toute époque — ce que j’appelle l’humain éternel. »

Le metteur en scène Thanasis Dovris, avec la brillante comédienne Maria Parasyri dans le rôle principal, explore l’essence de l’individu ordinaire — monsieur tout-le-monde ou madame Sotiria — en révélant l’angoisse existentielle cachée derrière les apparences. Le résultat : une farce théâtrale singulière, méditation auto-dérisoire sur un incident absurde qui devient révélateur — une erreur inattendue porteuse, peut-être, d’un début de salut…

En Grec avec sous-titres en anglais

PEIRAIOS 260 HALL Η

Du 20 au 22 juin  21:00

Durée 100′

Handspring Puppet Company—William Kentridge 

Faustus in Africa!

L’artiste sud-africain William Kentridge, né à Johannesburg, est reconnu comme l’un des plus grands artistes visuels et metteurs en scène contemporains. Sa démarche unique mêle artisanat (gravure, lithographie, photogravure), arts de la scène, animation, littérature et réflexion politique. Influencé par l’histoire sud-africaine et la lutte contre l’Apartheid, son œuvre partage des affinités avec celles de Daumier ou Käthe Kollwitz.

Formé à l’École Internationale de Théâtre Jacques Lecoq, Kentridge développe une esthétique du « corps poétique », marquant ses mises en scène d’opéras et de théâtre musical. Depuis les années 1990, il collabore étroitement avec la « Handspring Puppet Company », notamment sur les spectacles *Woyzeck on the Highveld* et *Ubu and the Truth Commission* (présenté en Grèce en 2014).

En 2025, ils ravivent ensemble *Faustus in Africa!*, un conte allégorique dénonçant le colonialisme et l’impérialisme occidental. Inspiré du mythe de Faust, le récit transpose l’histoire en Afrique, où un homme vend son âme pour jouissance et jeunesse éternelles, exploitant et détruisant le continent comme Faust détruit Gretchen. Seul le Diable est joué par un acteur humain, les autres personnages étant des marionnettes.

Entre satire, esthétique visuelle puissante et critique politique, cette œuvre est devenue une référence. Sa renaissance, à l’heure de la crise climatique, est saluée comme un événement majeur dans les arts vivants. Présentée en avant-première mondiale au Cap au printemps 2025, la pièce sera ensuite accueillie par le Festival d’Athènes et d’Épidaure, marquant la première mise en scène théâtrale de Kentridge dans ce cadre.

Déjà apprécié du public grec grâce à plusieurs expositions et performances (comme « Refuse the Hour » en 2012, ou « I am not me, the horse is not mine » en 2010), Kentridge entretient un lien fort avec la scène artistique grecque.

En anglais avec sur-titre grec

PEIRAIOS 260 HALL B—THEATRE                 CYCLE LIVRES SUR SCENE

26 et 28 juin 21:00

27 juin 20:00 & 22:00

Durée 60′ 

Elena Mavridou

SARMANTZA

Un monologue poignant inspiré de l’univers sombre et mystique de Konstantinos Dominik, où mémoire, folklore, deuil et hallucination se mêlent dans un cimetière rural, porté par une performance intense et une mise en scène évocatrice.

En grec avec sur-titre en anglais

PEIRAIOS 260 HALL E—THEATRE        

26 & 27 juin 21:00

28 & 29 juin 20:00

Simos Kakalas–Nasty Scenery

De Giannis Aposkitis

Dans Nasty Scenery, Simos Kakalas et Sofia Paschou plongent dans une relecture sombre et grotesque de l’histoire de la comédie grecque, de l’époque des troupes itinérantes jusqu’à la télévision moderne. Mêlant satire, horreur et théâtre rituel, ils convoquent morts-vivants comiques, fantômes culturels, et figures classiques déformées pour interroger la place du rire dans une société en crise. Un spectacle grinçant, où l’humour naît du désespoir, dans une Grèce contemporaine en proie à l’absurde.

PEIRAIOS 260 HALL D—THEATRE/PERFORMANCE

5 & 6  Juillet 20:00

Durée 150′ (sans entracte)

Carolina Bianchi—Cara de Cavalo                        

The Bride and the Goodnight Cinderella /A Noiva e o Boa Noite Cinderela

Carolina Bianchi présente La Mariée et le Bonne-Nuit Cendrillon, une performance percutante sur les violences faites aux femmes, entre récit documentaire et cauchemar performatif. Inspirée du destin tragique de l’artiste Pippa Bacca et du phénomène des drogues du viol, l’œuvre mêle conférence, théâtre, mémoire, rêve et traumatisme, dans un geste radical et viscéral. Premier volet d’une trilogie sur le corps féminin et le pouvoir, ce spectacle salué en Europe est un acte artistique nécessaire, à la fois poétique, politique et dérangeant.

Le texte est publié en français par «  Les Solitaires Intempestifs Publications « 

En brésilien avec sur-titres anglais et grec

PEIRAIOS 260 HALL E CYCLE LIVRES SUR SCENE

Du  5 au 8 juillet  21:00

Durée 100′

7 juillet  Performance accessible à tous

Plus d’ info: aefestival.gr

Emily Louizou–L’ Aveuglement

Adaptation de L’aveuglement de José Saramago

Aveuglement, adaptation du roman de José Saramago, raconte l’histoire d’une épidémie de cécité soudaine et contagieuse qui frappe une ville. La société s’effondre sous la panique, le gouvernement impose des mesures strictes, et l’humanité lutte pour sa survie. Seule une femme conserve la vue, devenant le témoin d’un monde plongé dans les ténèbres. La pièce met en lumière la brutalité et la tendresse cachées au cœur de l’effondrement social. La mise en scène, poignante et physique, explore les effets de la peur et de la perte de liberté, avec une forte composante musicale et chorégraphique.

En grec avec sur-titre en anglais

PEIRAIOS 260 HALL B—THEATRE

Du 5 au 8 juillet  21:00

8 juillet Performance accessible à tous

Plus d’info: aefestival.gr

Christos Thanos–Les Correspondants de Guerre

Les Correspondants de Guerre expose les horreurs de la guerre à travers des récits humains et historiques, soutenus par un univers musical puissant. Six personnages, survivants des pires atrocités, partagent leurs témoignages, mettant en lumière la nature et les motivations du conflit humain. L’œuvre interroge les causes de la violence, les mécanismes de la documentation historique, et la manière dont les événements de guerre sont perçus et mémorisés, dans un contexte où de nombreuses zones de conflit demeurent encore actuelles.

En grec avec sur-titre en anglais

PEIRAIOS 260 HALL D—THEATRE   CYCLE LIVRES SUR SCENE

13 & 14 juillet  21:00

Durée 120′

Het Nationale Theater—ITA Ensemble—Eline Arbo

Les Années–Adaptation du livre d’Annie Ernaux

« Toutes les images disparaîtront. La mort efface tout en une seconde, et nous devons sauver quelque chose du temps où nous ne serons plus. »

Les Années est une adaptation théâtrale du livre d’Annie Ernaux qui raconte l’histoire d’une femme à travers le prisme d’une époque en constante évolution. La pièce met en scène cinq actrices qui retracent la vie de la protagoniste, de son enfance marquée par la Seconde Guerre mondiale à son émancipation à travers l’écriture et la prise de conscience sociale et politique. L’œuvre interroge l’identité féminine en lien avec la classe sociale, la sexualité et les aspirations personnelles, tout en se mêlant à la biographie de l’Europe d’après-guerre. Eline Arbo, la metteure en scène, apporte sa touche unique en explorant l’aspect sociologique et la forte présence féminine sur scène, créant une production acclamée par la critique.

En flamand avec sur-titre anglais et grec

PEIRAIOS 260 HALL H           CYCLE LIVRES SUR SCENE

Du 13 au 15 juillet 20:30

Durée 110′

Daria Deflorian –La Végétarienne

La Végétarienne est une adaptation théâtrale du roman de Han Kang qui raconte l’histoire de Yeong-hye, une femme qui, après avoir fait un rêve perturbant, décide de devenir végétarienne, ce qui bouleverse sa vie et sa relation avec sa famille. À travers son choix radical, elle amorce une transformation physique et psychologique, rejetant une humanité qu’elle considère violente et destructrice. Cette performance explore la violence sous toutes ses formes—physique, psychologique et politique—à travers une mise en scène qui mêle l’ordinaire et l’extraordinaire, offrant une expérience théâtrale intense et profondément affectante.

En Italien avec sur-titres en grec et en anglais

PEIRAIOS 260 HALL B—THEATRE CYCLE LIVRES SUR SCENE

Du 13 au 16 juillet  21:30

15 juillet  Performance accessible à tous

Plus d’ info: aefestival.gr

Sophia Karagianni –18, Mpoumpoulinas St.

Basé sur le livre de Kitti Arseni

18, Mpoumpoulinas St. est une adaptation théâtrale poignante du témoignage de Kitti Arseni, une actrice grecque qui a fui la Grèce sous la junte militaire. Lors de son emprisonnement dans le quartier général de la sécurité à Athènes, elle a enduré la torture et l’isolement, mais son récit va au-delà de la violence qu’elle a subie. Elle parle aussi de la solidarité entre les activistes et de la résistance à l’oppression. Un élément clé de son arrestation est une cassette de chansons de Mikis Theodorakis, le grand compositeur grec, qu’elle avait en sa possession. Ce détail, couplé au fait que Theodorakis a également été emprisonné à la même époque, se reflète dans le sifflement de ses airs, qui devient un symbole de la lutte pour la liberté et de l’espoir malgré la répression. Le témoignage d’Arseni, interprété par sa nièce Amalia Arsenis, rend hommage à la résistance et à l’engagement, tout en honorant Mikis Theodorakis, dont la musique et la présence ont marqué cette période de lutte pour la liberté.

En grec avec sur-titres en anglais

PEIRAIOS 260 HALL E—THEATRE      

Du 13 au 16 juillet 21:00

Durée 90′

Ekaterini Papageorgiou–Iphigenia / Prey de Vivian Stergiou

Iphigenia / Prey est une relecture contemporaine de la tragédie Iphigénie en Aulide d’Euripide. Inspirée par le moment précédant le sacrifice d’Iphigénie, l’œuvre se concentre sur ses derniers instants avant sa mort. Iphigénie se promène à Épidaure, envoie des messages enregistrés à sa mère, médite sur la plage et visite son autel. Avant de se sacrifier, elle délivre un oracle empli de commandements féminicides : « L’amour fait mal ; si tu veux être aimée, tu dois le supporter. » La pièce, mise en scène par Ekaterini Papageorgiou explore sa réconciliation avec son destin. Iphigénie, dans un acte presque comique, accepte son sacrifice, creusant elle-même sa tombe avant de s’y jeter, réduite à une offrande. Le personnage d’Iphigénie est interprété par Eliza Skolidi, et la pièce se distingue par la force de ses paroles et son approche provocante du sacrifice.

En grec avec sur-titre grec et anglais

Nikos Hatzopoulos– Me, Her Servant de Vangelis Hatziyannidis

Me, Her Servant s’inspire de la tragédie Hécube d’Euripide. L’image de Hécube, figure emblématique de la souffrance humaine, est profondément ancrée dans l’inconscient collectif. Elle incarne la vieille femme éplorée, vénérable et éthérée, dont la douleur semble dominer tout autre aspect de sa personnalité, quel que soit l’horreur de ses actes. Hatziyannidis, dans sa réflexion sur ce personnage, propose un texte à la fois captivant et éclairant, qui démystifie ce symbole ultime du deuil et du désespoir. Il le fait à travers le regard d’un personnage qui a vécu à ses côtés, offrant des perspectives inédites que les grands poètes n’ont pas capturées. Filareti Komninou interprète ce voyage tragique de Hécube sous un angle inattendu, apportant une dimension vivante et poignante à cette exploration.

En grec avec sur-titre grec et anglais

PEIRAIOS 260 HALL D—THEATRE

21 au 24 juillet  / 21:00

Durée 105′

Katerina Giannopoulou

Phenomenon de Greg Liakopoulos

Phenomenon est une exploration philosophique et sensorielle des limites du savoir humain à l’ère des simulations numériques. Un auteur en crise renonce à la fiction pour chercher la vérité dans le réel, mais se perd dans un monde où réalité, artifice et imagination se confondent. Inspirée par Wittgenstein, la pièce interroge la nature de la certitude et du doute, mêlant introspection, figures philosophiques, et questionnements existentiels dans un voyage intérieur vertigineux.

En grec avec sur-titres en anglais

PEIRAIOS 260 HALL E -THEATRE   CYCLE LIVRES SUR SCENE            

21, 23 juillet / 21:00

22 juillet / 19:00

24 juillet / 21:30 

Sofia Antoniou

Vie, vieillesse et mort d’une femme de la classe ouvrière

D’après le livre de Didier Eribon

Adaptée du livre de Didier Eribon, Vie, vieillesse et mort d’une femme de la classe ouvrière est une œuvre politique et intime qui rend hommage aux femmes de la classe populaire et à la maternité. À travers le portrait de sa propre mère, Eribon interroge les rapports entre identité, origine sociale et invisibilité. La mise en scène de Sofia Antoniou, poétique et immersive, fait revivre les souvenirs de l’héroïne grâce à un chœur d’actrices âgées, tissant un espace de mémoire entre rêve et réalité. Une réflexion poignante sur la dignité, le silence imposé et le droit d’être entendu.

En grec avec sur-titres en anglais

ART THEATRE KAROLOS KOUN – THEATRE

21, 23, 24 juillet  / 21:00

22  juillet / 18:30

Durée 90′

Noemi Vasileiadou

Pitted Prunes est une performance inventive de Noemi Vasileiadou qui transforme le marché de producteurs en métaphore théâtrale. À travers une agora scénique mouvante, la pièce célèbre l’interaction humaine, l’imperfection, et l’authenticité face à la standardisation croissante. Humour populaire, réflexions sociales et existentielles se mêlent dans un théâtre vivant, organique, qui interroge la valeur de l’art, le rôle de l’humain, et le droit à l’imparfait. Un hommage vibrant à ce qui pousse encore « depuis la terre ».

En grec avec sur-titres en anglais

STATHMOS THEATRE

21–23 juillet  / 21:00 

24 juillet  / 17:30

Durée 90′

Konstantinos Ntellas

Les vieilles femmes qui cueillent des orties est une performance mêlant théâtre et anthropologie sociale, où trois hommes incarnent des femmes âgées thessaliennes liées à la sorcellerie, aux rituels et à la transmission. À travers leurs récits, ces figures invisibilisées — à la fois mères, travailleuses et gardiennes du savoir — révèlent une mémoire collective longtemps ignorée. La pièce, participative et évolutive, explore la puissance du féminin vieillissant et invite le public à contribuer à une histoire orale vivante et en expansion.

En grec avec sur-titres en anglais

ODEON d’HERODE ATTICUS

18 & 19 juin 

Théatre National de Grèce—

Hippolyte d’Euripide

Katerina Evangelatos

Après son triomphe à Épidaure et sa tournée en Grèce, à Chypre et à Hong Kong, Hippolyte d’Euripide, mis en scène par Katerina Evangelatos, revient à l’Odéon d’Hérode Atticus. Cette relecture contemporaine d’une tragédie antique, saluée par la critique, mêle intensité dramatique et esthétique audacieuse, portée par une équipe artistique et une troupe remarquables. Une production phare du Théâtre National de Grèce en partenariat avec le Festival d’Athènes et d’Épidaure.

THÉÂTRE ANTIQUE D’ÉPIDAURE  

Heure de début du spectacle : 21h00

PREMIÈRE MONDIALE – COPRODUCTION 

27, 28 et 29 juin  

Festival d’Athènes et d’Épidaure — Théâtre National de Grèce  

Ulrich Rasche -Antigone de Sophocle

Le metteur en scène allemand Ulrich Rasche revient à Épidaure avec une nouvelle création radicale : Antigone de Sophocle, interprétée par un casting d’acteurs grecs. Cette coproduction du Festival d’Athènes et d’Épidaure et du Théâtre National de Grèce sera jouée trois soirs seulement (27, 28 et 29 juin). Connue pour ses mises en scène puissantes, la signature visuelle et musicale de Rasche marquera une nouvelle fois le théâtre antique, dans une version moderne, engagée et esthétiquement marquante d’un mythe éternel.

Langue : grec (avec surtitres en grec et en anglais)

4 & 5 juillet

PREMIÈRE

Théâtre Poreia — Dimitris Tarlow–Électre de Sophocle

Électre de Sophocle sera présentée au Théâtre antique d’Épidaure dans une nouvelle mise en scène de Dimitris Tarlow. Dans un monde contemporain rongé par l’injustice, la pièce résonne comme un cri moral sur la justice, la vengeance et le poids de la résistance. Électre y apparaît comme une figure déchirée, combattant pour une cause juste, mais prisonnière de sa propre passion. Un spectacle fort, qui interroge notre rapport au pouvoir, à la mémoire et à la violence.

11 et 12 juillet

PREMIÈRE

Théâtre national du nord de la Grèce — Organisation théâtrale de Chypre

Michail Marmarinos–ζ – η – θ (The Stranger)

le Théâtre Poreia présente « ζ – η – θ (The Stranger) », une performance inédite de Michail Marmarinos, au Théâtre antique d’Épidaure. À travers cette œuvre, Marmarinos propose un retour aux sources de l’épopée homérique, avec une exploration de trois rhapsodies de l’Odyssée. La performance s’intéresse à la profondeur des récits oraux et à leur pouvoir toujours vivant. *Le Stranger* devient une expérience immersive qui nous transporte dans un monde où l’histoire, la musique et le théâtre se rencontrent, offrant un regard unique sur les questionnements fondamentaux de la condition humaine.

25 et 26 juillet

PREMIÈRE

Festival Athènes Épidaure — Organisation culturelle Lykofos

Yannis Houvardas–Œdipe

Yannis Houvardas présente Œdipe au Festival Athènes Épidaure, une œuvre qui fusionne les deux pièces majeures de Sophocle, Œdipe Roi et Œdipe à Colone. Le metteur en scène et adaptateur Yannis Houvardas, avec un groupe d’acteurs prestigieux et l’accompagnement de musique en direct, propose une interprétation unique de l’histoire d’Œdipe, marquée par une transformation profonde, de l’obscurité de sa vie passée à la lumière de sa rédemption finale. Ce spectacle revisitera la tragédie d’Œdipe à travers un regard novateur, tout en restant fidèle à l’essence du texte original.

1er et 2 août

PREMIÈRE MONDIALE – COPRODUCTION

Festival Athènes Épidaure – La Colline – Théâtre national

Wajdi Mouawad–Europa’s Pledge / Le Serment d’Europe

Le Serment d’Europe, la nouvelle œuvre de Wajdi Mouawad, sera présentée en première mondiale au Festival Athènes Épidaure, le 1er et 2 août. Ce spectacle fait partie du Cycle des Anciens Contemporains et propose une exploration des héroïnes de la tragédie antique. Inspirée par les grands thèmes de la tragédie grecque, l’œuvre de Mouawad plonge dans les douleurs et les traumatismes du passé, à la recherche de catharsis et de guérison. Le texte est écrit et mis en scène par Wajdi Mouawad, avec une distribution multinationale, dans un format multilingue. Cette production s’annonce comme un événement majeur de l’été, alliant mythologie antique et problématiques contemporaines, en un dialogue direct avec l’histoire et la condition humaine.

Avec sur-titres en grec et en anglais

8 et 9 août

Maria Protopappa–Andromaque D’Euripide

Andromaque d’Euripide, mis en scène par Maria Protopappa, se déroule dans un cadre rural de la Grèce antique, loin des grandes cités-états. L’histoire explore la chute de Néoptolème, fils d’Achille, qui, après avoir causé des destructions irréparables, cherche un remède à son propre déclin. La pièce critique l’arrogance des Grecs et leur illusion de supériorité culturelle, tout en exposant le déclin d’une nation marquée par la guerre. L’œuvre met en lumière la responsabilité non seulement des destructeurs, mais aussi de ceux qui ont permis cet effondrement par leur complicité. Andromaque est un tableau poignant de la décadence et des souffrances générées par les actions des générations précédentes, et de la manière dont la génération suivante porte le poids de ces erreurs.

Avec sur-titres en grec et en anglais

22 et 23 août

Durée : 200′

Théâtre National de Grèce – Theodoros Terzopoulos

Orestie D’Eschyle

Orestie, la trilogie d’Eschyle, mise en scène par Theodoros Terzopoulos, est un événement majeur du théâtre grec. Cette production, après avoir parcouru la Grèce, Chypre et l’Italie, revient au Théâtre Antique d’Épidaure pour marquer la fin du cycle de cette année. La mise en scène de Terzopoulos donne à Orestie une profondeur intellectuelle et philosophique qui va au-delà du simple spectacle. La pièce explore les thèmes universels de la violence, de la justice et de la vengeance à travers une énergie saisissante, tout en offrant une réflexion sur l’histoire humaine et politique. Cette œuvre, saluée par la critique et les spectateurs, nous invite à redécouvrir l’essence de l’humanité à travers le prisme de la tragédie grecque.

PETIT THÉÂTRE DE L’ANCIENNE  ÉPIDAURE 

Heure de début de la performance : 21h30

THÉÂTRE—PREMIÈRE  

4 et 5 juillet  

Olia Lazaridou  « Thēbae Desertae » . De Kiriakos Charitos  .Inspiré par l’Antigone de Sophocle

« Thēbae Desertae »  est une œuvre inspirée du mythe d’Antigone, écrite par Kiriakos Charitos et mise en scène par Olia Lazaridou. La pièce explore la mémoire et le temps à travers une narration non linéaire, oscillant entre prose et poésie. Elle raconte l’histoire d’une voix cherchant une fille nommée Antigone, alors que la ville se réveille lentement et se souvient, entre rêves et réalité. La musique en direct et les performances des acteurs créent une atmosphère onirique, liant la mémoire à des fragments du passé, tels des offrandes funéraires. La pièce est également connectée à une production antérieure du festival, « Antigone » de Sophocle.

Les acteurs et musiciens jouent ensemble pour offrir une expérience immersive, où l’histoire prend la forme d’un murmure ou d’une chanson. La performance met en avant la relation entre la parole, la musique et le mouvement. 

11 et 12 juillet  

Durée : 65′  

Christos Stergioglou—Alex Drakos Ktistakis  

« Cries »  De Taxiarchis Deligiannis et Vasilis Tsiouvaras

« Cries » est une performance qui explore les thèmes de l’esclavage, du déracinement et de l’immigration à travers la poésie antique et moderne, inspirée par les souffrances des opprimés, comme celles d’Hécube dans « Les Troyennes » d’Euripide. La pièce combine fragments de tragédies antiques, poésie grecque moderne et textes originaux, avec une musique composée par Alex Drakos Ktistakis. Interprétée par Christos Stergioglou et Georgios Iatrou, accompagnés du « Alex Drakos Quartet », la performance mêle poésie, musique et drame pour offrir une réflexion sur les luttes humaines à travers le temps. 

25 et 26 juillet  

THÉÂTRE  

Giannis Skourletis—bijoux de kant  

To the Right of the Creek de Giannis Palavos  Inspiré par « Œdipe à Colone » de Sophocle

Session de guerre  de Aris Alexandris  Inspiré par Lysistrata d’Aristophane  

Le Cycle des Anciens Contemporains présente deux monologues féminins inspirés du Drame Ancien, dirigés par Giannis Skourletis, et nous permet de découvrir leurs créateurs, les auteurs grecs Giannis Palavos et Aris Alexandris. Commandées par le Festival, leurs œuvres puisent dans les mythes antiques pour en révéler les dimensions contemporaines à travers deux pièces imaginatives et stimulantes.

« To the Right of the Creek » (À droite du ruisseau) : Dans cette œuvre inspirée de Œdipe à Colone de Sophocle, Giannis Palavos met en lumière la relation père-fille à travers le monologue d’une femme qui retrace la vie de son père, un musicien folklorique errant. Le père, persécuté et rejeté, trouve en sa fille son unique refuge. Un hommage tendre et mélancolique à une relation marquée par la douleur et l’exil.

« War session » (Session de guerre) : Aris Alexandris revisite Lysistrata pour aborder de manière humoristique le déclin du sexe à l’ère numérique. La protagoniste, une psychologue frustrée, propose à ses patients une thérapie de groupe en ligne où l’abstinence sexuelle est présentée comme la clé pour mettre fin à une guerre, métaphore de la lutte contemporaine sur le corps humain dans le monde digital.

Tous les renseignements figurent sur le site du FESTIVAL d’ATHENES et d’EPIDAURE

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Le Festival d’Athènes et d’Épidaure et la Fondation pour la Jeunesse et l’Apprentissage Tout au Long de la Vie (Ι.NE.DI.VI.M.) ont annoncé leur collaboration dans le cadre du programme « Carte Jeunes Européenne ».

Ce partenariat, d’une grande importance, promeut, facilite et renforce le lien des jeunes avec la Culture – en particulier avec les arts du spectacle – en leur offrant une réduction significative sur les prix des billets des événements artistiques du Festival d’Athènes et d’Épidaure.

Plus précisément, cette collaboration permet d’offrir une réduction de 20 % sur le prix des billets pour toutes les représentations, concerts et autres événements produits par le Festival d’Athènes et d’Épidaure. Cette réduction s’adresse aux jeunes de 13 à 30 ans, détenteurs de la « Carte Jeunes Européenne », sous réserve de disponibilité des billets. L’accord est valable pour trois ans.

Signature de l’accord

La signature de l’accord a eu lieu dans les bureaux du Festival, en présence de Dimitris Passas, président du Conseil d’Administration du Festival, Anna Rokofyllou, présidente de la Fondation pour la Jeunesse et l’Apprentissage Tout au Long de la Vie, Ioannis Kaplanis, directeur général du Festival, et Nadia Nikitea-Theocharaki, membre du Conseil d’Administration du Festival.

À cette occasion, Dimitris Passas a déclaré :

« Nous sommes particulièrement heureux de notre collaboration avec la Fondation pour la Jeunesse et l’Apprentissage Tout au Long de la Vie, qui élargit nos partenariats stratégiques avec des acteurs importants au bénéfice de la société. Grâce à la Carte Jeunes Européenne, nous pouvons offrir à un plus grand nombre de jeunes, en Grèce et dans toute l’Europe, la possibilité de découvrir et d’apprécier des troupes artistiques prestigieuses et des figures emblématiques du Théâtre, de la Musique, de la Danse et des Nouveaux Médias, venues de Grèce et d’ailleurs. »

De son côté, Anna Rokofyllou, présidente de la Fondation, a souligné :

« Le soutien à la jeunesse à tous les niveaux est un choix stratégique pour notre Fondation. De même, pour le Festival d’Athènes et d’Épidaure, l’éducation culturelle et intellectuelle est une priorité.
Avec cette vision commune, nous avons uni nos forces pour rapprocher nos deux ressources les plus précieuses : la Jeunesse et la Culture.
Nous sommes ici aujourd’hui, dans les bureaux du Festival d’Athènes et d’Épidaure, à l’occasion de son 70ᵉ anniversaire, pour renforcer la Carte Jeunes Européenne, ce véritable « passeport » culturel pour la jeunesse en Grèce et à travers l’Europe, en offrant d’importantes réductions sur toutes les manifestations culturelles prévues cette année et les suivantes, à Athènes et à Épidaure.
Je remercie chaleureusement le Festival et son président, M. Passas, pour leur accueil. Ensemble, nous avons posé les bases d’une collaboration fructueuse entre l’INE.DI.VI.M. et le Festival d’Athènes et d’Épidaure, qui, j’en suis certaine, ouvrira la voie à de nombreuses actions et initiatives communes à l’avenir. »

70 ans du Festival d’Athènes et d’Épidaure

Cette initiative intervient à une période clé pour le Festival, qui célèbre en 2025 son 70ᵉ anniversaire avec un programme riche en événements artistiques tourné vers l’avenir et visant à attirer un public plus jeune.

Le directeur général du Festival, Ioannis Kaplanis, a ajouté :

« Cette collaboration avec la Fondation pour la Jeunesse et l’Apprentissage Tout au Long de la Vie arrive à un moment historique, alors que nous fêtons 70 ans d’existence du Festival. Nous redoublons d’efforts pour rendre l’Art accessible à toutes et à tous, en particulier aux jeunes générations. En facilitant leur accès à des spectacles de grande qualité, nous favorisons l’inclusion, la cohésion sociale et l’éducation artistique dans notre pays. »

La Fondation pour la Jeunesse et l’Apprentissage Tout au Long de la Vie

La Fondation pour la Jeunesse et l’Apprentissage Tout au Long de la Vie soutient activement la jeunesse en mettant l’accent sur l’innovation et la mobilité des jeunes. Elle reste engagée dans l’amélioration de l’accès à des services et activités de haute qualité, contribuant ainsi à la cohésion sociale, au renforcement de l’identité européenne et à la participation active à l’Union européenne.

La Carte Jeunes Européenne

Le programme « Carte Jeunes Européenne » est un outil de coopération entre les pays européens, permettant aux jeunes d’accéder à des réductions importantes sur divers services et produits dans plus de 37 pays. Il encourage également leur engagement et leur autonomie.

Coordonné par l’Association Européenne de la Carte Jeunes (EYCA) avec le soutien de la Commission Européenne et du Conseil de l’Europe, ce programme est mis en œuvre en Grèce par la Fondation pour la Jeunesse et l’Apprentissage Tout au Long de la Vie (INE.DI.VI.M.), sous la supervision du Secrétariat Général aux Politiques Démographiques et du Logement du Ministère de la Cohésion Sociale et de la Famille.

Destinée aux jeunes âgés de 13 à 30 ans, la Carte Jeunes Européenne offre des réductions dans plus de 36 pays, dont la Grèce. Actuellement, près de 6 millions de jeunes en Europe en sont titulaires, bénéficiant d’un catalogue de plus de 100 000 offres. En Grèce, 23 000 jeunes sont déjà membres, et plus de 420 entreprises et institutions y participent.

Au-delà des réductions, la Carte Jeunes Européenne est un véritable outil de communication, d’information, de mobilité et de divertissement pour les jeunes citoyens européens. Elle répond à leurs besoins et intérêts tant au niveau national qu’européen, tout en favorisant leur implication dans le domaine culturel.

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La mise en scène de Bérénice par Romeo Castellucci, portée par une Isabelle Huppert omniprésente, ne laisse personne indifférent. Création singulière et audacieuse, le spectacle déconstruit la tragédie racinienne pour en faire une expérience théâtrale déroutante, parfois fascinante, parfois hermétique.

Dès l’ouverture, le ton est donné : une scénographie minimaliste, des effets visuels marquants et une approche qui met Isabelle Huppert au centre de tout. Son interprétation est intense, mais son monologue, porté par une diction monotone et un traitement sonore altérant sa voix, finit par perdre une partie du public. Certains spectateurs saluent son engagement, d’autres décrochent face à une mise en scène jugée excessivement conceptuelle.

Le spectacle enchaîne les moments surprenants : objets du quotidien traînés sur scène, chorégraphies muettes, et surtout cette scène où une douzaine d’hommes se déshabillent, provoquant incompréhension et hilarité. Ces choix radicaux créent une fracture entre ceux qui y voient du génie et ceux qui peinent à en saisir le sens.

Le clivage est tel qu’il déborde au-delà de la scène : entre huées et ovations, le public se déchire, transformant la représentation en véritable champ de bataille artistique. Les débats se prolongent jusque dans la rue, certains défendant avec ferveur la vision de Romeo Castellucci, d’autres dénonçant une expérience théâtrale hermétique et prétentieuse.

En représentation à l’Onassis Steggi du 26 au 30 mars 2025 , Bérénice promet de continuer à diviser, confirmant que le théâtre de Romeo Castellucci, qu’on l’adore ou qu’on le rejette, ne laisse jamais indifférent.

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Le serment d’Europa au Festival d’Athènes et d’Epidaure

1er et 2 août / CRÉATION MONDIALE – CO-PRODUCTION Festival d’Athènes et d’Épidaure & Théâtre national de la Colline – Wajdi Mouawad

Wajdi Mouawad sera à la tête de la mise en scène du Serment d’Europa (1er et 2 août), une coproduction entre le Festival d’Athènes et d’Epidaure et le Théâtre National de la Colline. Selon Katerina Evangelatos, la directrice du festival, cette œuvre proposera « un voyage au Liban à travers le prisme d’une histoire familiale marquée par le traumatisme ». Le metteur en scène abordera des thèmes tels que le déchirement familial, la lutte entre les sexes, l’exil et la quête de catharsis, qui résonnent profondément avec les tragédies antiques. Juliette Binoche incarnera le rôle principal de ce spectacle multilingue.

Cette édition du festival comprendra également la première mondiale de Antigone de Sophocle, mise en scène par Ulrich Rasche (du 27 au 29 juin), Electre de Sophocle (4-5 juillet), une production de Dimitris Tarlow, directeur artistique du Théâtre Poreia, et ζ – η – θ L’Étranger (11-12 juillet) du metteur en scène grec Michail Marmarinos, une exploration de trois rhapsodies de l’Odyssée.

Dramaturge, metteur en scène et comédien d’origine libano-canadienne, Wajdi Mouawad—qui dirige le Théâtre National de la Colline depuis plusieurs années—s’est fait connaître du public grec notamment grâce au scénario du film Incendies, nommé aux Oscars dans la catégorie du meilleur film en langue étrangère (réalisé par Denis Villeneuve en 2010), inspiré de sa pièce du même nom.

Ce récit poignant, ancré dans l’histoire du Liban, met en lumière une famille déchirée par la guerre civile. Profondément influencé par la tragédie antique, Mouawad explore des thèmes universels tels que les fractures familiales, les conflits de genre, l’exil, le poids des héritages générationnels et la quête de rédemption. Ses œuvres, souvent nourries de figures de la tragédie grecque, résonnent avec ces thématiques intemporelles.

 » Un artiste est un scarabée qui trouve, dans les excréments mêmes de la société, les aliments nécessaires pour produire les œuvres qui fascinent et bouleversent ses semblables. L’artiste, tel un scarabée, se nourrit de la merde du monde pour lequel il œuvre, et de cette nourriture abjecte il parvient, parfois, à faire jaillir la beauté. » Wajdi Mouawad

Engagée politiquement et en prise directe avec les réalités contemporaines, son écriture puise dans le Mythe pour en révéler la portée universelle, au-delà des frontières temporelles et géographiques. Elle questionne également l’identité sous toutes ses formes—culturelle, religieuse et familiale—tandis que son style lyrique et percutant confère à ses personnages une voix résolument moderne, comme en témoigne sa pièce Tous des oiseaux, présentée l’an dernier au Théâtre National.

Mouawad s’est produit pour la première fois à l’Odéon d’Hérode Atticus en 2011 avec Des Femmes, une coproduction internationale revisitant les tragédies Antigone, Électre et Les Trachiniennes de Sophocle, interprétée par une troupe franco-canadienne.

Considéré comme l’un des dramaturges les plus influents de sa génération, il revient cette année au Festival d’Athènes et d’Epidaure avec une nouvelle création inspirée des héroïnes de la tragédie antique. Commandée dans le cadre du cycle Contemporary Ancients, cette production multilingue, portée par une distribution internationale, sera dévoilée le premier week-end d’août et s’impose déjà comme l’un des événements marquants de l’été.

Texte et mise en scène : Wajdi Mouawad
Grand mécène du programme anniversaire d’Épidaure : Fondation Stavros Niarchos (SNF)

Dernières infos : Le 6 février dernier, Wajdi Mouawad a prononcé la leçon inaugurale de la chaire L’invention de l’Europe par les langues et les cultures. Cet événement marque une belle réussite pour le ministère de la Culture – Délégation générale à la langue française et aux langues de France – ainsi que pour le Collège de France.

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Théâtre musical – Nikos Kypourgos, Thodoris Ambazis
Décembre 2024 & Janvier 2025

La Scène Alternative de l’Opéra National de Grèce, en coproduction avec le Théâtre National, présente la nouvelle production de théâtre musical Mataroa à l’Horizon, imaginée et mise en scène par Thodoris Ambazis, avec une musique de Nikos Kypourgos et Thodoris Ambazis.

Inspirée de l’histoire vraie du navire Mataroa, qui transporta des intellectuels grecs en France après la Seconde Guerre mondiale, cette œuvre de théâtre musical Mataroa à l’Horizon propose une fiction nourrie par des événements historiques et leur résonance dans le monde contemporain. La pièce Mataroa à l’Horizon est présentée pour la première fois à la Scène Alternative de l’Opéra National de Grèce au SNFCC, à partir du 14 décembre 2024, et comptera vingt et une représentations jusqu’au 12 janvier 2025.

L’œuvre projette les souvenirs fragmentés d’un pays au passé traumatique sur l’écran d’un présent dystopique. Le légendaire navire promet une issue onirique : une sortie indispensable pour certains, inconfortable et vaine pour d’autres, incertaine pour tous. Des individus en mouvement perpétuel jusqu’à leur chute finale, fuyant un monde gangrené, attendent le navire qui les mènera vers un lieu où la justice est possible et où les rêves peuvent fleurir. Héritiers de défaites et de rêves avortés, coincés entre plusieurs mondes, suspendus dans une intemporalité, ils espèrent à leur tour un voyage rédempteur, un avenir prometteur, l’arrivée sur une terre de liberté. Mais où se trouve la Terre Promise aujourd’hui ? Existe-t-elle encore ? Et si oui, qui montera à bord de l’arche de la liberté ?

Le texte d’Elsa Andrianou constitue une matière première fertile pour la création de compositions scéniques riches et variées, où parole, musique et action théâtrale coexistent à parts égales, contribuant conjointement à la narration. La performance réunit une distribution choisie d’acteurs, de danseurs et de musiciens polyvalents.

C’était un petit bateau…

Le navire s’appelait Mataroa et quitta la Grèce à l’aube du 22 décembre 1945. Dans l’une des périodes les plus sombres de l’histoire grecque moderne, à la veille de la guerre civile, sur fond de persécutions et de peur, le philhellène Octavius Merlier, directeur de l’Institut Français, en collaboration avec le directeur adjoint Roger Millieux, anticipa les développements politiques inquiétants. Grâce à des bourses de l’État français, ils exfiltrèrent la jeune élite intellectuelle grecque vers Paris. Le navire britannique Mataroa, dont le nom signifierait en polynésien « femme aux grands yeux », ou, selon d’autres interprétations, « perspicacité, préoccupation, espoir, vitalité », emmena 125 jeunes scientifiques et artistes grecs pour les sauver du « terrorisme blanc » qui avait suivi les révoltes de décembre.

Parmi eux : Cornelius Castoriadis, Costas Papaioannou, Mimika Kranaki, Costas Axelos, l’historien Nikos Svoronos, les étudiants en architecture Emmanuel Kindynis, Aristomenis Provelegios, Takis Zenetos, le cinéaste Manos Zacharias, le sculpteur Memos Makris, l’écrivain Elli Alexiou, le poète Matsis Hatzilazarou, et bien d’autres.

Ce précieux « chargement humain » chercha refuge dans les universités françaises et transforma, par leurs œuvres, la pensée, la science, les lettres et les arts à travers l’Europe. Mais depuis, que reste-t-il ? Quatre-vingts ans plus tard, pourquoi ? Pour quoi faire ?

Première coproduction de la Scène Alternative de l’Opéra National de Grèce et du Théâtre National

Les performances de Mataroa à l’ Horizon, première coproduction de la Scène Alternative de l’Opéra National de Grèce et du Théâtre National, marquent une œuvre contemporaine de pur théâtre musical. Dirigée par Thodoris Ambazis, compositeur et metteur en scène de renom, cette production combine une langue musicale et théâtrale contemporaine avec une harmonie parfaite. Pour la musique originale, Ambazis collabore avec Nikos Kypourgos, une figure majeure de la musique grecque contemporaine. Ensemble, ils créent un univers sonore unique, mêlant abstraction, mélodies nostalgiques et rythmes subtils, qui dialogue avec la musicalité et le mouvement des interprètes virtuoses.

S’appuyant sur le texte d’Elsa Andrianou, un hybride entre théâtre politique et poésie, Ambazis met en scène une œuvre captivante où mémoire et présent se répondent. Sur scène, le quai d’un port et une mer de drapeaux deviennent le cadre où les héros, aspirants voyageurs d’un nouveau Mataroa, chantent, dansent et rêvent, confrontés aux contradictions de leur héritage et de leur expérience européenne contemporaine.

https://www.nationalopera.gr/enalaktiki-skini/enalaktiki-skini-mousiko-theatro/item/6649-mataroa-ston-orizonta

Coproduction avec le Théâtre National
14, 15, 18, 19, 20, 21, 22, 26, 27, 28, 29 décembre 2024
02, 03, 04, 05, 07, 08, 09, 10, 11, 12 janvier 2025
Théâtre musical • Première représentation

Scène Alternative de l’Opéra National de Grèce
Centre Culturel de la Fondation Stavros Niarchos

Horaire : 20h30 (dimanche : 19h30)
Durée : environ 100 minutes
Sans entracte

Avec sous-titres en anglais

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